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CINEMA: AMANHECER - PARTE I

2011-11-18T23:50:00.009-02:00

A exemplo do capítulo final da franquia Harry Potter, que produtores e fãs fervorosos juram de pés juntos que não havia como retratar em um único filme, a entitulada Saga Crepúsculo achou por bem (sobretudo de suas finanças) dividir o último livro também em duas partes. Amanhecer - Parte I (Breaking Dawn - Part I, EUA, 2011) poderia perfeitamente se chamar Aborrecer - Parte I, a julgar pela chatice que ocupa 90% da fita e promete mais uma dose cavalar de abobrinhas para a pretensiosa segunda parte que estreará somente em 2012.

Para um fechamento de franquia, a produção deixou muito a desejar: faltou emoção no tão esperado casamento entre Bella (a coelha Kristen Stewart) e o vampiro Edward (Robert Pattinson), a tão badalada passagem do casal em lua-de-mel pelo Rio de Janeiro foi um mero arremedo e se resumiu ao confinamento em uma ilha que poderia ser em qualquer lugar do planeta e, por fim, além de prometer uma guerra mal formada entre lobos e vampiros, na hora "H" tudo esmoreceu e durou pouco mais de dois minutos, resolvendo-se da maneira mais imbecil possível. O desenlace do triângulo amoroso entre a mortal, o vampiro e o lobisomem Jacob (Taylor Lautner, que, apesar de meio canastra, sempre se sobressai nas interpretações dos filmes da franquia), que seria outra promessa da história, foi também pífio e mal aconteceu.

A única salvação desta primeira parte é a chegada do bebê de Bella e Edward. Não era nenhum segredo que isso aconteceria, pois o próprio trailer denunciava a gravidez, que, por sinal, acabou por se tornar um show de horrores, com direito a copos de refresco com sangue para Bella beber e cenas bizarras de parto. No mais, é o mesmo feijão com arroz que se viu nos três filmes anteriores: um discurso pudico e assexuado, vampiros bundões maquiados com pomada Minâncora, donzelas insossas, meninos-lobos rebeldes sem causa e diálogos toscos que se levam a sério. Não era de se esperar nada melhor de uma autora como Stephenie Meyer, seguidora de doutrinas religiosas que pregam virgindade e outras virtudes politicamente corretas, que pensa ser possível alterar toda uma mitologia macabra e sexual como a vampiresca sem soar, no mínimo, incoerente. O triste é saber que muita gente morde essa isca... Assim, em certos momentos não se pode culpar só o filme: a narrativa extraída do livro prefere solucionar tudo do modo mais fácil e bonitinho, sem maiores dramas ou qualquer vislumbre de inteligência.

O que se tem como produto final é um filme ruim, tampouco bom tecnicamente ou dramaturgicamente falando, mas que vai forrar o bolso de muita gente envolvida e vai continuar perpetuando uma cultura comercial mastigada e de fácil (porém amarga) digestão. Apesar das críticas negativas à franquia, as multidões peregrinam cada vez mais aos cinemas em cada lançamento - a maioria cinéfilos de ocasião - e ainda saem satisfeitas querendo mais. Não dá para negar que o filme contém todos os elementos pop chamativos para as grandes plateias da atualidade e usa isso ao seu favor: personagens jovens e bonitos, romance, lutas, tensão e piadinhas que, embora cretinas e muitas vezes constrangedoras e descabidas, ainda causam muitas gargalhadas nos espectadores.

Depois de ter assistido esta primeira parte, me pergunto se será realmente necessária a quebra em dois filmes, visto que quase todos os fatos importantes da trama foram resolvidos agora, restando aparentemente, somente o confronto final com o Clã Volturi - ao meu ver, um gancho fraco ao qual nenhum dos filmes anteriores deu muita importância. Mas isso é outra história para daqui a mais ou menos um ano!

CINEMA: OS 3

2011-11-08T22:00:00.004-02:00

Em tempos de Internet, redes sociais, consumo em massa e reality shows, o filme do diretor Nando Olival vem a calhar, não como discurso negativo sobre qualquer uma dessas realidades, mas como instrumento de entretenimento e reflexão sobre onde termina o que é real e começa o que não é. Os 3 (Brasil, 2011) é uma grande brincadeira com verdades e mentiras, bem arquitetada, de modo a não deixar o espectador, aqui fazendo o papel de voyeur, indiferente.

Cazé (Gabriel Godoy), Rafael (Victor Mendes) e Camila (Juliana Schalch) são jovens estudantes de comunicação recém-chegados do interior que se conhecem por mero acaso em uma festa e decidem morar juntos. Daí surge uma superlativa amizade entre o trio, sob o pacto de nunca se envolverem emocionalmente ou sexualmente. É evidente e nenhuma surpresa que o pacto não funciona e servirá de pivô para todas as derrocadas na história dos três amigos. Até aí teríamos mais um genérico de Três Formas De Amar (Threesome, 1994) ou Os Sonhadores (The Dreamers, 2003), mas a fita possui um trunfo em sua trama que a torna mais interessante.

Um projeto criado pelo trio para a faculdade propõe a instalação de câmeras em um apartamento, como em um Big Brother, onde produtos são expostos como de uso da casa e os clientes que assistem ao programa podem comprar online esses produtos ali exibidos. A ideia é abraçada por uma empresa que propõe que eles mesmos sejam os protagonistas deste reality shopping, o que se revela um verdadeiro fracasso em um primeiro momento. Somente quando, por acaso, começam a ocorrer brigas e cenas quentes entre os três, o negócio vira um sucesso e as fronteiras entre realidade e fingimento começam a se fundir, levando todos a conflitos que colocarão seu relacionamento à prova. Amizade - Amor - Paixão - Tesão: com estas 4 palavras-chaves a trama se apresenta e, (por que não?), se resume.

Os 3 é o tipo de filme pelo qual não se dá grandes coisas à primeira vista, mas acaba surpreendendo. Dono de uma trama interessante e com conteúdo - às vezes até divertida - , boas interpretações com pitadas de improviso e leite tirado de pedra com um orçamento curto e cenários limitadíssimos, o filme cumpre com competência sua missão enquanto distração, mensagem e sabe terminar na hora certa, de forma também satisfatória. É provável que passe batido pelos cinemas, embora seja digno de mais atenção.

CINEMA: O PREÇO DO AMANHÃ

2011-11-07T22:05:00.000-02:00

"Tempo é dinheiro" é um argumento forte no futuro aqui retratado: a humanidade mutou geneticamente, de modo que o indivíduo pára de envelhecer aos 25 anos e, deste ponto em diante, recebe um único ano a mais de tempo de vida, que pode ser ampliado de acordo com suas aquisições, trabalhos ou, em casos extremos, roubado de outros. O tempo é a moeda de troca para tudo, onde os pobres sucumbem e os ricos sobressaem-se às suas custas (uma espécie de alfinetada ao capitalismo do mundo atual).
Neste cenário é contada a história de Will Salas (Justin Timberlake, firme na carreira de ator e o mais recente queridinho de Hollywood), um operário que vê a mãe (Olivia Wilde) cair morta em seus braços pelo esgotamento de seu tempo. Após conhecer um homem cansado de viver por tanto tempo que lhe conta certas verdades sobre o mundo onde vivem, Will resolve ir à forra contra os poderosos e no caminho cruza com Sylvia (Amanda Seyfried), a filha de um banqueiro do tempo, a quem acaba sequestrando e posteriormente tomando por amante e cúmplice em sua jornada de Robin Hood do relógio.
Assim, O Preço Do Amanhã (In Time, EUA, 2011) é um filme de argumento interessante, mas mal desenvolvido. Seguindo a introdução da ideia central, tem-se o o enlace entre os personagens que desencadeia na sequência linear de eventos a ser percorrida até o final da narrativa e nada mais. O roteiro não reserva surpresas ou reviravoltas na trama, nem mesmo se pode identificar com certeza um clímax - a partir de um certo ponto, tudo se resume a um corre-corre incessante, movido a tiroteios em uma espécie de jogo de gato e rato entre a dupla de protagonistas e os agentes do tempo, estes liderados pelo personagem interpretado por Cillian Murphy (Batman Begins e A Origem). Em algumas partes o filme assume semelhanças gritantes com outro título recente, Os Agentes Do Destino (The Adjustment Bureau, EUA, 2011) - melhorzinho, diga-se de passagem.
O diretor e também roteirista Andrew Niccol (O Senhor Das Armas, S1m0ne e Gattaca) ateve-se em contar somente a história, sendo econômico nas alegorias de produção. Mesmo tratando-se de uma trama ambientada no futuro, não houve abuso de invencionices tecnológicas, como robôs, máquinas voadoras ou supercomputadores, o que talvez tenha salvo o filme de um desastre total. Os efeitos especiais não são exagerados e, não fosse a fita de ficção científica em sua essência, seria até bem convincente. O filme se assume como diversão pura e não tenta se levar a sério com metáforas aprofundadas sobre imortalidade, tempo e existência, o que também lhe garante certo crédito e o torna merecedor de uma audiência descompromissada.

CINEMA: O REI LEÃO

2011-11-06T18:00:00.001-02:00

Quando o assisti na telona pela primeira vez, em 1994, tinha exatamente a metade da idade que tenho hoje. Este era um ano onde Pixar não era sequer conhecida e o primeiro e revolucionário Toy Story se encontrava há dois anos de seu lançamento nos cinemas. Era até meio incomum adultos e adolescentes irem ao cinema para assistir desenhos (até porque o conceito de animação nem existia) - salvo acompanhados de uma criança.
Nostalgias e comparações à parte, o que venho afirmar é a magnitude que O Rei Leão (The Lion King) representa para o cinema até os dias de hoje. Produção da Walt Disney, a história do leãozinho Simba é um marco na história, seja por sua técnica impecável, por suas valiosas lições ou pela trilha sonora que ficou famosa principalmente pelas canções assinadas por Elton John. O sucesso do conjunto da obra foi tão grande que a Disney, já sob outro comando, cometeu o sacrilégio de realizar duas sequências (uma de 1998 e outra de 2004), coisa que seu fundador jamais permitiria.
Poucas vezes se viu em um desenho tamanha perfeição de traços e movimentos, mesmo dentro da própria Disney, que sempre imperou nesta área.
Talvez o grande trunfo de O Rei Leão tenha sido sua história, sobretudo no que toca na morte do pai de Simba e de como foi apresentada - o mais próximo disso que havia se visto nos grandes clássicos infantis foi em Bambi, de 1942, mas de forma muito mais sutil e sugerida. O roteiro aqui soube tratar a perda de forma emocionante, para tocar crianças e adultos. À parte disso, os incríveis personagens que habitam a trama colaboraram em riqueza e diversão: desde a doce leoazinha Nala, até o pássaro Zazu e o mandril Rafiki, passando, é claro, pela dupla inesquecível Timão e Pumba, que protagonizou sozinha a dispensável sequência de 2004. Um time de peso foi recrutado para dar voz a estes animais falantes: Matthew Broderick (Simba adulto), Jeremy Irons (Scar), James Earl Jones (Mufasa), Nathan Lane (Timão), o Mr. Bean Rowan Atkinson (Zazu) e a hoje apagada Whoopi Goldberg (hiena Shenzi), que à época era uma das maiores estrelas da indústria.
A grandeza de O Rei Leão perdura até os dias atuais, tanto que foi a primeira escolha dentre os clássicos Disney para ser transportado para o formato 3D e reestrear nos cinemas, mantendo-se campeão de bilheterias por 3 semanas consecutivas nos EUA neste ano. Com seu recente lançamento em DVD, Blu-Ray e Blu-Ray 3D ao redor do mundo, bem como suas continuações, perpetua-se mais uma vez o título deste já clássico infantil e universal - e, claro, enche-se mais um pouquinho os já abastados cofres da Disney.

CINEMA: A PELE QUE HABITO

2011-11-05T18:00:00.005-02:00

Em meio a comentários de que havia produzido seu primeiro terror e dirigido seu filme mais sombrio até então, o renomado diretor espanhol Pedro Almodóvar surpreende com sua nova obra, A Pele Que Habito (La Piel Que Habito, Espanha, 2011) - na verdade um drama com pitadas de thriller, violência e, por que não dizer, terror, regado a muito sexo e a loucuras almodovarianas, marcas da quais o cineasta andava mais econômico em suas produções recentes.
Para encarnar o protagonista - por assim dizer - Robert Ledgard, foi escalado Antonio Banderas, representando aqui um médico/cientista que mais parece uma cruza de Dr. Frankenstein com a Noiva de Kill Bill, respeitando suas devidas proporções, é claro. Banderas está contido e, depois de mais de 20 anos após sua última parceria com Almodóvar, bem menos canastra do que o usual. Ao lado dele, brilham Marisa Paredes (parceira de longa data do diretor, que participou de Fale Com Ela, De Salto Alto e Maus Hábitos, entre outros títulos), como a governanta Marília, e a bela Elena Anaya como Vera, o grande pivô de toda a trama.
Para não entregar nenhum dos vários segredos que o roteiro reserva, pode-se resumí-lo da seguinte forma: Robert é um cirurgião plástico que vive isolado em uma mansão com sua governanta e lá mantém uma mulher cativa que lhe serve de espécie de cobaia, na qual experimenta o desenvolvimento de uma pele perfeita para o ser humano, entre outros feitos.
Com este poético e inspirado título, A Pele Que Habito é um dos trabalhos mais interessantes do diretor, adentrando em um universo científico, bizarro e, em determinados momentos, até grotesco. Com idas e vindas entre passado e presente, a certa altura da fita há a impressão de que a história fechou um ciclo e sua continuidade saiu dos eixos, mas pouco a pouco tudo começa a se revelar magnificamente orquestrado e as partes vão se encaixando, entregando em detalhes todas as respostas, mesmo algumas que nem se desconfiava existirem. A única ressalva que fica é de que trata-se de um trabalho para apreciadores e simpatizantes da obra de Almodóvar: a trilha exagerada, a película que, como canta Adriana Calcanhotto, segue o padrão "cores de Almodóvar" e toda a atmosfera brega do cinema espanhol - em um bom sentido -, somados a uma trama que, embora diferente, é totalmente inverossímil, podem levar gente a sair do cinema descontente com o que viu - mas isso é exatamente o melhor do cinema, mexer com as pessoas. E aqui a missão é cumprida com a competência de um mestre!

CINEMA: ENTRE SEGREDOS E MENTIRAS

2011-11-04T17:30:00.004-02:00

O diretor Andrew Jarecki ganhou prestígio quando dirigiu em 2003 o bom documentário Na Captura Dos Friedman e agora estreia no campo da ficção, dirigindo com mão pesada o mediano Entre Segredos E Mentiras (All Good Things, 2010). A história, baseada em fatos reais e calcada na trajetória de David Marks (interpretado com competência pelo ascendente Ryan Gosling) entre os anos de 1971 e 2003, procura elucidar os mistérios que envolvem o desaparecimento (e possível assassinato) de sua esposa Katie (Kirsten Dunst) em 1982, do qual foi acusado e absolvido.
O percurso mostra o envolvimento amoroso de Mark e Katie, a pressão do poderoso pai (Frank Langella) para que Mark assuma os negócios escusos da família, e, em clima de reviravolta, o desabrochar de uma identidade perturbadora no personagem, culminando em desvio de comportamento, lembranças do passado, violência doméstica e no suposto crime não desvendado até hoje. O roteiro de Marcus Hinchey e Marc Smerling se dá a liberdade de desvendar o crime, sugerindo método, datas, locais e envolvidos, o que tira fôlego da fita, subtraindo o suspense da trama e enfraquecendo a construção do personagem de Mark - até então interessantíssimo - promovendo-o a um reles psicopata, através de uma sucessão de outros assassinatos que realmente ocorreram.
Falta também identidade ao filme: romance, drama e thriller de assassinato andam juntos, mas não conversam... É como se fossem vários filmes em um mesmo, que se sucedem, mas não se completam. A duração se arrasta um pouco além da conta e o timing também prejudica a evolução.

CINEMA: OS TRÊS MOSQUETEIROS

2011-11-03T00:01:00.000-02:00

Vendido como uma releitura cinematográfica "moderna" do clássico literário de Alexandre Dumas (1802-1870), esta nova versão de Os Três Mosqueteiros (The Three Musketeers , de Paul W.S. Anderson, 2011) nada mais é do que um enlatado sem-vergonha com pretensões de franquia, cheio de invencionices tecnológicas, canastrices de elenco e reviravoltas na trama de tontear até barata - ainda carrega consigo a marca do 3D, outro embustre tecnológico que virou status diferencial para muito filme sem muito mais o que oferecer.
Logan Lerman, quem também vive no cinema o personagem Percy Jackson, aqui é o protagonista D'Artagnan e... Nossa! Não tinha notado ainda como ele é ruim: fora a péssima atuação, de carona ganhou um aplique "caminho de rato" nos cabelos que mais parece comprado na 25 de março. Em sua companhia, os 3 mosqueteiros do título são vividos pelos atores Matthew Macfadyen (Athos), Ray Stevenson (Porthos) e Luke Evans (Aramis) e não sãos mais que meros apetrechos caricatos. A primeira dama Milla Jovovich encarna a espiã Milady de Winter e, embora esteja confortável no papel e de certa forma seja interessante sua versão "Resident Evil" para a personagem, esmorece com a trama pífia repleta de traições e trocas de lados - a única e mais fácil saída encontrada pelos roteiristas.
Junte a isso o meia-boca Orlando Bloom, um Christoph Waltz afetadíssimo (aliás, o que mais esse cara fez de prestável, além de Bastardos Inglórios?) e uma dupla rei afeminado / rainha palerma (Freddie Fox e Juno Temple) e tem-se um desastre total, numa história que reúne os mosqueteiros e D'Artagnan no resgate de uma jóia que pode desencadear a guerra entre a França e a Inglaterra - e nessa gincana dá-lhe navios voadores (quê?), explosões e tiros sem fim no lugar dos duelos de espadas, Leonardo DaVinci e outros absurdos fora de contexto, para no fim ficar um maldito gancho que pode transformar esse despautério no primeiro capítulo de uma triologia.

CINEMA: CONTÁGIO

2011-11-02T10:00:00.003-02:00

"Nada se espalha como o medo" - o slogan de promoção do novo filme de Steven Soderbergh (diretor da triologia Onze / Doze / Treze Homens E Um Segredo e Erin Brockovich) é o que melhor o resume. Diante de um novo vírus que ataca o organismo humano como um resfriado e em poucos dias afeta o sistema cerebral, levando o indivíduo à morte, o cineasta apresenta uma história honesta de como a humanidade não está preparada para situações limite e do importante papel que o pânico exerce nesses momentos.
A tensão que se estabelece na fita, sobretudo nos momentos iniciais, quando se passa a perceber como o vírus se espalha, não necessita de apelos, pois é sutil e progressiva. Um universo de eventos desencadeados com a doença dita o andamento da história, envolvendo cientistas, burocratas, pessoas infectadas, amedrontadas, aproveitadores e teóricos da conspiração.
O que de melhor Contágio (Contagion, 2011) tem são seus personagens: embora seja um vai-e-vem de cenários e personagens distintos, tudo está muito bem costurado e o elenco estrelar colabora em grande parte com o êxito da trama. O sexteto formado por Matt Damon, Gwyneth Paltrow, Kate Winslet, Laurence Fishburne, Jude Law e Marion Cotillard é, por si só, um atrativo a seu favor. O único tropeço de Soderbergh aqui é o ritmo: o filme é demasiado burocrático e seus 100 minutos de duração tornam-se intermináveis em certo ponto. Verdade que, a exemplo do material promocional, o tom amarelado da película também causa um certo desconforto, mas nem por isso Contágio deixa de ter mensagem e inteligência - artigos raros no mercado hollywoodiano dos dias de hoje.

CINEMA: O PALHAÇO

2011-11-01T21:54:00.004-02:00

Em seu segundo longa-metragem como diretor, Selton Mello se redime da estranheza de sua estreia com Feliz Natal (Brasil, 2008) e brinda o público com o genial O Palhaço (Brasil, 2011).
Selton vive o palhaço Pangaré, filho do dono do circo, o também palhaço Puro-Sangue (Paulo José, em uma atuação majestosa). Por trás da maquiagem do divertido Pangaré, há Benjamim, um homem quieto que carrega nos ombros uma tristeza ímpar e uma inquietude sobre seu verdadeiro lugar no mundo. Esta jornada de descoberta pelo interior do Brasil conduz o roteiro escrito pelo próprio diretor em parceria com Marcelo Vindicato.
Embora não seja explicitada na fita, a trama se ambienta no início da década de 80, proporcionando um clima nostálgico e cheio de memorabília para os que viveram aqueles tempos. O circo mambembe com o qual os personagens viajam é tão pobre quantos as cidades que visita, o que enriquece ainda mais a história - a simplicidade do povo, a piada ingênua, os personagens pitorescos, a alegria na tristeza e a tristeza na alegria compõem um mundo circense de magia, palmas e risos pagos com suor, sangue e lágrimas, em uma inspiração que se dá ao direito de beber na fonte de mestres do cinema, como Charlie Chaplin e Federico Fellini. Triste e divertido ao mesmo tempo, é um dos melhores lançamentos recentes do nosso cinema.

CINEMA: MEDIANERAS - BUENOS AIRES NA ERA DO AMOR DIGITAL

2011-10-19T20:34:00.004-02:00

Solidão e desconforto nas grandes cidades são efeitos. Construções, tecnologia e Internet são causas. Assim se forma o cenário para Medianeras - Buenos Aires Na Era Do Amor Digital (Medianeras, Argentina, 2011), um romance/drama ambientado na capital portenha, fato que se torna conhecido com o subtítulo bobo, comercial e desnecessário que também aparece na tradução para o inglês.
Javier Drolas é Martín, um webdesigner que sofre de síndrome do pânico, por isso vive enclausurado em seu apartamento minúsculo, sua comunicação com o mundo real é praticamente pela Internet e suas únicas visitas são praticamente os motoqueiros de telentrega. Pilar López de Ayala é Mariana, uma arquiteta frustrada que ganha a vida como vitrinista e vem de um casamento fracassado que lhe custou 4 anos e a deixou sem chão. Os dois são vizinhos e moradores da famosa Avenida Santa Fé, possuem destinos que apontam em uma mesma direção, mas ainda assim nunca se cruzaram.
Através de narrações em off dos próprios personagens e com passagens de tempo marcadas por estações do ano, a história dos dois jovens é contada em paralelo, com bom humor, ironia e uma pitada de reflexão que remete às nossas próprias realidades quando o assunto é o afastamento cada vez maior que temos do convívio das pessoas por conta do ritmo frenético e das mudanças de comportamento do mundo moderno. A frase de Martín "A Internet me aproximou do mundo, mas me afastou da vida" representa bem algumas das mensagens deixadas pelo filme, que foi escrito e dirigido por Gustavo Taretto, estreante em longas metragens.
Há muitas referências, sugestões e mensagens subliminares que contribuem para o enriquecimento da narrativa - logo no início da fita, o suícidio de um cachorro e a imagem de um menino andando para a frente e para trás de triciclo em uma sacada minúscula deixam pistas de onde a história quer chegar. A referência ao livro Onde Está Wally? é outra grande e importante sacada. O diretor soube aproveitar bem a capital argentina para mostrar tanto o belo quanto o feio que ela pode oferecer, sem exaltações ou critícas específicas - Buenos Aires representa todas as grandes metrópoles do planeta, que sofrem dos mesmos problemas em diferentes proporções, sem ser diretamente o alvo das críticas proferidas.
Medianeras é um bom filme, com o mérito de ter uma história interessante para contar, de saber contá-la com o bom uso de símbolos e representações que são facilmente captadas pelo espectador e de ainda usar essa história mais como meio do que como fim para expor um ponto de vista, deixando ainda uma pulguinha de dúvida atrás da orelha sobre para onde estamos levando nosso planeta e como está nosso estilo de vida. Ah, o que são as medianeras do título? É melhor assistir para obter a explicação, pois contar aqui seria estragar parte do desfecho do filme, embora ele seja bem previsível.

CINEMA: O FILME DOS ESPÍRITOS

2011-10-12T17:12:00.006-03:00

O Filme Dos Espíritos (Brasil, 2011), dirigido pela dupla André Marouço e Michel Dubret, é mais um título que pega carona na onda espírita, iniciada em 2008 com a produção Bezerra De Menezes: O Diário De Um Espírito, cuja temática visa atrair adeptos da doutrina, simpatizantes, curiosos e os próprios fãs de cinema em geral. Como o próprio título sugere, o filme tem como inspiração O Livro Dos Espíritos, publicado por Allan Kardec em 1857, inspiração que, além de se valer de alguns trechos do escrito, emprega "lições" ensinadas pela doutrina e utiliza o próprio objeto livro como personagem para a história que é contada.
No centro da narrativa encontra-se Bruno Alves (Reinaldo Rodrigues), um homem atormentado por uma vida de dificuldades e alcoolismo, à beira do suicídio que, em um dado momento entra em contato com o livro de Kardec e passa a ter descobertas que mudarão o rumo de sua vida. Há algumas outras histórias paralelas que são contadas, na intenção de depois juntar tudo através do cruzamento dos personagens em alguns cenários e situações, mas de modo geral têm muito pouca importância se comparadas à atenção dada para a história do protagonista - é o caso da história do Dr. Levi e sua esposa Gabi (Nelson Xavier e Ana Rosa, respectivamente - dois atores que nos últimos tempos se tornaram figurinhas fáceis em filmes desta temática), que poderia ser melhor explorada, mas finda mais por servir de acessório do que de segmento de trama.
A narrativa não se assume doutrinária, porém soa como tal em diversos momentos: o simples fato do personagem Bruno andar com o livro por toda a parte já dá pistas da pretensão, assim como citações soltas de trechos da obra utilizadas para ilustrar certas cenas. As imagens em flashback apresentadas tornam as revelações da trama óbvias e não surpreendem nem mesmo o espectador mais distraído. Como função social, cumpre papel ao divulgar o importante trabalho das Casas André Luiz, clínicas de assistência a portadores de doenças mentais, local onde trabalha o Dr. Levi e que passa a ser visitado frequentemente por Bruno.
O filme tem suas pontas soltas e leva o fim da história um pouco além do necessário: a velha mania de explicar tudo tim-tim por tim-tim. A produção tem seus defeitos, mas consegue um conceito regular, com alguns méritos. A temática é pesada de um modo geral, tratando quase que por unanimidade com a morte, a doença, a perda e a solidão, mas a direção sabe em alguns momentos brilhantes ser sutil, abrandando o peso de forma sugerida, sem ser explícita demais. Um atrativo no mínimo curioso para uma conferida é a participação de Luciana Gimenez (hein? sim, ela mesma!) no papel de uma velha, quase irreconhecível - se ela fez bonito ou não, tirem suas próprias conclusões.

CINEMA: MEU PAÍS

2011-10-11T20:09:00.003-03:00

Dizem que o lar de um homem é onde está o seu coração - posso até ter entendido tudo errado, mas esta frase foi a mensagem que ficou para mim após assistir Meu País (Brasil, 2011), e também a justificativa para o título, embora este possa ter relação com o retorno à pátria do personagem principal Marcos, vivido por Rodrigo Santoro.
Engana-se quem pensa que trata-se de um filme patriótico ou de exaltação ao Brasil: fora algumas poucas passagens com cortes rápidos de São Paulo, não há espaço para Carnaval, futebol ou bunda de fora, nem mesmo para críticas à nação numa vibe Odete Roitman - o país de Marcos, ao qual ele de fato retorna, é sua família! Seu regresso da Itália ao lado da mulher Giulia (a bela atriz italiana Anita Caprioli) é motivado pela morte de seu pai Armando (em uma participação breve, mas importante de Paulo José), onde reencontra o irmão Tiago (um contido Cauã Reymond) - playboy irresponsável que está mergulhado em dívidas de jogo - e tem a descoberta de uma meia-irmã (vivida por Débora Falabella) internada em uma clínica para doentes mentais.
O fio condutor da trama é esta relação entre irmãos que passa a se estabelecer. Marcos, o mais velho, bem-sucedido e responsável vê-se frente a um irmão que não quer amadurecer e a uma irmã que, devido aos problemas mentais, jamais o irá. É preciso ainda lidar com toda uma vida construída que está sendo deixada para trás e sustentar o relacionamento com sua esposa.
O diretor Andre Ristum, estreante na direção de longas, tem em mãos uma produção que pode ser considerada, no mínimo, de bom resultado. Com eficiência, o filme mergulha o espectador em uma tristeza silenciosa - não a do tipo que chega com uma notícia e acerta um soco seco no estômago, mas sim aquela que vai consumindo aos poucos, em cada detalhe, como uma doença degenerativa. O tom nostálgico da narrativa, amarrando passado e presente através de pequenos objetos e retratos e a palheta desmaiada e escurecida da fotografia ampliam a experiência de melancolia, que jamais é alcançada com a facilidade do dramalhão clichê ou qualquer outra obviedade.

CINEMA: O HOMEM AO LADO

2011-10-11T19:30:00.000-03:00

Segundo a Wikipédia, Le Corbusier foi um arquiteto, urbanista e pintor francês de origem suíça, considerado um dos maiores do século XX em sua área. Leonardo (Rafael Spregelburd) vive com sua família na cidade de La Plata, Argentina, na única casa desenhada em toda a América pelo citado Le Corbusier, considerada uma obra-prima da arquitetura moderna. Em um dia qualquer, o homem dá-se conta que um vizinho, Victor (Daniel Aráoz), resolve abrir uma nova janela, invadindo o campo de visão da família de Leonardo e, claro, denegrindo a concepção da casa onde vive.
A construção desta nova janela é apenas a desculpa para o desenrolar do drama O Homem Ao Lado (El Hombre De Al Lado, Argentina, 2009), que busca uma reflexão do que pode acontecer quando dois mundos totalmente estranhos e diferentes passam a se ter conhecimento ou vêm a colidir. Com esta descoberta, vem a revelação da essência do ser humano em situações que, mesmo banais, podem acabar se tornando limítrofes. De um lado Leonardo é um designer de móveis bem-sucesido, porém covarde, egoísta e cujo casamento e também o relacionamento com a filha adolescente beiram o fracasso. De outro, Victor é um homem intimidante, truculento e ao mesmo tempo doce, que deixa dúvidas em muitos momentos sobre quais suas reais intenções.
Os altos e baixos das relações de empatia e rejeição que se formam entre estes personagens são narrados, assim como a janela de Victor, em forma de construção e desconstrução. Laços que se atam e se desatam, atitudes inusitadas e demonstrações do que cada um é capaz na busca por seus objetivos compõem a história deste filme dirigido pela dupla Mariano Cohn e Gastón Duprat. O resultado é um filme mediano, belo na composição de seus protagonistas, mas de dinâmica arrastada e em alguns momentos um pouco entediante, com um desdobre dificultoso e demorado a chegar.

CINEMA: UM CONTO CHINÊS

2011-10-11T10:00:00.000-03:00

Falar mal de argentino é quase tão típico de brasileiro quanto fazer piadas de português. Seja lá qual for o motivo, excetuando-se a rivalidade no futebol - a qual pouco me lixo - vejo que temos muito mais motivos para prestigiar os "hermanos" do que para avacalhá-los. Um deles é o seu cinema, cada vez mais interessante. Não que não tenhamos aqui no Brasil produções de qualidade excepcional e grandes sucessos de bilheteria, mas nos últimos anos muito tem-se falado (e geralmente bem) de produções advindas do país aqui do lado. Na onda de bons filmes portenhos vem Um Conto Chinês (Un Cuento Chino, 2011), que já está há algumas semanas em cartaz e tem sido sucesso de público e de crítica na base do boca-a-boca.
Fato que parte deste sucesso se deve à presença no elenco de Ricardo Darín (de O Segredo Dos Seus Olhos e O Filho Da Noiva, entre outros), possivelmente o ator mais importante do país na atualidade. Darín vive o protagonista Roberto, um solitário, solteirão e muito mal-humorado dono de ferragem de bairro que um dia socorre o recém-chegado chinês Jun (Ignacio Huang) de um ataque de ladrões. Sem nenhuma ideia de o que fazer, Roberto abriga o imigrante em sua casa, estabelecendo ali o fio condutor deste belo conto.
O mau humor do protagonista, as atrapalhadas do chinês e as situações difíceis de comunicação entre os dois são responsáveis por algumas das risadas da plateia, mas o filme vai muito além da comédia: as relações humanas, o surgimento da amizade, a dificuldade de adaptação ao novo e a instabilidade emocional do indivíduo são temas sutilmente pincelados que injetam vida à trama e fazem dela uma excelente lição de convívio, sem vocação alguma para o dramalhão. Tecnicamente o filme é simples, mas muito competente - nota-se que o esmero da produção está focado no desenrolar da história e de seus personagens pitorescos, que incluem ainda a prestativa pretendente de Roberto, Mari (Muriel Santa Ana). Dirigido por Sebastián Borensztein, egresso da TV, este conto chinês diverte, emociona e envolve, trata de forma carinhosa do choque cultural entre ocidente e oriente sem jamais cair no mau gosto ou no campo dos estereótipos para arrancar risadas fáceis do público, brinca com o surreal sem exagerar na dose (incluindo uma vaca que cai do céu), embora traga um pouco de instabilidade à narrativa, mas sem comprometer o resultado e é disparado uma das melhores opções em cartaz do momento.

CINEMA: CONTRA O TEMPO

2011-10-10T19:30:00.004-03:00

Quando me perguntaram do que se tratava o filme Contra O Tempo (Source Code, 2011, que entra no Brasil com grande atraso em relação ao resto do planeta - nos EUA e na Europa já foi lançado em Blu-Ray), disse que a trama consistia em um trem que explode e um homem tem a chance de voltar quantas vezes for preciso para aquele momento, até descobrir o autor do atentado, tendo sempre 8 minutos para tal tarefa. Disse ainda que mais do que isso não revelaria, sob pena de estragar o mote deste filme, no mínimo interessante, dirigido por Duncan Jones, diretor novato, cujo filme mais conhecido que dirigiu até então tinha sido Lunar, de 2009.
No início o filme parece meio confuso, mas aos poucos tudo vai se esclarecendo sem grandes tratados teóricos ou necessidades de explanação. É um samba do crioulo doido que mistura ação, suspense, ficção e uma pitadinha de drama, mas que funciona bem quando bem definidas as doses. Jake Gyllenhaal encarna o personagem principal, Colter Stevens, que não lhe exige grande interpretação, mas lhe serve perfeitamente. Michelle Monaghan é Christina e Vera Farmiga é Goodwin, personagens secundários, mas de grande importância às necessidades da história.
Com um tiro curto de 93 minutos, Contra O Tempo cumpre bem o seu papel de entertenimento e até deixa brechas para questões e ideias sobre o desenrolar da trama. A ideia reciclada foi bem aproveitada e tornou-se um título bem interessante, muito acima da média dos lançamentos americanos que tem se visto ultimamente nos cinemas.

CINEMA: SEM SAÍDA

2011-10-10T12:00:00.002-03:00

Atualmente Hollywood parece ter poucas alternativas para produzir seus filmes: ou se faz um reboot/continuação/remake de uma fórmula garantida, ou se cria uma megaprodução em cima de uma bomba com potencial para se tornar blockbuster ou se arrisca em algo criativo que tanto pode ser um sucesso como tornar-se um fracasso comercial (opção que tem sido a bem menos utilizada dentre as três). Sem Saída (Abduction, 2011), do diretor John Singleton, é um híbrido das duas primeiras alternativas.
Em cima de uma trama mais que manjada e sem surpresas, a saída foi escalar um elenco conhecido de coadjuvantes (que aí inclui Alfred Molina, Sigourney Weaver e Maria Bello) e encabeçá-lo com um ator sensação do momento - no caso, o lobisomem da saga Crepúsculo Taylor Lautner - mesmo que o maior talento do mesmo seja sua musculatura, que insistentemente os filmes dos quais ele participa fazem questão de mostrar sem pudores. Trata-se de uma ideia pouco original, mas um tiro quase certeiro: se ninguém gostar do filme, pelo menos o lucro dos ingressos das menininhas adolescentes está garantido!
Não é necessário repetir mais que o filme é bem meia-boca. Por incrível que pareça, seu maior defeito não é a falta de inovação ou o roteiro óbvio, e sim o ritmo da trama: com um início até interessante, mesmo que todo revelado nos trailers, há um certo fator interessante até o momento em que Nathan, o personagem de Lautner, descobre através de um site de crianças desaparecidas que seus pais não são quem dizem ser. Segue-se algumas cenas de ação e então a trama quase morre com Nathan e sua namoradinha sem sal Karen (Lily Collins) fugindo de bandidos soviéticos (sempre eles) e de agentes da CIA mal intencionados liderados por um Alfred Molina totalmente sem inspiração.
Daí para a frente é só ladeira abaixo, salvas algumas cenas de ação bem elaboradas e protagonizadas pelo garoto Lautner (verdade que a juventude permite ao astro certas acrobacias dignas de inveja aos Tom Cruises e Denzel Washingtons dos dias de hoje). Com um final irritantemente previsível, o grande mistério é resolvido de maneira fácil e sem graça. Uma ameaça de gancho para uma possível e desnecessária continuação é deixada e nada além deste par de comentários sobra como saldo.

CINEMA: CAPITÃES DA AREIA

2011-10-09T20:05:00.008-03:00

Dirigido por Cecília Amado, neta de Jorge Amado, não por acaso o autor da obra, o filme Capitães Da Areia antecipa o início das comemorações do centenário de nascimento do escritor baiano morto em 2001, a ser celebrado oficialmente durante o ano que vem.
A história, que trata da vida de uma gangue de pivetes atuantes na tumultuada capital Salvador na metade do século passado, como livro funciona muito bem, sendo a obra mais vendida do autor até hoje. Ao ser passada para a tela, perde a força, devido a pulos longos na narrativa, que terminam por confundir o espectador - em alguns momentos deixando-o sem saber onde está situada a trama. Mas nem só de defeitos vive a fita de estreia de Cecília Amado: com um elenco formado por anônimos, muitos deles estreantes, o acerto na caracterização dos personagens e na ambientação, figurino e cenografia são dignos de elogios, sem contar a fotografia impecável!
Liderada por Pedro Bala (Jean Luis Amorim), a gangue dos Capitães da Areia é um grupo de meninos órfãos, rejeitados pelas famílias e fugitivos de abusos domésticos, que conta também com os companheiros Gato (Paulo Abade), Professor (Robério Lima), Sem Pernas (Israel Gouvea) e, posteriormente, a menina Dóra (Ana Graciela). A dura luta pela sobrevivência, a incursão no mundo do crime através de pequenos furtos e contravenções, a perda da inocência e a descoberta do sexo e do amor usam como pano de fundo as riquezas culturais e naturais da Bahia, como o Candomblé, a capoeira, a fé, as festas, o mar e as belas paisagens agrestes para narrar uma pequena parte da triste saga deste grupo de crianças - ou nem tanto. Aliadas à bela trilha sonora produzida por Carlinhos Brown, certas cenas isoladas, aliadas às transcrições originais do livro, tornam-se verdadeiras obras de arte.
Pode-se dizer que Capitães Da Areia é mais competente técnica e esteticamente do que dramaturgicamente - o velho problema do roteiro, aqui assinado pela própria diretora em parceria com Hilton Lacerda. Pela duração tolerável de 96 minutos, pela beleza das imagens (mesmo que muitas delas estejam ali mais como alegoria do que como incremento significativo na trama), pela ótima atuação dos atores - sobretudo os mirins - e por algumas boas passagens, principalmente as dramáticas, o filme não é de todo mau e merece uma espiada, principalmente por quem prestigia o cinema feito no Brasil.

POR ONDE ANDA VOCÊ?

2010-12-20T21:15:00.007-02:00

Após quase 6 meses, exceto por algumas aparições tímidas no Twitter, o blog retoma suas atividades. Neste período muita coisa foi vista e descoberta, algumas muito boas, outras nem tanto, como é prache na vida... Antes de situar a nave no tempo presente, achei de bom grado me redimir dos meus 2 ou 3 leitores e fazer um resumo do que rolou de mais bacana na telinha, na telona e nos palcos, dentro daquilo que minha niqueleira pôde bancar. Então, sem muita enrolação, vamos lá!

-SHOWS MUSICAIS-
Adriana Partimpim: Dois É Show
Alter-ego da cantora Adriana Calcanhotto, a personagem de óculos de papelão e voz delicada pintou como uma das grandes atrações do Porto Alegre Em Cena deste ano. No repertório, músicas do mais recente álbum (Dois), mescladas com as do primeiro. Um show divertido e muito bem produzido, mas muito gessado e com pouca espontaniedade, praticamente idêntico ao que já se pode conferir no DVD lançado no mês de outubro.

Pedro Abrunhosa & Comitê Caviar
O cantor pop português foi um dos grandes destaques internacionais do Em Cena, apresentando no show seu último álbum e sucessos de sua carreira. A plateia, que o recebeu com frieza no início, foi sendo cativada aos poucos e saiu satisfeita com a performance competente do artista lusitano.

Luiz Tatit: Sem Destino
Ainda no Em Cena, o cantor paulista deu um banho de talento com sua simpatia, suas canções muito bem letradas, bons músicos e participações mais que especiais, como a da cantora Ná Ozzetti.

Green Day: 21st Century Breakdown Tour
Em turnê pelo Brasil, a banda californiana aportou em Porto Alegre (Gigantinho, 13 de outubro) com pirotecnia, som pesado, maquiagem borrada e um concerto com duração de quase 3 horas, onde desfilou sucessos de ontem e de hoje, de uma carreira de mais de 20 anos. Um grandioso espetáculo, cercado por muita expectativa, que terminou muito bem elogiado, embora a postura da banda tenha se tornado a de recreacionistas de playground, literalmente lotado de crianças. É fato, o tempo passou, mas a banda continuou se mantendo jovem a ponto de ter ficado pra trás em relação aos fãs, que envelheceram - a tática foi cativar o público da geração de hoje, o que, pelo que se comprovou, foi feito com maestria.

Black Eyed Peas: The E.N.D. Tour
No dia 30 de outubro, Will.i.am, Fergie e cia trouxeram pela terceira vez uma turnê do Black Eyed Peas a Porto Alegre. Foi um show magnífico, marcado por batidas eletrônicas (do hip-hop e do dance, a nova adesão da banda), muitos sucessos que marcaram a geração dos dias de hoje e um espetáculo visual de lasers, telões e efeitos especiais. Mais que sua música, a banda trouxe o futuro em sua turnê.

-CDs DE MÚSICA NACIONAL-
Dentre as coisas bacanas que surgiram no cenário nacional nos últimos meses, tem o novo de Vanessa Da Mata (Bicicletas, Bolos E Outras Alegrias), com a maioria das canções de autoria da própria cantora, tratando de infância, relacionamentos e "coisas de menina" - um trabalho que merece ser conferido.
O pernambucano Lenine compilou seus lados-B em Lenine.doc: Trilhas, reunindo trabalhos feitos para trilhas de especiais, novelas e filmes, entre outros - faixas nunca antes lançadas em seus álbuns. Tem muita coisa bacana a ser desbravada neste trabalho, de um artista de talento ímpar em nossa MPB.
Uma volta no túnel do tempo forma a coletânea Sabiá Marrom: O Samba Raro De Alcione, com gravações até então inéditas da "Marrom" no formato CD, incluindo compactos, lados-B, faixas ao vivo, covers, participações em trilhas e até versões de seus sucessos em espanhol. Uma boa pedida para quem é fã da cantora.
No formato ao vivo, sairam os registros mais recentes de Nando Reis (com seu Bailão Do Ruivão - uma mescla de celebração dos velhos tempos com o que há de mais brega no cancioneiro popular), Roupa Nova, Simone, Ivete Sangalo (com o show gravado em Nova York), Maria Gadú, Skank e Maria Bethânia, com seu vibrante Amor, Festa, Devoção.

-CDs GRINGOS-
A pop star Rihanna lançou seu mais recente álbum Loud na carona do sucesso que foi seu dueto com o rapper Eminem em "Love The Way You Lie" e, em pouco mais de 2 meses, já estourou com os singles "Only Girl (In The World)" e "What's My Name". O álbum é culminado pela batida eletrônica, com bem menos hip-hop e reggae, ritmos que marcaram presença forte em seus últimos trabalhos.
Katy Perry reforça o sucesso de seu álbum de estreia com seu recente Teenage Dream, tendo como carros-chefe "California Gurls" (considerado o grande hit do verão americano) e a faixa-título, que atualmente vem bombando nas paradas musicais. Trata-se de um álbum simples de cantora pop, gostoso de se ouvir, e, talvez até melhor que seu antecessor.
Shakira resolveu voltar um pouco às origens latinas com Sale El Sol, de resultado duvidoso: o álbum é uma mescla de canções curtinhas e alegrinhas, sem peso e com a maioria das letras descartáveis, longe da artista criativa que estourou no meio dos anos 90 e muito mais próxima da Barbie que ela se tornou quando sua carreira caiu nas mãos do produtos Emilio Estefan Jr.
O Black Eyed Peas soltou no finalzinho de novembro o álbum The Beggining, uma espécie de sequência de seu álbum anterior, The E.N.D., seguindo a linha dançante e recheado de loops, beats e samplers.
Glee, a atual sensação da Fox no mundo das séries, já despejou em seus primeiros 10 episódios, 3 álbuns: um chatíssimo em homenagem ao The Rock Horror Show, um cafona de Natal (até agora o único disponível para venda no Brasil) e o Volume 4 dos episódios regulares, um dos melhores até agora, recheado de sucessos radiofônicos atuais.
Tem ainda o novo de Sheryl Crow (100 Miles From Memphis) - com várias de participações especiais e com pouca pretensão comercial -, o debut do grupo country (e bem interessante) Lady Antebellum, Christina Aguilera em dose dupla, com seu pouco expressivo Bionic e com a trilha sonora do filme Burlesque (onde ela atua e canta ao lado da veterana Cher), os novos álbuns dos retomados Stone Temple Pilots e Creed. E segue a lista!

Amanhã eu volto para comentar sobre as séries de TV que rolaram neste hiato!

CINEMA: ECLIPSE

2010-07-05T20:35:00.005-03:00

Eclipse (The Twilight Saga: Eclipse, 2010), terceira parte da quadrilogia escrita por Stephenie Meyer, era um dos títulos cinematográficos mais aguardados para este ano, senão o principal. Em torno da história do romance entre a mortal Bella Swan (Kristen Stewart) e o vampiro Edward Cullen (Robert Pattinson) formou-se um universo de produtos e histórias derivadas, arrebanhando milhões de fãs ao redor do globo terrestre. O público jovem, principalmente o adolescente, é o alvo principal da trama, que tem visual, som e enredo feitos sob medida para conquistar a molecada, sobretudo as meninas.
A constatação sobre Eclipse é subjetiva - para quem gosta, deve ser ótimo; para quem não gosta, é mais do mesmo. Apesar de todo o frisson gerado em torno do lançamento da fita, com promessas de menos inocência, mais ação e mais terror, na essência acaba sendo igual aos seus antecessores Crepúsculo (Twilight, 2008) e Lua Nova (New Moon, 2009): um romance juvenil, com direito a triângulos amorosos, promessas eternas, a chance de fazer o absurdo tornar-se real em nome desse amor e toda a sorte de malfeitores que querem acabar com a união. O que destaca a franquia desde seu primeiro volume é o emprego do caráter sobrenatural, envolvendo vampiros e lobisomens.
A presença do diretor David Slade (de Menina-má.com e 30 Dias De Noite) na condução do projeto garantiu um pouco mais de realismo às criaturas e às cenas de ação, mas é difícil realizar um trabalho mais intenso do que isso com o material em mãos. Além de ser muito mais um romance do que um thriller de horror, a autora dos livros aplicou à história doutrinas e valores tradicionais, como a defesa à virgindade e aos bons costumes, algo meio contraditório para um vampiro. É patética a cena em que Bella tenta fazer sexo com Edward e ele lhe responde que prefere respeitá-la até o casamento, pois ele é de um outro tempo e tem outros costumes... Vá saber!
As cenas com pitadas de terror são o que há de melhor no filme. Os atores melhoraram a performance, a maquiagem outrora estilo minâncora está bem melhor e a produção é impecável, cheia de locações bonitas e boa fotografia. A trilha sonora rock 'n' roll moderna é bacaninha também. O que falta à trama é movimento, ação: durante suas pouco mais de duas horas vai-se preparando uma guerra entre vampiros recém-nascidos contra o clã dos Cullen e a alcateia de lobisomens liderada por Jacob Black (Taylor Lautner), o rival de Edward na disputa por Bella. Tudo aponta para uma batalha apoteótica, mas na hora "H" é decepcionante, rapidamente resolvida e com muito pouco sangue. O mesmo acontece na luta final entre Edward e a vampira Victoria (Bryce Dallas Howard). Há provocação mas não há finalização.
Acima de qualquer impressão, Eclipse já está sendo um grande sucesso, quebrando diversos records, arrastando os fãs para o cinema e enchendo mais ainda o bolso dos produtores, mas opinião é opinião e cada um tem a sua.

CINEMA: TOY STORY 3

2010-06-29T17:00:00.000-03:00

É incrível constatar que, mesmo após 15 anos do lançamento do primeiro filme e 11 do segundo, a parceria Disney/Pixar conseguiu dar continuidade mais uma vez à saga dos brinquedos de Toy Story, sem soar datada ou repetitiva. Quando se percebeu que as crianças que cresceram se divertindo no cinema com as peripécias do cowboy Woody (voz de Tom Hanks no orignal), do astronauta Buzz Lightyear (voz de Tim Allen) e sua turma de amigos, percebeu-se que era hora da franquia crescer também.
Agora, o garoto Andy (voz de John Morris) não é mais exatamente um garoto, e sim um jovem adulto na casa dos 17 anos, com o desafio da universidade a sua frente - um momento em que os brinquedos há muito perderam o significado em sua vida e devem lhe dar adeus, com um destino incerto, que pode ser tanto as mãos de outra criança, o esquecimento do sótão ou mesmo a lixeira. Este é o mote principal de Toy Story 3, uma trama cheia de despedidas e comoções em meio a um festival de cores, risos e fantasias de um mundo encantado que só os brinquedos poderiam nos proporcionar.
Este terceiro episódio pode até não ser o mais impressionante da triologia, uma vez que o primeiro filme foi um marco no mundo da animação tridimensional cinematográfica, mas certamente é a maior aventura vivida por nosso amigos de plástico até hoje. Da casa de Andy para uma creche e da creche para diversos outros lugares sinistros, a turma de Woody e Buzz precisam enfrentar a tristeza do abandono de seu dono, crianças destruidoras de brinquedos e uma conspiração liderada por um urso cor-de-rosa malvado com cheirinho de morango chamado Lotso (voz de Ned Beatty).
Sobra encanto em Toy Story 3: mesmo com algumas críticas negativas, as bilheterias têm mostrado que a fita está sendo um sucesso entre crianças e adultos. Com menos fundamentos inteligentes que outras recentes produções da Pixar, a trama dirigida por Lee Unkrich (de Procurando Nemo, Monstros S.A. e Toy Story 2) pega o espectador pelo coração e pelo saudosismo da infância. A história traz à tona, por meio de memórias, uma época feliz vivida pela maioria da nossa geração, dando aquela vontade de revirar o baú e puxar de volta aqueles velhos brinquedos que tanto nos acompanharam nos melhores anos de nossas vidas. Dos 8 aos 80, é difícil permanecer alheio às boas recordações e não se comover perante a evolução da vida no passar dos anos. Mas a história relembra ainda que é preciso seguir em frente, seja você um menino que virou homem ou um boneco de pano, aparentemente inanimado. E, para todos aqueles que sentem saudades, vale o consolo de que não importa a idade: brinquedos sempre serão brinquedos e crianças sempre serão eternas crianças...

QUANDO MICHAEL JACKSON ERA SÓ UM REI

2010-06-28T22:53:00.004-03:00

Em torno de um ano atrás, exatamente em 25 de junho de 2009, o mundo pop despedia-se de seu rei. Michael Jackson morria precocemente aos 50 anos, acidentalmente por abuso de remédios, deixando para trás um legado que dificilmente será esquecido em consecutivas gerações.
Em uma época que os noticiários se voltam para o primeiro aniversário de falecimento do cantor e ainda especulam fatos sobre as causas de sua morte, fãs no mundo inteiro continuam a perpetuar sua arte: é a celebração constante da memória de um grande artista, o resgate à ingenuidade da criança crescida e atordoada por um mundo que a criou e depois a engoliu de forma voraz, o agradecimento pelos frutos de uma mente brilhante e meio louca para os padrões de nossos tempos. Ele foi tudo isso e muito mais - não só o homem, Michael Jackson, ontem um nome, hoje um mito. Diante da figura do herói contraditório, Michael foi um defensor da natureza e dos direitos humanos, um admirador das crianças, um ser humano complicado e muitas vezes incompreendido - embora sua arte tenha sido alegre quase que em totalidade, seu revés ocultava a alma obscura de um homem solitário e conturbado, a quem foi permitido existir mais como imagem do que como carne e osso.
O grande desafio da vida é seguir adiante e a máquina não pára. Hoje é um pouco triste lembrar de um Michael Jackson decadente, quase irreconhecível pelas dezenas de cirurgias plásticas as quais se submeteu, acusado de atos que não se puderam provar, mas que contribuiram para parte da degradação de seu nome. Foi irônico ver toda aquela novidade dos tempos de Thriller e o luxo visual dos tempos de Dangerous se desintegrar em uma carreira que tinha tudo para ser brilhante e que quase terminou reduzida a pó, em meio a escândalos e excentricidades. Michael Jackson, ainda que sem intenção, saiu de cena exatamente no momento em que todos os olhos do mundo voltavam-se para ele com sua turnê de despedida. O que ele seria a partir dali como artista não se saberá. O que se conhece é só o que se viveu - e todos sabemos como Michael viveu, quais foram suas escolhas e quais foram suas consequências. Sem julgamentos.
Os últimos dias foram para rever seus shows, seu clipes e curtir mais um pouquinho de sua obra. Incansável hoje, seu nome continua em nossas lembranças. Sua música perpetua na história da música. Sua presença fica guardada em cada um de seus fãs como um videoclipe, como uma letra bem escrita, como uma melodia ou como a recordação do grave da sua voz. Na forma em que cada um ainda o reconhece, o aprecia e o saúda.

CINEMA: PLANO B

2010-06-26T10:06:00.003-03:00

Mulher solteira engravida por inseminação artificial e encontra no mesmo dia o homem de seus sonhos. Somente pela premissa, Plano B (The Back-up Plan, 2010) não precisaria existir, pois não passaria de mais uma comediazinha romântica morna para entupir prateleira de locadora, com direito a beijinhos, clímax, lágrimas e final feliz. O que salva a fita dirigida por Alan Poul (estreante na telona e egresso da TV - tem no currículo a direção de séries como A Sete Palmos e Roma) e foge um pouco do convencional é o tom cômico e até meio estúpido empregado nesta comédia estrelada pela atriz e cantora Jennifer Lopez, em seu retorno ao show business após uma pausa para a gravidez real de seus filhos gêmeos.
A história de Zoe (Lopez) é exatamente a mencionada na premissa: o roteiro não se prende muito a rodeios e prefere partir para o desenrolar do enlace romântico entre ela e seu pretendente Stan (Alex O'Loughlin, astro de duas séries de TV recentes que não vingaram - Moonlight e Three Rivers). A trama se concentra basicamente nos dois protagonistas e no dilema de Stan assumir uma paternidade que não é sua em prol da mulher amada. Os personagens secundários têm pouca relevância e mal servem de apoio para alguns momentos, assumindo papéis quase de figurantes.
O melhor de Plano B é o riso, provocado por cenas que mostram um lado da gravidez menos bonito do que estamos acostumados a ver na ficção, mesmo que para isso os personagens tenham que se valer, sem muito exagero, de algumas pitadas de grotesquice e escatologia - o diretor achou o tom certo para tirar graça desses artifícios já saturados sem soar nojento. Vale destacar as cenas em que aparece Nuts, o adorável cachorrinho deficiente de Zoe, que sempre rouba as atenções para si.
É claro que Plano B reza pela cartilha da comédia romântica, mas isso não chega a ser prejudicial para o resultado final. Jennifer Lopez, embora não possua grandes atributos como atriz, está em plena forma, linda e engraçada, fazendo uma Zoe carismática, pela qual é impossível não torcer por um final feliz ao lado de Stan. A química com O'Loughlin funciona bem e salva o filme enquanto romance, embora ainda seja muito mais interessante como comédia.

TRUE BLOOD, 3ª TEMPORADA

2010-06-22T18:00:00.004-03:00

ATENÇÃO: o texto a seguir pode conter spoilers.

Entrando no terceiro ano de loucuras vampirescas, True Blood, a atual série do ousado produtor e roteirista Alan Ball, retoma o exato instante onde parou na temporada anterior.
Com tudo meio desajustado na caipiresca Bon Temps, grande parte dos personagens parece estar meio perdida ainda no contexto. Jason (Ryan Kwanten) está se punindo pelo assassinato de Eggs (Mehcad Brooks), mesmo após o policial Andy (Chris Bauer) ter assumido a culpa em seu lugar, fato que desencadeou depressão e fúria em Tara (Rutina Wesley). Jessica (Deborah Ann Woll) meteu-se em maus lençóis após ter matado, mesmo sem querer, um homem que usou para tentar afogar as mágoas de seu rompimento com Hoyt (Jim Parrack). Sam (Sam Trammell) segue em uma busca sem muito sucesso por sua família, enquanto Sookie (Anna Paquin) sai à procura de Bill (Stephen Moyer), sequestrado logo após fazer um pedido de casamento à moça.
Ao que tudo indica, haverá uma forte exploração dos conflitos entre Bill e o maquiavélico Eric (Alexander Skarsgård), que descobriu-se, assim como a rainha Sophie (Evan Rachel Wood, em participação especial), estar envolvido com o sequestro de Bill e o tráfico de V - sangue de vampiro -, do qual Lafayette (Nelsan Ellis) é, forçadamente, um de seus distribuidores.
Cenas com insinuações pra lá de gays e a aparição do que aparentam ser lobisomens também marcaram a premiére da nova temporada no dia 13 de junho, dando uma febre do que virá por aí nas próximas 11 semanas e deixando uma pergunta no ar: True Blood rendeu-se à saga Crepúsculo ou os lobisomens já estavam planejados?
Após o sucesso de estreia da 3ª temporada, True Blood já está renovada para um quarto ano em 2011.

PERSONS UNKNOWN: NOVA SÉRIE

2010-06-21T23:00:00.002-03:00

Um grupo de pessoas acorda em um hotel de uma pequena cidade deserta sem saber onde está, como foi parar lá e porque está lá. No teto câmeras de vigilância, por toda parte mensagens subliminares que levam a lugar algum e presenças misteriosas no ambiente - muitas delas passam sem serem vistas. Alguma dessas coisas parece familiar? Basta juntar produções conhecidas como Lost, Jogos Mortais (em uma mortal semelhança com o segundo filme da franquia), o péssimo O Olho Que Tudo Vê e até mesmo O Show De Truman e tem-se Persons Unknown, a nova série da rede americana NBC.
Christopher McQuarrie é o nome por trás da criação desta nova trama. Anunciado como roteirista de X-Men Origins: Wolverine 2, McQuarrie tem ainda em seu currículo de escritor Os Suspeitos e, mais recentemente, Operação Valquíria. No elenco, nomes pouco conhecidos, encabeçados por Jason Wiles (no papel do misterioso Joe), Daisy Betts (a desesperada mãe Janet) e Chadwick Boseman (Sargento McNair). O foco principal da história é desvendar o mistério da abdução dos personagens e descobrir um meio de sair daquele lugar que, além do hotel, conta com uma delegacia, uma loja e alguns outros prédios.
Para tentar disfarçar a cópia descarada de outros títulos, foram introduzidos personagens serviçais de carne e osso que interagem com os sequestrados, seguindo uma série de regras e sem saber porque estão lá trabalhando. Foi criada uma trama paralela no que se pode chamar de "mundo real", onde um repórter investigativo, sem motivo algum resolve bisbilhotar o sumiço da personagem Janet.
Veiculada no ar desde o dia 07 de junho e projetada para ter 13 episódios, dos quais se promete um final fechado, talvez até sem a possibilidade de uma continuação, Persons Unknown é batida e repleta de clichês e personagens estereotipados que habitam séries e filmes do gênero, mas seus primeiros episódios foram intrigantes e atualmente é uma das melhores opções para download na escassez típica da mid-season americana, onde as séries principais estão descansando para retornar somente após o término do verão no hemisfério norte.

CINEMA: OLHOS AZUIS

2010-06-21T17:40:00.000-03:00

Embora seja falada em inglês quase que na íntegra, Olhos Azuis é uma produção brasileira - e boa, por sinal. Ambientada parte em um aeroporto norte-americano, parte no estado de Pernambuco (entre as cidades de Recife e Petrolina), a trama narra o último dia de trabalho do fiscal de imigração Marshall (David Rasche), que decide complicar a vida de um grupo de latino-americanos que pretendem ingressar no país, ainda que legalmente.
Com o elenco pouco conhecido e cheio de boas atuações, o filme é tenso, sobretudo nas cenas do aeroporto, onde a humilhação dos imigrantes por parte da polícia é escancarada e revoltante. As cenas gravadas em Pernambuco são suavizadas pelo contexto regional muito bem destacado na filmagem e pela presença da divertida prostituta Bia (Cristina Lago), com seu inglês de improviso e sua malandragem inocente.
Com direção de José Joffily (de Achados E Perdidos e 2 Perdidos Numa Noite Suja), a trama só é prejudicada pela montagem. A alternância de ambientes é constante demais, causando cortes televisivos à fita nos momentos em que era necessária uma continuação, acabando com o clima e tornando o final um pouco óbvio para quem já conhecia a sinopse ou já havia assistido ao trailer. Tirando este fato, trata-se de um título bem interessante enquanto cinema e enquanto crítica social.

O FINAL DA 2ª TEMPORADA DE UNITED STATES OF TARA

2010-06-20T22:35:00.000-03:00

Tara Gregson (Toni Collette) e suas personalidades múltiplas já estão garantidas em um terceiro ano televisivo para 2011. Até lá, uma espera um tanto longa após o término desta 2ª temporada de United States Of Tara.
Embora curta, com meros 12 episódis de meia hora cada, a série é no mínimo intensa. Povoada de personagens conturbados e instáveis, recebeu um desfecho merecido até o momento em que se situa a trama. Após uma descoberta bombástica sobre sua infância, Tara agora encontra-se mais perto de obter uma explicação para suas manifestações psicóticas, que se apresentam em forma de adolescente, dona de casa, veterano de guerra, e, mais recentemente, de psicóloga e de criança.
Ao seu redor tudo parece desabar, desde o relacionamento com o marido Max (John Corbett) até as centenas de problemas trazidos por seus filhos e por sua problemática irmã Charmaine (Rosemarie DeWitt). Ainda assim, Tara representa a mulher forte e resistente aos contratempos, reagindo de maneiras surpreendentes a cada queda. A (mais uma vez) excelente atuação de Toni Collete garante vida e carisma à personagem e as suas múltiplas variações, balanceando a série entre o pesado e o cômico. Com um final conturbado, no mesmo tom de sempre, seguido de um alívio doce e quase digno de habitar um conto de fadas, a 2ª temporada terminou de maneira excepcional, deixando um gostinho de "quero mais" que vai durar até o ano que vem.

CINEMA: ESQUADRÃO CLASSE A

2010-06-20T18:59:00.003-03:00

Derivado da série oitentista de mesmo nome, Esquadrão Classe A (The A-Team, EUA 2010) é puro exagero. Protagonizado por Liam Neeson (A Lista De Schindler), Bradley Cooper (Ele Não Está Tão Afim De Você), Jessica Biel (O Ilusionista), Patrick Wilson (Watchmen), Sharlto Copley (Distrito 9) e pelo lutador Quinton "Rampage" Jackson, o filme narra o encontro de um grupo de militares do exército americano que são atraídos para uma emboscada no Iraque envolvendo uma maleta cheia de placas com modelos para fabricação de dinheiro falsificado e acabam sendo considerados traidores e, consequentemente, fugitivos.
É o tipo de filme que faz escorrer adrenalina e testosterona pela tela do cinema. Até aí nenhum problema, não fosse a sucessão de absurdos contidos na fita, que vão desde tanques de guerra despencando do céu e derrubando caças a tiros até toneladas de contâiners gigantescos despencando por cima de pessoas que escapam sem um arranhão sequer. Os efeitos especiais são bem aplicados e as cenas de ação são assombrosas, mas nada mais se salva.
Apesar do elenco estrelar, a direção de Joe Carnahan não conta muito no produto final, onde nada mais é trabalhado além da pancadaria, do corre-corre e das piadinhas sem graça a que já estamos acostumados em filmes similares. Falta um mínimo de coerência ao roteiro, aos diálogos e até mesmo às mil reviravoltas dadas pela história. Esquadrão Classe A não só falha como filme, mas também como homenagem à matriz, transformando em um grande circo pirotécnico a série tão querida e lembrada até hoje por uma legião de fãs.

O SUCESSO DE GLEE

2010-06-13T19:58:00.005-03:00

No início de setembro passado Glee estreava na TV americana como uma aposta alta e ousada da rede Fox e do produtor de séries Ryan Murphy, responsável também pela recém findada Nip/Tuck. Lembro que na ocasião dediquei um post a meditações sobre as possibilidades de sucesso e fracasso da série, lançando a pergunta "Glee: será que vai pegar?". Justamente 9 meses depois, uma gestação, só há uma resposta a ser dada: "Pegou!".
Fenômeno de sucesso nos EUA, a série já expandiu sua fama mundo afora e cativou adolescentes e adultos com a dramédia musical que tem como pano de fundo um clube de cantoria em uma escola de ensino médio no interior do estado de Ohio. Formado por alunos excluídos e impopulares, o clube enfrenta dificuldades e preconceitos, assim como seus membros, que veem na música um meio de se integrarem e de fazerem novas amizades, se apaixonarem, se aceitarem e se encontrarem no mundo.
O sucesso televisivo foi tamanho que, inicialmente prevista para ter 13 episódios, a história ganhou outros 9, retornando de um hiato que durou de dezembro a abril e fechando na última terça-feira, 8 de junho, pouco depois do final oficial da fall season. A produção se saiu muito bem no mercado fonográfico também: neste curto período de 9 meses foram lançados nada menos que 5 álbuns com as músicas apresentadas na TV, sendo que dois deles foram EP's específicos de episódios e, dos outros 3, um saiu em versão normal e em versão deluxe, com direito a faixas adicionais. As vendas foram boas e tanto os álbuns quanto os singles atingiram posições respeitosas nas paradas da Billboard - um feito grandioso para um repertório exclusivo de covers variadas em estilos, artistas e épocas.
Finalizada com o episódio Journey, fazendo alusão à banda de mesmo nome e também ao termo "jornada", a primeira temporada encerrou deixando saudades e levando consigo um desafio para o setembro próximo de manter o padrão de qualidade e o sucesso obtidos até aqui. Com renovação garantida por pelo menos mais dois anos, a equipe de produção, que já teve até a permissão de Madonna para fazer um episódio só com suas canções (veiculado lá fora em 20/04 e entitulado The Power Of Madonna), tem um universo musical inteiro para explorar e para adaptar ao canto dos competentes atores cantantes do elenco. Que as imitações mantenham-se longe e que, mesmo com toda a inocência jovial e instável que rege a atmosfera da trama, possamos nos deleitar por bastante tempo ainda com os "losers" cantores, suas desventuras e até mesmo com seus divertidos vilões.
(No Brasil já está disponível para venda o box em DVD com os primeiros 13 episódios e somente os volumes 1 e 2 em CD. A estreia da segunda parte da temporada na TV a cabo é prevista para o mês de julho).

CINEMA: EM TEU NOME...

2010-06-11T19:00:00.001-03:00

Mais um exemplar da boa leva atual do cinema gaúcho, Em Teu Nome... (Brasil, 2010) é um drama político ambientado nos conturbados anos 70, em meio à barbárie que foi a ditadura militar que assolou o Brasil por anos e marcou toda uma geração. O filme é baseado na trajetória de João Carlos Bona Garcia, um estudante que largou a faculdade e renunciou de uma vida de classe média para tornar-se um revolucionário. Junto a personagens reais e fictícios, a história de Boni (o nome dado ao personagem vivido pelo ator Leonardo Machado) é contada desde sua filiação, passando por toda a Via Crucis que muitos de seus companheiros de causa também conheceram, incluindo a nula liberdade de expressão, a insegurança constante, a prisão, as torturas e a tristeza do exílio.
O gaúcho Paulo Nascimento assina o roteiro e a direção - ele é também responsável por trabalhos como Diário De Um Novo Mundo e Valsa Para Bruno Stein. O aspecto técnico é competente, com boas escolhas de elenco (que em sua maioria conta com nomes poucos conhecidos, misturados a grandes nomes como Marcos Paulo e Sílvia Buarque em uma ótima e crescente atuação na história), fotografia, trilha sonora (com participação e aparição do cantor Vitor Ramil) e ambientações - desde as locações fechadas no Brasil para representar as prisões domiciliares em que a população se encontrava, até as belas cenas gravadas no exterior (Chile, Argélia e França) para contar os anos de exílio. A edição se apresenta meio perdida às vezes, intercalando cenas de contexto vago e sem muita importância, mas não compromete o produto final.
Dolorosa, sofrida e sem as apelações panfletárias ou clicherias utópicas de filmes do gênero, a trama é um retrato humano sob o olhar de quem viveu aquele tempo, o qual torna-se impossível ficar alheio e não se envolver emocionalmente. Há muita comoção, há muita indignação e há muita admiração pela coragem com que os jovens ali retratados tiveram ao renunciar de suas vidas, amores e famílias para correr mundo em prol de uma causa que se via perdida.

»MAU« NA FOTO, 1 ANO

2010-06-11T12:00:00.000-03:00

E 1 ano se passou desde que o blog entrou em ativação. Outrora havia existido por alguns meses de maneira precária, com 2 ou 3 posts em um fundo verde escuro, até que a preguiça ficou um pouquinho de lado e os textos começaram a brotar na cabeça - era hora de pôr mãos à obra.
Muito cinema, muita série de TV, muita música, muita leitura, muita opinião. O que foi possível em termos de tempo e espaço desfilou por aqui neste ano que passou. É bom nutrir-se de cultura e entretenimento e poder passar isso adiante: além de ser um lazer gostoso, é um meio de divulgar o que há de bom e de dar dicas aos amigos e visitantes. E no meio disso tudo ainda tem que sobrar tempo para trabalhar, para sair, para viver a vida.
Agradecimentos a todos que contribuiram com o blog neste primeiro ano, através de comentários, elogios, ou de visitas silenciosas. Que o ano 2 que se inicia hoje seja tão ou mais produtivo que o primeiro e que surja muita coisa boa para se ouvir, assistir, ler e vivenciar para publicar neste espaço.
Desculpas pelos erros de português e concordância, pelos vícios de escrita e por às vezes pegar pesado nos comentários. Estamos todos aprendendo, portanto, sigamos escrevendo... E sempre há tanto sobre o que se escrever!

CINEMA: O ESCRITOR FANTASMA

2010-06-10T19:00:00.001-03:00

Do polêmico diretor Roman Polanski, a história de O Escritor Fantasma (The Ghost Writer, 2010) se baseia no livro do inglês Robert Harris, entitulado O Fantasma. Na trama é tratada a desventura do personagem sem nome de Ewan McGregor, um escritor fantasma (daqueles que escrevem livros para os outros sem levar os créditos) chamado para lapidar a biografia de um poderoso ex-primeiro ministro inglês de origem norte americana, Adam Lang, vivido pelo ex-007 Pierce Brosnan. Após sua chegada a uma praia deserta onde a família mantém uma bela casa, um grande escândalo envolvendo o político estoura na mídia e o escritor se vê envolvido na vida de Lang, o que inclui o convívio com a amargurada e estranha esposa do político, Ruth (Olivia Williams, de Educação), e sua fiel assessora Amelia (Kim Cattrall, a Samantha Jones de Sex And The City).
Com esta pregorrativa o escritor fantasma descobre inúmeros segredos e vai se embrenhando em uma trilha cheia de pistas e perigos, incluindo uma investigação sobre a morte do escritor que o antecedeu no trabalho da biografia. Assim como o mau tempo quase constante na praia, o filme contém um ar pesado: com diálogos excelentes, saídas inteligentes e um trabalho de câmera que nos põe para dentro da tela, o diretor, mesmo à distância, em sua cela onde cumpre pena por abuso sexual, conseguiu realizar uma obra digna de aplausos, apresentando um suspense que foge do convencional e consegue intrigar profundamente o espectador.
O medo, a dúvida e a desconfiança são peças-chaves para a trama, que conta ainda com a particicapação do ator Tom Wilkinson no papel de um professor que é peça-chave para o desfecho do mistério. Polanski consegue traduzir para sua obra uma sensação claustrofóbica pelo qual ele mesmo deve estar passando, estando preso, o que aumenta a atenção, fator necessário para um bom entendimento da história, que torna-se complexa com o avanço dos minutos. A boa escolha do elenco e as atuações contidas dão o toque final à fita que, embora passe longe das grandes bilheterias, é grandiosa em sua composição.

CINEMA: O GOLPISTA DO ANO

2010-06-08T18:00:00.006-03:00

Na revista Piauí de uns 2 meses atrás saiu uma pequena nota a respeito de traduções de títulos de filmes para o português, justificando que muitas vezes o título original não significa nada quando traduzido e também deixando claro que muitas vezes o título pode ser totalmente modificado (ou receber subtítulos) em prol do apelo comercial. Tudo muito compreensível, uma vez que nossos filmes também recebem títulos estapafúrdios quando vão para o exterior. Ainda assim, fica difícil entender (e chega a ser engraçado) como I Love You Phillip Morris foi se transformar em O Golpista Do Ano.
Fechando parênteses, vamos ao filme em si. Protagonizado por Jim Carrey e Ewan McGregor, a intenção é contar a história de Steven Russell (Carrey), um homem que, em certo ponto de sua vida, assume a homossexualidade e parte para uma vida de luxo e consumo, onde a saída para seu sustento se torna a prática de pequenos golpes, o que o leva à cadeia, onde lá conhece o tal Phillip Morris do título (McGregor), e por ele se apaixona. A partir desse ponto, a vida torna-se ainda mais cheia de confusões para o sujeito, onde a quantidade e a gravidade de seus golpes aumentam gradativamente, assim como suas mentiras e suas novas idas, vindas e fugas da cadeia.
O filme é ruim de modo geral: embora com uma premissa diferente, o que há de bom a ser mostrado são os golpes e os detalhes com que são aplicados - talvez daí se possa tirar algum sorriso. No mais, Jim Carrey está afetado e careteiro em demasia e não consegue mais uma vez fugir de seu estigma característico de O Máskara. Ewan McGregor tem pouca projeção na fita e não faz nada mais do que bancar o(a) mocinho(a) sofrido(a). Ah, tem também o Rodrigo Santoro no elenco - mais uma vez o brasileiro é escalado para aparecer durante míseros 5 minutos e ainda teve que sofrer com um super emagrecimento para parecer um doente terminal por uma única e curta cena. Pelo menos deram falas para ele...
O que fica é uma mensagem confusa. A questão homossexualidade X caráter acaba pesando na história e cutuca em certas feridas da sociedade - o que se vê de Steven Russell é só uma reviravolta para pior após sua "saída do armário", mostrando somente o lado negro de sua personalidade. Apesar da trama se apresentar uns anos no passado, o fator preconceito é pouco explorado, até porque o próprio filme já se encarrega disso, com uma concepção caricata dos personagens e da incursão de situações que só incentivam a chacota. Se o filme era uma bandeira a ser levantada, tornou-se um desserviço. Se era uma crítica, tornou-se uma apelação.

PRÍNCIPE DA PÉRSIA: AS AREIAS DO TEMPO

2010-06-07T22:00:00.002-03:00

Por certa preguiça, está saindo somente agora o comentário sobre o filme Príncipe Da Pérsia: As Areias Do Tempo (Prince Of Persia: The Sands Of Time, 2010). Em mais uma parceria com a Disney, Jerry Bruckheimer, o fabricante de blockbusters número 1 de Hollywood, produz a história ambientada na Pérsia antiga, derivada do game de mesmo nome que foi um grande sucesso dos PCs na década de 90. Assim como o príncipe do jogo, Jake Gyllenhaal (de Zodíaco e O Segredo De Brokeback Mountain) tem que ser habilidoso na pele do guerreiro Dastan para se pendurar em prédios e muros, se equilibrar em penhascos e desviar de flechas e outros artefatos contra ele arremessados durante as 2 horas do filme - o elenco conta ainda com os nomes famosos de Alfred Molina como um golpista do deserto e Sir Ben Kingsley como Nizam, o tio ambicioso de Dastan.
A fita é aventura pura! Praticamente sem enredo e com um aspecto meio mofado que remete aos filmes de aventura dos anos 80 (a exemplo de Simbad e dos primeiros Indiana Jones), a trama gira em torno da busca por uma adaga mística que, quando preenchida com uma areia especial, dá ao seu portador o poder de fazer o tempo voltar atrás e prever o presente com antecedência. Para isso, o roteiro se vale de conspirações confusas, reviravoltas desnecessárias e muito corre-corre, onde a tal adaga passa de mão em mão. As tentativas de apelo cômico e dramático não colam e o que importa no fim das contas são as acrobacias elaboradas de Dastan, na melhor cópia descarada de Matrix, com direito a câmeras lentas e caminhadas na parede.
A mitologia criada é pouca e o universo de personagens de apoio não chega a ser interessante, o que não leva a crer que vá gerar uma franquia, a não ser que os lucros sejam muito grandiosos. O diretor Mike Newell, de Harry Potter E O Cálice De Fogo e O Amor Nos Tempos Do Cólera fez o que pôde com o material que tinha em mãos e resultado final é um filme bem feito tecnicamente, fraquinho, mas que cumpre seu papel como entretenimento no melhor estilo pipoca.

FLASH FORWARD: (SEM) FINAL

2010-05-29T19:25:00.000-03:00

Surgida no início desta fall season com a promessa de ser a nova sensação televisiva, até mesmo o substituto mais provável para Lost, a série Flash Forward impressionou em sua estreia, mostrando o apagão global de 2 minutos e 17 segundos em que toda a população mundial enxergou seu futuro 6 meses à frente. Uma ideia no mínimo interessante que, mal administrada, transformou-se em um fracasso, provocando seu cancelamento e sepultando-a de vez com o episódio veiculado na última quinta-feira.
O enredo desta primeira e única temporada girou em torno das investigações de um grupo de agentes do FBI, formando um grande quebra-cabeças de eventos e visões futurísticas que recebeu o nome de mosaico. Fatos mal explicados, reviravoltas em demasia, personagens sem carisma e a incursão constante de novidades tornaram o entendimento confuso e foram, pouco a pouco, removendo o que havia de mais interessante na série: o mistério em torno do apagão. Para piorar, a grande quantidade de histórias paralelas, a maioria desinteressantes, prejudicaram ainda mais a evolução da trama, que foi perdendo o rumo. Por fim, um longo hiato de 3 meses deu o golpe fatal na produção - após o retorno, a audiência foi despencando mais a cada semana.
Future Shock foi ao ar para desenrolar a trama tecida nesta reta final de temporada, onde o dia visualizado no apagão estava para chegar e a ocorrência de um novo apagão era eminente. Esperava-se que as conspirações e os motivos fossem revelados e um novo rumo à vida dos personagens fosse dado, mas veio o cancelamento após o episódio já ter sido gravado. O que se viu foi um episódio emocionante, como se esperaria de qualquer season finale, com diversos eventos importantes acontecendo e com um gancho que seria interessante a ser seguido, se a série tivesse recebido a concessão para um segundo ano. No final das contas, ficou um final aberto que não terá mais segmento. Flash Forward ficou mesmo só na promessa e, agora também sem Lost, as fichas da rede ABC estão apostadas em V, que foi eleita para retornar na próxima fall season. Sorte para os ET's, pois os resultados obtidos nesta primeira temporada não foram dos melhores - agora, só o futuro dirá, e não há mais a possibilidade de ocorrer um flash forward que possa prever isso.

CINEMA: SEX AND THE CITY 2

2010-05-28T23:55:00.002-03:00

As meninas, desde que o mundo é mundo, costumam sonhar com princesas, castelos, cavaleiros e outros elementos retirados dos contos de fadas. Por séculos, ao crescer elas descobriam que a maioria desses finais felizes só existia mesmo nos contos: que o príncipe tinha mau hálito, que a princesa engordava, que às vezes era preferível beijar o sapo, e assim por diante. Muito tempo depois, as mulheres de nosso tempo descobriram que há um novo conto de fadas para elas sonharem: a Nova York de Sex And The City, habitada por Carrie Bradshaw (Sarah Jessica Parker) e suas amigas. O conto pode nem sempre acabar com o "felizes para sempre", mas é repleto de moda, glamour, independência e, como o próprio título sugere, sexo. Mais que uma resposta ao mundo masculino, a série, que perdurou por 6 anos, foi o grito máximo de independência da mulher moderna no universo pop e até hoje serve como referência.
Para contentar os fãs com saudades da série (e, de quebra, fazer uma caixinha), a ideia foi transferí-la para a telona do cinema. O filme de 2008 foi um tremendo sucesso e agora ganha sua sequência com Sex And The City 2 (EUA, 2010). Com o enredo deixado em segundo plano, o filme é uma mera desculpa para relembrar os personagens e para apresentar mais um desfile de vestidos, penteados, lugares glamourosos e situações, em sua maioria, divertidas.
Esta sequência foge mais da realidade da série e se concentra na viagem de Carrie, Charlotte (Kristin Davis), Miranda (Cynthia Nixon) e Samantha (Kim Cattrall) a Abu Dabhi, um dos Emirados Árabes. Desta vez Samantha está às voltas com uma terapia de hormônios para manter-se jovem, Charlotte com dificuldades em criar suas duas filhas pequenas, Miranda em firmar-se profissionalmente, e, Carrie, como sempre, envolvida com suas habituais crises emocionais com Mr. Big (Chris Noth) e, para dar uma apimentada no conflito, ressurge Aidan (John Corbett), um amor do passado.
História há muito pouca - todo aquele envolvimento presente na série e no primeiro filme dão lugar ao visual, às paisagens e aos figurinos. Mais cômica do que dramática, a fita é quase que dedicada exclusivamente ao público feminino, exibindo homens semi-nus, uma centena de roupas que vão do inovador ao esquisito, um festival de cabelos e maquiagens que mudam a cada cena, além das boas e velhas confusões em que se envolvem o quarteto de amigas. De duração longa (146 minutos), o filme não pesa no relógio, entretém e faz rir bastante. É válido pela nostalgia da série em si, como trama deixa um pouco a desejar.

AEROSMITH: COCKED, LOCKED, READY TO ROCK!

2010-05-28T01:50:00.000-03:00

Nesta aquinta-feira, 27 de maio, Porto Alegre foi o palco do primeiro dos dois únicos shows da lendária banda de Rock Aerosmith no Brasil. A cidade foi contemplada, junto a São Paulo, somente graças ao cancelamento do show que seria realizado em Buenos Aires. Foi uma sorte sem precedentes: a banda não se apresentava em terras tupiniquins desde 1994, quando esteve no já extinto Hollywood Rock. Em Porto Alegre, é sua primeira vez.
Formada por Steven Tyler (vocal), Joe Perry (primeira guitarra), Brad Whitford (segunda guitarra), Tom Hamilton (baixo) e Joey Kramer (bateria), a banda teve início em 1969 e, mesmo após altos e baixos, términos e separações, brigas e barras pesadas com drogas, continua unida em sua formação original. Esta apresentação foi uma oportunidade única para matar saudades da banda, sumida do meio musical desde Honkin' On Bobo, de 2004, e de conferir um espetáculo memorável promovido por um dos maiores conjuntos de rock 'n' roll de todos os tempos.
O estacionamento da Fiergs foi o palco da apresentação para algo (estimo eu) em torno de 20 mil pessoas, em um dia típico do inverno gaúcho. A chuva fina que caiu durante quase todo o espetáculo incomodou, e não foi pior pois a temperatura amena de 18 graus não deixou o frio tomar conta do público. A banda entrou pontualmente às 22h00 e executou a apresentação com duração exata de duas horas. Quando a bandeira negra com o símbolo do Aerosmith foi removida, revelando o palco que cobria, iniciou-se o show com um repertório formado por grandes sucessos, clássicos e baladas da turma de Steven Tyler.
Love In An Elevator foi a primeira, seguida de Mama Kin, Falling In Love (Is Hard On The Knees) e Pink. Neste momento a platéia já estava em transe, quando veio a balada arrasadora Dream On em um dos momentos mais bonitos do show. Livin' On The Edge veio em seguida e, na sequência, uma pausa para resolução de dificuldades técnicas. Em menos de 5 minutos, a banda já executava Jaded no palco. Deste ponto em diante a minha memória já não lembra a ordem certa, mas foram apresentadas Rag Doll, as baladas Crazy, Cryin', I Don't Want To Miss A Thing (possivelmente o refrão mais cantado pela platéia) e a bela What It Takes, do álbum Pump, com direito ao vocal desencontrado e desafinado do público, em um momento que o vocalista bocudo resolveu brincar um pouco com os fãs.
A banda apresentou um bloquinho de blues, onde o guitarrista Joe Perry assumiu parte dos vocais e os instrumentos falaram mais alto, mostrando a competência musical dos artistas. Os clássicos tomaram conta da parte final: Sweet Emotion e Draw The Line para fechar, seguido de um bis que teve Walk This Way e Train Kept A Rollin'. De um modo geral, a banda está em plena forma, mesmo depois de 40 anos de estrada. O entrosamento parece ótimo, deixando de lado as brigas pelas quais os músicos quase se separaram no ano passado, e Tyler está cantando em sua plenitude - o vocalista, muito carismático, arranha seus "Oi Porto Alegre", "E aí gaúchos?", além do clássico "Obrigado". Pode-se dizer que foi um excelente show, uma excelente noite, uma excelente organização e produção - enquanto for assim, que o rock 'n' roll possa durar para sempre!

CINEMA: OS HOMENS QUE NÃO AMAVAM AS MULHERES

2010-05-25T20:00:00.000-03:00

Co-produção entre Suécia, Dinamarca, Alemanha e Noruega, Os Homens Que Não Amavam As Mulheres (Män Som Hatar Kvinnor) é a versão cinematográfica do primeiro livro da Triologia Millennium, escrita pelo jornalista investigativo Stieg Larsson pouco tempo antes de sua morte. Sucesso na Europa, o livro de Larsson serviu de inspiração para este thriller policial e de suspense e chamou atualmente a atenção dos estúdios hollywoodianos, interessados em refilmar a obra a sua maneira.
A trama inicia com a busca por Harriet Vanger (Ewa Fröling), uma moça desaparecida nos anos 60, aos 16 anos. Desde então, durante todos esses anos, seu tio Henrik (Sven-Bertil Taube) vem recebendo quadros com flores, que acredita serem presentes do assassino da moça. Com todas as buscas já feitas e ainda sem respostas, Henrik contrata, como última alternativa, os seviços de Mikael Blomkvist (Michael Nyqvist), um jornalista investigativo de muito prestígio que está enfrentando um processo por difamação de uma grande empresa. Mikael penetra então em um mundo de segredos familiares, onde crimes violentos de cunho racial, religioso e sexual acabam por vir à tona. Em parceria com a perturbada hacker Lisbeth Salander (Noomi Rapace), o jornalista se envolve em um jogo perigoso de perseguição, onde as pistas do crime o levam cada vez mais para perto da morte.
Dirigido pelo dinamarquês Niels Arden Oplev, o thriller é uma boa obra de mistério - consegue envolver o espectador com sua história, sem necessitar de um festival de efeitos especiais ou de ação incessante. Com um toque característico do bom cinema europeu, a trama é direta e o espectador não é poupado dos diálogos fortes e das cenas chocantes. O final justo e surpreendente permite que a fita agrade os apreciadores de histórias policiais e de investigação. Resta saber no que se tornará se os direitos do livro cairem mesmo nas mãos de Hollywood...

LOST: PERDIDO PARA SEMPRE?

2010-05-24T21:11:00.006-03:00

Definitivamente o fim. Neste domingo foi ao ar o tão aguardado final preparado para os sobreviventes do voo Oceanic 815. Depois de 6 anos, Lost terminou. Muitas perguntas ficaram no ar e agora é tarde para mais respostas.
É impossível negar que Lost foi a série da década: assim como Arquivo-X esteve para os anos 90, a saga dos náufragos da ilha misteriosa, no ar desde 2004, foi um fenômeno dentro e fora da televisão. Lost bombou na mídia, nos jogos, nas rodas de conversas e, sobretudo, na Internet. Teorias, desfechos e soluções foram dadas para resolver os segredos da ilha e seus fenômenos inexplicáveis. O capítulo final, veiculado com o adequado título de The End (O Fim), era aguardado desde o anúncio do final da série (em 2007) por uma legião de fãs e curiosos, na esperança de respostas para uma infinidade de questões.
Em termos de respostas, muito pouco foi dado: os mistérios da ilha continuam sem explicação - para a indignação de muitos, diversas dessas explicações ficarão a critério da imaginação e da interpretação de cada um. Este episódio final, com duração em torno de 110 minutos, tem em sua primeira metade o mais do mesmo que a série vinha mostrando nesta sexta e última temporada: enrolação e preparação para um clímax. Na segunda metade, sobretudo na última meia hora, a trama começa a correr efetivamente e passa a ter ares de final. Não se pode dizer que a série ficou sem seu final - que pode não ter sido elucidativo, mas ainda assim foi fechado, certeiro e, sob certo ângulo, emocionante e até bonito, onde a melhor solução encontrada foi a distração.
Distração. Na ausência de uma explicação plausível que pudesse justificar a teia de absurdos cultivada em 6 anos de show, a saída foi desviar o foco da audiência. A ilha continuou a ser o palco da ação principal, mas a criação dos chamados flash-sidewyas (algo como realidades paralelas), aparentemente sem pé nem cabeça no contexto inicial, foram tornando-se instigantes e chamando cada vez mais a atenção para si. Desde a aparição dos flash-sideways, os produtotes haviam anunciado que a relação dessas realidades com a história na ilha seria o grande mote da temporada e, consequentemente, do final da série, uma das poucas promessas que foi efetivamente cumprida. Muitas das respostas sobre a ilha ficaram no ar, perdidas com ela no meio do oceano. O desfecho da trama, embora pouco surpreendente, foi armado de forma tão tocante e bela que, naquele momento não sobrou espaço para indignação ou perguntas. O que ficou foi uma sensação de saudade e despedida, com uma pontinha de tristeza. Foi como uma etapa concluída, o fim de uma brincadeira que durou por 6 anos e uma despedida que, além de tardia, era necessária. E mais: uma bela demonstração da mágica da distração, onde não é preciso explicar nada quando se sabe desviar os olhos alheios para o lado. Que Lost descanse em paz, pois as perguntas continuarão a incomodar por muito tempo.

LOST: ESTÁ CHEGANDO A HORA!

2010-05-23T22:15:00.002-03:00

É chegada a grande hora! Esta noite a rede de TV americana ABC leva ao ar o episódio final de Lost, uma das séries mais instigantes e misteriosas (e enroladoras) de todos os tempos. Com o título The End (Parts 1 e 2), o episódio duplo contará com 2 horas de duração e corresponderá aos 17° e 18° capítulos da 6ª e última temporada. Por fim o público descobrirá o desfecho da história dos passageiros do vôo Oceanic 815 que, infortunadamente, caiu naquela misteriosa ilha, habitat de ursos polares, fumaças assassinas, milagres e fenômenos inexplicáveis.
A expectativa é alta para saber quais rumos a história e seus personagens tomarão em seus últimos momentos no ar, mas baixa no que diz respeito às explicações de toda a teia de mistérios e perguntas que a série teceu no decorrer dos seus 6 anos. Há pistas, comentários e conspirações que sugerem que muito do que se vem perguntando não será respondido, o que provocará a indignação de muita gente. Agora, é contar os minutos e conferir o que ainda está por vir. A sorte está lançada!

CINEMA: FÚRIA DE TITÃS

2010-05-23T15:46:00.004-03:00

Mais um título da atual onda de reciclagem do cinema dos anos 80, Fúria De Titãs (Clash Of The Titans, 2010) traz às telas a saga do titã Perseu (Sam Worthington, o protagonista de Avatar), filho do deus Zeus com uma mortal. Sua missão é impedir que os deuses do Olympo destruam a humanidade, que neles deixou de acreditar. A premissa é uma deixa para sequências de lutas contras criaturas sinistras, expedições a locais aterrorizantes e encontros com deuses e monstros da mitologia grega.
Longe de honrar o original de 1981, Fúria De Titãs é um filmezinho de fantasia e aventura não mais que mediano - não chega a ser o lixo que a crítica anda pintando, tampouco uma grande coisa. Para quem assistiu recentemente a Percy Jackson E O Ladrão De Raios, vai achar Fúria De Titãs bem parecido, pela repetição de personagens e de situações. No fim das contas, os dois não deixam de ser equivalentes - enquanto o primeiro navega na onda infanto-juvenil no estilo Hary Potter, este apela para o cinema-catástrofe e para a ação fantasiosa, inspirando-se em franquias como A Múmia.
Dirigida por Louis Leterrier (o mesmo de Cão De Briga e do mais recente O Incrível Hulk), a releitura traz benefícios ao espectador no sentido auditivo e visual, sobretudo no que toca os efeitos especiais. No resto, a história é fraca e de um filme deste naipe não há como se esperar grandes diálogos ou interpretações, mesmo com a participação de bons atores como Liam Neeson (Zeus) e Ralph Fiennes (Hades). A desculpa do uso da tecnologia 3D para ampliar o realismo da fita aqui é pura balela: não há praticamente nada 3D! A única diferença que se nota é nas legendas, nos créditos finais e no bolso, onde acaba pesando quase o dobro de uma projeção convencional para se ter as mesmas impressões.

FRINGE: SEASON 2 FINALE

2010-05-23T11:00:00.001-03:00

O impossível e o absurdo são as peças-chaves para o quebra-cabeças de mistério apresentado em Fringe. Primo próximo de Arquivo-X, Fringe mostra o dia-a-dia de uma divisão do FBI que investiga fenômenos e eventos inexplicáveis relacionados à ciência, tendo como consultores um cientista literalmente louco e seu filho, de passado duvidoso. Em seu segundo ano, a série reduziu o número de eventos isolados e focou-se no enredo principal da temporada: a revelação de um universo paralelo, quase idêntico ao nosso, onde existem cópias de tudo e de todos - e este foi o fio condutor do fim da temporada, dividido em duas partes, cuja segunda parte foi ao ar nesta última quinta-feira, dia 20.
Passados quase que 100% no universo chamado de alternativo, os episódios se concentraram no retorno de Peter Bishop (Joshua Jackson) ao seu universo de origem e nos esforços empregados por seu pai, Walter (John Noble), e pela agente Olivia Dunhan (Anna Torv) em prol do seu resgate. Com o retorno de Kirk Acevedo na pele do agente Charlie Francis alternativo e mais uma participação especialíssima do eterno Capitão Spock Leonard Nimoy no papel de William Bell, Over There, Parts 1 & 2 respondeu a mais algumas perguntas que estavam no ar e criou tensão ao pôr frente a frente os personagens com seus eus alternativos, além de promover o tão esperado reencontro de Walter Bishop com William Bell.
Fringe teve uma segunda temporada ainda mais interessante que a anterior e sua história tornou-se mais coesa. Sabendo lidar com o absurdo de forma inteligível e sem abusar da paciência do espectador, a série deu respostas diretas e plausíveis aos mistérios, injetou drama e deixou um gancho magnífico para a continuação na próxima temporada, já garantida, mas sem data de início ainda definida.

BROTHERS AND SISTERS, NOVAMENTE NA ESTRADA

2010-05-22T19:00:00.000-03:00

Os finais felizes têm passado longe dos fechamentos de temporada nesta fall season. Brothers And Sisters, por conta de uma única cena, teve o clímax mais emocionante, triste e desesperador de todos os seus 4 anos no ar, conseguindo superar cânceres, abortos, problemas com drogas, separações, falências e tantas outras tragédias que já tremeram as bases da matriarca Nora Walker (Sally Field) e de seus 5 filhos.
On The Road Again (Novamente Na Estrada) foi morno em sua essência e derrubou algumas situações dramáticas esperadas para este final de temporada. Teve seu ponto alto somente em seus minutos finais, revelando o tão esperado segredo escondido em Narrow Lake e a cena conclusiva, que por enquanto não vale a pena comentar, sob pena de estragar a surpresa de quem ainda não assistiu. Os acontecimentos deste episódio, somados à chegada do bebê de Kevin (Matthew Rhys) e Scotty (Luke Macfarlane) serão os pilares da próxima temporada, envolvendo direta ou indiretamente cada integrante da família Walker e seus respectivos agregados.
O que se espera é um recomeço bem triste, sempre com os altos e baixos já característicos. A campanha de Kitty (Calista Flockhart) ao senado deverá ser o assunto central na parte política da série, agora que seu marido e senador Robert McCallister (Rob Lowe) está saindo - Lowe alegou pouca participação de seu personagem na trama e, segundo rumores, está migrando em caráter definitivo para Parks And Recreation. Vamos colocar os lenços para secar, pois na próxima temporada os Walker, uma das famílias mais queridas das séries atuais, virão com uma nova carga de mazelas para provocar ainda mais lágrimas na audiência.

DESPERATE HOUSEWIVES: DESPEDIDAS DESESPERADAS

2010-05-22T11:42:00.002-03:00

Embora caracterizada pela auto-repetição, Desperate Housewives conseguiu apresentar uma das melhores entre suas, até agora, 6 temporadas. A estrutura da série não mudou, tampouco a louca vida das donas de casa mais famosas da TV, porém, as tramas costuradas em Wisteria Lane desta vez foram mais tensas, mais dramáticas e trouxeram consequências mais sérias.
Dois foram os pontos altos da temporada: a chegada da misteriosa família de Angie Bolen (Drea de Matteo) e os ataques do estrangulador de mulheres. No meio das costumeiras bobeiras do quarteto Susan (Teri Hatcher), Lynette (Felicity Huffman), Bree (Marcia Cross) e Gabrielle (Eva Longoria Parker) sobrou um bom espaço para suspense e mistério. A opção da produção por concentrar o desfecho dos arcos principais da temporada nos 3-4 últimos capítulos, como revelar Eddie (Josh Zuckerman) sendo o estrangulador de mulheres, trazer o vilão Patrick Logan (John Barrowman) de volta à vida de Angie, forçar o confronto de Bree com Sam (Sam Page) - o filho bastardo de seu falecido marido - e abalar as estruturas financeiras na casa de Susan e Mike (James Denton) trouxe um gás a esta reta final, trocando os mistérios pelas expectativas.
Entitulado I Guess This Is Goodbye (algo traduzido como Acho Que Isto É Um Adeus), o capítulo derradeiro da fall season 2009/2010 foi efetivamente um festival de despedidas. Infelizmente, os rumos da história obrigaram a saída de Angie, Nick (Jeffrey Nordling) e Danny Bolen (Beau Mirchoff), uma das famílias passageiras mais instigantes e apimentadas que já pisaram na rua das desesperadas. A temporada ainda levou Wisteria Lane, durante o avanço dos episódios, a dizer adeus ao ex-marido de Susan - Karl (Richard Burgi) -, à biruta Katherine (Dana Delany) e, em sua reta final, a Orson (Kyle MacLachlan) e ao próprio casal Mike/Susan. Alguns deles em breve voltarão a habitar aquela rua ensolarada onde os vizinhos se cumprimentam pela janela, alguns não mais. Figuras do passado estão retornando e já mostraram a cara, sem revelar ao certo quais seus verdadeiros objetivos. Novos personagens ainda chegarão, como a vilã já anunciada para Vanessa Williams, mas isso tudo só saberemos a partir de 26 de setembro, no episódio inaugural do 7° ano da série, ainda sem título definido.

O FIM DA 1ª TEMPORADA DE "V"

2010-05-21T22:22:00.006-03:00

Após uma premiére recordista, a ponto de bater a estreia de Lost de 2004, V foi perdendo audiência, fato que se agravou após o retorno de um hiato de 3 meses. Mesmo com um alto custo de produção, ainda assim a rede americana ABC deu a preferência de permanência à série em sua grade de programação, optando pelo cancelamento de FlashForward.
Na última terça-feira, 18 de maio, foi ao ar o encerramento da 1ª temporada deste remake de ficção científica, que narra a invasão da Terra por visitantes de outro planeta. Parece que finalmente a história começou a acontecer, depois de 12 mornos episódios só de preparo.
A malvada Anna (Morena Baccarin) foi responsável por uma quantidade razoável de mortes e maldades ocorridas nesta reta inicial, em prol do objetivo maior de invasão da Terra - a cada investida, a baixeza de seu caráter se tornava mais evidente, a ponto de mandar quebrar as pernas da própria filha Lisa (Laura Vandervoort) ou de aplicar uma injeção letal em Val (Lourdes Benedicto) logo após a moça dar à luz ao bebê híbrido, metade humano/metade V. Pelas mãos de Anna foi dado também o comando de início da invasão, veiculado neste último episódio, entitulado Red Sky (Céu Vermelho).
Quanto aos mocinhos da trama, restou-lhes uma sucessão de pequenas conquistas e grandes derrotas e a promessa de traições e novas alianças. O acordo de Kyle Hobbes (Charles Mesure) com os V's, a virada a favor dos humanos feita por Lisa e a descoberta feita pelo insosso repórter Chad Decker (Scott Wolf) foram as grandes revelações deste final de temporada, que servirão de guia para a próxima fall season. Com a eminência da invasão, a expectativa será grande na continuação da série, quando finalmente os planos serão revelados, um rastro de sangue e destruição assolará nosso querido planeta e finalmente as máscaras cairão, revelando a horrível e escamosa pele de lagarto dos visitantes.

CONDENAÇÃO OU ABSOLVIÇÃO? A SENTENÇA FINAL DE DAMAGES

2010-05-20T18:00:00.003-03:00

Quem tem medo de Patty Hewes?
Na minha modesta opinião, Damages, dada como encerrada, foi uma das melhores séries, senão a melhor, que surgiu nos últimos tempos na televisão americana. O conjunto de atuações perfeitas, tramas instigantes e bem amarradas, diálogos inteligentes e personagens que se ama ou que se odeia formou uma composição tão perfeita que vai ser difícil surgir algo no mesmo nível tão de imediato. Uma coisa foi verdade: a série era lenta e, apesar de cheia de crimes e suspense, a ação era escassa e o que se exercitava, na verdade, era o pensamento, a dedução e a expectativa.
Com Glenn Close encabeçando o elenco na pele da inescrupulosa e poderosa advogada novaiorquina Patty Hewes (um ícone adorável do mal que vai ficar marcado na memória televisiva), a série apresentou, durante suas três temporadas, casos jurídicos extremamente complexos e cheios de pontas soltas, envolvendo crimes, violência, escândalos e mentiras. Nesse universo valia tudo, fosse roubar ou até matar, sem importar de que lado se estava. Ao lado de Patty atuavam seu braço direito Tom Shayes (Tate Donovan) e a novata Ellen Parsons (Rose Byrne), advogada recém formada e ambiciosa, por quem Patty sempre nutriu certa admiração, apesar dos constantes confrontos diretos entre as duas. Dramas pessoais e profissionais, além de conflitos de caráter dos personagens foram sempre levantados e abordados na série, mostrando outras faces dessas pessoas e enriquecendo ainda mais a trama.
A terceira temporada, terminada há algumas semanas nos EUA, foi um trabalho fantástico, quase equiparado com o primeiro ano, causador de um impacto tremendo. No mesmo formato dos anos anteriores, onde a história se passava em um tempo e vez ou outra eram mostrados fragmentos de um futuro próximo (poucas semanas ou meses à frente), a tensão aumentava com o avanço da temporada, onde esses fragmentos passavam a ser melhor explorados e a se encaixar com os fatos do tempo atual, muitas vezes enganando a audiência, que pensava saber a explicação, mas se deparava outra totalmente surpreendente. Como precaução, a produção tratou, além de resolver esta temporada, de amarrar todas as pontas soltas dos anos interiores e deixar a história às claras, com todos os mistérios explicados e o fim de cada personagem definido. Figuras do passado, como o salafrário Arthur Frobisher (Ted Danson, em mais uma grata aparição) também retornaram para cumprir suas partes.
Na cena final, uma pergunta ficou no ar entre Patty e Ellen: "Valeu a pena?". Para nós, fãs, valeu... E, poucos dias depois, a notícia sobre o cancelamento.
Embora ainda haja um pequeno fio de esperança da série ser abraçada por outra emissora, o canal FX já a deu por cancelada. O motivo do cancelamento foi o de quase sempre: baixa audiência. Ainda assim, há uma campanha bem forte na Internet, promovida por fãs, em prol do show - entitulada "savedamages", a campanha invadiu o Twitter, o Orkut e outras redes sociais. Há quem queira incondicionalmente o retorno da série, há quem tenha receio de queda da qualidade, achando melhor deixá-la encerrada em grande estilo. Ainda assim, a decisão sobre o futuro de Patty Hewes continua uma incógnita, desta vez a ser resolvida não nos grandes tribunais, mas sim nas rodas dos grandes executivos da TV.

CINEMA: ROBIN HOOD

2010-05-19T22:15:00.003-03:00

Evite comparações deste Robin Hood (Robin Hood, 2010) com aquele de 1991, estrelado por Kevin Costner. Sim, o personagem é o mesmo, a história até é a mesma, porém, esta versão atual de Ridley Scott narra o surgimento do contraditório herói, aquele conhecido por tirar dos ricos para dar aos pobres.
Russell Crowe (parceiro do diretor em outros títulos como Gladiador e Rede De Mentiras) vive o protagonista, desde o soldado Robin Longstride até o forjado Robert Loxley, para finalmente tomar sua definitiva identidade junto à lenda que o cerca. Cate Blanchett (Elizabeth, O Senhor Dos Anéis) é Lady Marion, uma camponesa sem papas na língua e uma mulher visionária, atrevida demais para seu tempo. Seu envolvimento com Robin é de primeira importância para a evolução da história, que se passa logo após as cruzadas do violento Rei Ricardo Coração de Leão (Danny Huston), onde o soberano é abatido em combate e seu trono é assumido por seu irmão João (Oscar Isaac), um tirano e injusto rei que, ao dispensar os serviços do fiel William Marshal (William Hurt, em um papel pequeno) cede o posto de conselheiro ao nefasto Godfrey (Mark Strong), um traidor que planeja instaurar uma guerra civil na Inglaterra entre a realeza e o povo, facilitando um ataque surpresa em conluio com o exército francês.
A arena da história que Scott tem para nos mostrar é um espetáculo de imagens, batalhas perfeitamente produzidas, cenários e figurinos perfeitos que remetem para a Inglaterra do século XII, efeitos sonoros ensurdecedores (ou era o som do cinema que estava desregulado) e uma boa trama que, apesar de longa, não deve ser recebida com cansaço ou preguiça. O roteiro contém alguns clichezinhos típicos de filmes de batalhas, como a caracterização piegas de Robin enquanto líder e a incursão do elenco na íntegra durante a luta, onde não faltam crianças e mulheres que sempre conseguem ir escondidas e, mesmo sem preparo algum, ainda vencem qualquer duelo. No mais, o filme se sai muito bem e termina na hora certa.
Se foi proposital ou não, a fita tem passagens que nos servem de metáfora e nos permitem traçar paralelos com nossos tempos. Basta observar as atitudes da coroa para com seus súditos, as motivações das batalhas e os absurdos cometidos em nome da igreja e em nome do rei. É, os tempos mudaram, mas o caráter humano, muito pouco: os pobres continuam sofrendo com fome e opressão, as guerras continuam matando aos milhares, mas agora com bombas e morteiros, as nações continuam querendo engolir umas às outras, mas com estratégias muito mais elaboradas do que séculos atrás. E os governantes... Esses continuam fazendo o que bem entendem, mentindo descaradamente e achando, assim como os reis antigos, que estão acima até mesmo de Deus. É pra rir ou pra chorar?

A 2ª TEMPORADA DE UNITED STATES OF TARA

2010-05-19T16:30:00.001-03:00

Personalidades múltiplas: esta parece ser a única aflição na vida de Tara Gregson (Toni Collette) e de sua família. Com tal premissa, United States Of Tara fez uma bela temporada de apresentação em 2009 e agora está em exibição de seu segundo ano nos EUA. Com o humor negro como aliado, as desventuras dessa dona de casa cheia de alter egos chocam e divertem ao mesmo tempo, sem poupar críticas à sociedade e à estrutura familiar dos dias de hoje.
Veiculada no canal Showtime, um canal adulto que exibe suas séries somente após um determinado horário da noite, Tara tem boas doses de sexo, palavrões e situações polêmicas, o que auxilia no desenvolvimento de seus personagens. Tara parece ser a problemática da casa, mas outras impressões surgem quanto entram em cena seu marido dedicado e de pavio curto Max (John Corbett, de Casamento Grego e da série Sex And The City), sua tresloucada irmã Charmaine (Rosemarie DeWitt) e seu casal de filhos adolescentes, formado pela indecisa e malvada Kate (Brie Larson) e pelo sexualmente confuso Marshall (Keir Gilchrist).
Se no primeiro ano Tara já sofria ao lidar com o veterano de guerra Buck, a vadia adolescente T., a dona de casa à moda antiga Alice e o selvagem Gimmy, agora a psicóloga riponga Sooshanna surge para dividir o espaço na mente da protagonista e, pior, para tratar a ela mesma do distúrbio - parece confuso, mas acaba sendo muito engraçado. Com a família cada vez mais em pandarecos (Max emocionalmente descontrolado, Charmaine noiva e grávida de outro homem, Kate encarnando uma princesa dos quadrinhos para ganhar dinheiro fácil e Max se descobrindo sexualmente com meninas e meninos), os alters de Tara fluem automaticamente a cada episódio, a cada conflito ou a cada hostilidade, o que, numa família como esta, não é nada difícil de acontecer. Resta acompanhar essa teia de confusões e torcer pela sanidade da nossa heroína e pela permanência desta divertida série no ar por mais um ano.

CINEMA: ANTES QUE O MUNDO ACABE

2010-05-19T00:00:00.002-03:00

Um envelope pardo e uma disputa amorosa são as peças-chaves para a trama de Antes Que O Mundo Acabe (Brasil, 2009), uma incursão sutil e certeira no complexo universo da adolescência. Na fictícia Pedra Grande, no interior do Rio Grande do Sul, onde o meio de transporte predominante é a bicicleta, vive Daniel (Pedro Tergolina), um adolescente de 15 anos sem muitas ambições, cujo tempo divide entre as aulas no colégio católico, o melhor amigo Lucas (Eduardo Cardoso) e a namoradinha Mim (apelido para Jasmim, papel da atriz Bianca Menti). A vida do garoto começa a sacudir quando um envelope remetido da Tailândia chega para ele pelo correio, quase ao mesmo tempo em que Mim resolver lhe pedir um tempo, abrindo espaço para o amigo Lucas entrar na disputa pelo coração da garota.
Alguns eventos são desencadeados a partir desses episódios, e o modo com que Daniel passa a encarar o mundo e as pessoas a sua volta é a essência da história contada pela diretora Ana Luiza Azevedo, estreante em longas metragens. Forma-se então um jogo de atos, consequências e responsabilidades interessante e cativante. De forma simples e direta, o filme se desenrola e evolui com graça, divertindo e comovendo. Produzida pela Casa de Cinema de POA, a fita acerta o tom e transforma em um enredo criativo um tema tão comum e em parte já banalizado pelo cinema contemporâneo.
Com belas locações naturais e externas filmadas em Porto Alegre (destacando pontos famosos do Centro), além de uma trilha sonora "bacaninha", Antes Que O Mundo Acabe mostra o mundo sob o olhar destes jovens, com seus conflitos internos, seus becos sem saída, seus medos e suas indecisões, e comprova que ser jovem hoje em dia não é tão fácil quanto possa parecer. O elenco, formado por atores desconhecidos, dá um tempero extra na trama através de boas interpretações e passa em muitas cenas um ar familiar e nostálgico: impossível não se reconhecer em várias situações cotidianas que acontecem conosco constantemente, mas que chegam com outra graça na tela de cinema, quando aqui, delas somos os voyeurs. As cenas dramáticas são tiradas de eventos que nos soariam triviais, mas que na fita, bem trabalhados, ganham força. As cenas mais divertidas aparecem para fazer o equilíbrio, dentre as quais, a menina Maria Clara (Caroline Guedes), irmã caçula de Daniel, é a protagonista-mor.
Ponto para a equipe, que soube conduzir o bom roteiro, escrito pela diretora em parceria com Paulo Halm, baseado no livro homônimo de Marcelo Carneiro Da Cunha, sem introduzir reviravoltas surpreendentes, apelar para a polêmica ou para a comoção fácil, e ainda assim prender o espectador e agradá-lo em cheio.

CINEMA: O IMAGINÁRIO MUNDO DO DR. PARNASSUS

2010-05-18T17:00:00.000-03:00

O Imaginário Mundo Do Dr. Parnassus (The Imaginarium Of Doctor Parnassus, 2009) causa certo desconforto e estranheza a quem o assiste e levanta questões do tipo "o que estou fazendo aqui?" e "será que alguém está entendendo?". Antes de qualquer outro comentário, o filme é chato - com uma barreira de real X imaginário quebrada cada vez que os personagens atravessam um espelho falso colocado no palco onde se apresenta o decrépito Dr. Parnassus (Christopher Plummer) do título, forma-se uma confusão de quem é quem e do que está acontecendo na história.
A trama retrata a história do Dr. Parnassus, um homem com o poder de manipular a mente das pessoas. Séculos atrás ele fez uma aposta com o diabo (o cantor Tom Waits) cujo prêmio foi a vida eterna. Mais apostas vieram, e eis que Parnassus aposta a alma de sua filha Valentina (Lily Cole), perde e vê-se desesperado a tentar recuperá-la. Junto de Valentina e do jovem Anton (Andrew Garfield), Parnassus percorre as ruas de Londres com seu hoje fracassado show de encantamento, até que em uma noite deparam-se com Tony (Heath Ledger, o Coringa de O Cavaleiro Das Trevas), um homem enforcado embaixo de uma ponte. Após o salvamento, o misterioso Tony passa a integrar a trupe e suas habilidades de persuasão tornam-se essenciais na disputa do Dr. com o cínico diabo pela alma de Valentina. O grande mistério do filme encontra-se em compreender as verdadeiras intenções de cada personagem e saber separar o que é real do que é a mente do Dr. Parnassus - tarefa árdua que, por volta da metade do filme torna-se desistência e logo converte-se em prece para que os créditos subam logo.
Dirigido por Terry Gilliam (o mesmo de Os Irmãos Grimm), ex-integrante do grupo cômico Monty Python, o que mais chama a atenção para a fita é o fato de ela ter sido o último trabalho de Ledger e mais um item na coleção de má sorte e contratempos das produções que envolvem o diretor, cujo histórico com problemas é famoso no meio cinematográfico. Desta vez o problema foi bem grave, devido ao falecimento do ator durante as filmagens. Para contornar a situação, a saída encontrada foi substituí-lo nas cenas em que Tony penetra no mundo imaginário - um revezamento entre os tarimbados Jude Law, Johnny Depp e Collin Farrell - cujo resultado saiu confuso e desastroso.
De bacana mesmo, o filme possui boas interpretações e um visual bacana. Com ares ciganos e circenses, o figurino e os cenários são supreendentes, com uma beleza de cores e detalhes imagináveis apenas na mente do Dr. Parnassus. Eis um título que, por mais tentador que pareça o trailer e o cartaz, é melhor passar longe.

A DESPEDIDA DE NIP/TUCK

2010-05-17T17:00:00.000-03:00

Ninguém pode acusar o produtor Ryan Murphy e sua equipe de produção em Nip/Tuck por falta de originalidade: a série conseguiu polemizar, chocar e ao mesmo tempo apresentar sob um ângulo no mínimo curioso o universo das relações interpessoais, tendo como pano de fundo uma clínica de cirurgia plástica. No ar desde 2003 e tendo como protagonistas a dupla de sócios/amigos/rivais/co-irmãos isseparáveis e icorrigíveis Sean McNamara (Dylan Walsh) e Christian Troy (Julian McMahon), a trama dá adeus aos fãs neste início de 2010, em uma sequência que não se definiu ao certo ser a 7ª temporada ou a 6ª dividida em duas partes.
Ao contrário de muitas séries que são canceladas sem aviso prévio, Nip/Tuck já tivera seu final planejado durante a exibição da 5ª temporada, deixando tempo e ideias de sobra para os roteiristas e produtores planejarem o destino de seus personagens. Talvez por boa parte da equipe ter se debandado para a produção de Glee, a nova série de Murphy e uma das maiores sensações desta fall season, Nip/Tuck foi bastante prejudicada em sua reta final, principalmente no que disse respeito ao roteiro.
A falta de motivação e o sumiço longo de alguns dos personagens, as reviravoltas sem fim na trama e o grotesco em escalas superlativas causaram marasmo à série e produziram episódios totalmente desnecessários, onde nada acontecia e nada contribuia para dar qualquer rumo à história. Figuras antes importantes, como a inconstante Kimber (Kelly Carlson), o filho problemático Matt (John Hensley) e a própria Dra. Liz Cruz (Roma Maffia) mudaram tanto em tão curto tempo que se tornaram estorvos ao invés de pivôs de algo mais importante. Julia (Joely Richardson), que um dia fora o terceiro nome do elenco, simplesmente não existiu nos últimos dois anos da série: apareceu vez ou outra só para incendiar, causar desconforto na trama e sumir na cena seguinte. E, quanto os protagonistas, tornaram-se algo próximo de um casal de meia-idade com crise no casamento, brigando por qualquer bobagem e reatando para voltar a brigar de novo...
Pode-se dizer que depois de 7 anos, o final da série veio tardio. O longo hiato da 5ª temporada teria sido suficiente para o planejamento de um final no mínimo mais digno e melhor resolvido, sem a necessidade de uma longa espera e de uma longa enrolação. A conclusão da trama terminou não sendo boa para quase ninguém, mas, após tantas desventuras, não tinha como ser diferente. Como mérito louvável, foi selado o destino de cada um dos personagens e reforçados os laços de afeto que tanto os ligaram e separaram no decorrer de todo esse tempo, sempre envolvendo o flerte com o bizarro, com a pornografia, com a violência e com o que havia de mais sombrio no ser humano, onde o limite sempre foi a imaginação.

CINEMA: TUDO PODE DAR CERTO

2010-05-16T22:46:00.001-03:00

Tudo Pode Dar Certo (Whatever Works, 2009), o mais recente filme de Woody Allen (responsável aqui pelo roteiro e pela direção), traz o comediante Larry David no papel de Boris, um velho solitário e ranzinza. Boris se julga uma mente privilegiada e, com uma carga colossal de mau humor e intolerância, ele é desprovido de qualquer pudor ou trava na língua quando o negócio é criticar ou ofender diretamente as pessoas, sejam adultos ou crianças - sua estupidez é tão ácida que chega a ser engraçada em diversas passagens. O que Boris não contava era com a chegada de Melody (Evan Rachel Wood) em sua vida.
Melody, por sua vez, é uma pós-adolescente simplória e de miolo mole. Fugida das garras da mãe dominadora (Marietta, vivida por Patricia Clarkson, presença constante nos filmes de Allen), a moça vem do interior para se aventurar na cidade grande e é justamente aí que seu caminho se cruza com o de Boris. A química que surge entre os dois, mesmo que inusitada, causa diálogos divertidíssimos, irônicos e com um quê de inteligência, outra marca característica da carreira do diretor. Contar o segmento da história seria estragar a surpresa para quem ainda não assistiu, mas pode-se dizer que são consideráveis as mudanças dadas na trama.
Longe de ser um dos melhores filmes de Allen, mesmo dentre os mais recentes, Tudo Pode Dar Certo é mediano e se salva pelo fator cômico da trama. Embora o diretor cultive um teor cômico bobo, às vezes cedendo espaço ao pastelão e ao absurdo, muito de seu trabalho se deve à repetição de fórmula, algo que tem dado certo até hoje. Nas poucas escapadas do formato, o diretor se saiu bem, mas é no chão da comédia que ele parece ainda mais à vontade. E, aqui, apesar da simplicidade da fita, pode-se considerar bem contada sua visão sobre mudanças de atitudes e suas devidas consequências.

SUPERNATURAL: O FINAL DA 5ª TEMPORADA

2010-05-16T12:26:00.006-03:00

Era para ser o final definitivo da saga dos irmãos Winchester - tão verdade é que, após o anúncio de renovação para uma 6ª temporada, o produtor e criador da série Eric Kripke pulou fora do barco. Deste ponto em diante, será o que Deus quiser, ou, para entrar no contexto atual da série, o que o diabo quiser...
Desde o início da temporada tudo levava a crer que em maio deste ano o Impala preto 1971 finalmente descansaria em paz na garagem, mas os bons índices de audiência, a legião crescente de fãs da série e a máxima sempre válida no show business de "sugar tudo até a última gota", levaram os executivos do canal CW a renová-la por mais um ano, mesmo com os rumos da história apontando para um final a partir do qual se tornaria bem difícil retomá-la. Na verdade, Supernatural estava empacada em um mesmo tema há pelo menos 3 temporadas: foi-se o tempo em que haviam episódios isolados da trama principal e que os irmãos se deparavam com criaturas e monstros sobrenaturais diferentes de demônios ou anjos. Criou-se desde lá um universo céu-inferno cheio de criaturas ambíguas, lugares inimagináveis, fronteiras tênues entre a vida e a morte e situações tempo-espaço difíceis de se compreender. A cada temporada, a série estava se tornando uma encheção constante de linguiça, o que provou sua mais recente fall season, encerrada nesta última quinta-feira.
Tamanhos foram os artifícios empregados na produção para não terminar a série de acordo com o planejado e deixar gordura para queimar por pelo menos mais um ano, que houve uma série de episódios desnecessários e de títulos desconexos, com tramas e personagens enxertados à força para atrasar o desenlace dos destinos dos irmãos Sam (Jared Padalecki) e Dean (Jensen Ackles) Winchester. As participações mais constantes do amigo Bob (Jim Beaver) e do anjo Castiel (Misha Collins), embora muito bem-vindas, contribuiram com novas tramas paralelas que mais ajudaram a enrolar o desenvolvimento da temporada do que a evoluir. No fim das contas, obteve-se um saldo positivo, com um final satisfatório e um gancho no mínimo interessante para stembro/outubro próximo. O receio maior vem do que será feito com isso e de quanto mais a série vai segurar firme até sair de controle e permanecer no ar apenas para faturar. O histórico de sua co-irmã Smallville, rumando para uma 10ª temporada, dá pistas do que pode acontecer, mas agora é hora de descansar a cabeça de tantos anjos e demônios e rezar para a próxima fall nos trazer boas novas.

CINEMA: CHICO XAVIER

2010-05-15T12:00:00.002-03:00

Brasil, o país com a maior população de espíritas do mundo, tem na figura do médium Chico Xavier (1910 - 2002) seu maior representante. A cinebiografia entitulada Chico Xavier (2010) e dirigida por Daniel Filho faz um apanhado geral sobre a vida e a trajetória do mineiro, desde sua sofrida infância até seu reconhecimento como o maior médium que o país já conheceu, tendo publicado mais de 400 obras psicografadas.
Nos moldes tradicionais de toda adaptação biográfica, a história contada por Daniel Filho mostra Chico Xavier em 3 fases de sua trajetória: quando criança (o ator mirim Matheus Costa), quando jovem adulto (Ângelo Antônio, a melhor das 3 interpretações) e na etapa mais madura de sua vida (Nelson Xavier). Amparada por um elenco estrelar da Rede Globo, a fita calça a narrativa sobre duas entrevistas dadas por Chico em 1971 no programa Pinga-Fogo, da extinta TV Tupi. Há espaço ainda para retratar suas primeiras experiências mediúnicas, o preconceito sofrido pelo espiritismo, a caridade por Chico praticada (o auxílio aos pobres e o consolo dado através de psicografias para pessoas desoladas pela morte de entes queridos) e sua relação com o espírito Emmanuel (André Dias), seu mentor.
Não há como negar que o filme, de certa forma, celebra o espiritismo, mas seria impossível separar a doutrina da história do médium. De qualquer forma, a narrativa é desenvolvida em um nível de fácil entendimento, o tom do drama não é apelativo ou sobrenatural, chegando a ser abrandado com alívios cômicos em algumas partes, para, além de contar a história, também divertir a audiência: tudo foi meticulosamente ajustado para o formato família, para agradar da criança à vovó. Sem julgar o teor propositadamente comercial, o filme tem o seu valor e é no mínimo interessante como biografia e homenagem respeitosa à memória do grande ser humano que foi Chico Xavier, independente de crenças ou intenções.

CINEMA: O MELHOR E O PIOR DE ALICE

2010-05-14T20:11:00.008-03:00

O trailer, veiculado nas salas de cinema convencionais e 3D há quase um ano, anunciava: vem aí uma nova versão de Alice No País Das Maravilhas (Alice In Wonderland, 2010), mesclada com o conto Alice Através Do Espelho - e a promessa é de uma versão magnífica e nunca antes imaginada sobre as obras literárias de Lewis Carroll (1832-1898). O comandante? Tim Burton, um diretor conhecido por sua criatividade aguçada e pelo flerte com o sombrio em seus trabalhos - a princípio, o candidato perfeito para conduzir o projeto - a princípio...
A expectativa gerada em torno do filme foi grande, e tornou-se uma espera infindável graças ao adiamento de sua estreia no Brasil em quase 2 meses em relação aos demais países do globo (dizem por aí que o adiamento se deu em detrimento da permanência de Avatar nas salas 3D e de uma expecativa não concretizada da fita de James Cameron arrebanhar os principais prêmios do Oscar 2010). A tão esperada chegada aos nossos cinemas, assim como a brincadeira do telefone sem fio, nos leva a refletir sobre até onde se pode reinventar ou repassar uma história adiante.
A expectativa sobre a visão de Alice nos olhos de Burton tornou-se uma ilusão ainda maior do que a vivida pela personagem nos livros escritos por Carroll no distante século XIX. Boa parte por sua associação aos estúdios Disney na produção do trabalho, Burton, aliado ao roteiro estapafúrdio de Linda Woolverton (prata da casa, responsável, dentre diversos títulos, pelos roteiros de Mulan e do primeiro Rei Leão) tornou um clássico da literatura e, por que não dizer, da filosofia popular, em uma colcha de retalhos sem sentido, onde os personagens estão irreconhecíveis e muito do tempo é desperdiçado em uma aventura medieval enfadonha, nos moldes de O Senhor Dos Anéis e As Crônicas De Nárnia.
O filme é visualmente impecável, nos mínimos detalhes do figurino e da computação gráfica violentamente empregada. O uso do 3D, embora tímido em algumas passagens, quando empregado, chega a ser vertiginoso: a cena da queda de Alice no buraco, os objetos atirados na telona pela Lebre de Março (voz de Paul Whitehouse) e a cena de vôo com Tweedledee e Tweedledum (voz e expressões faciais de Matt Lucas) são incríveis e merecem respeito pela elaboração. O recurso foi bem empregado em algumas cenas também para dar ideia de planos e profundidade.
Os atores estão muito bem na história: embora poucos personagens sejam de carne e osso, a atuação dos dubladores é excelente (o filme conta com nomes do peso de Alan Rickman e Stephen Fry, respectivamente a Lagarta Azul e o risonho Gato de Cheshire). Dentre os personagens reais, a Alice adulta e depressiva escolhida por Burton (a atriz Mia Wasikowska) foi uma escolha felicíssima - Mia é carismática e apática na medida certa para o papel. Embora seja um desparate do diretor querer sobrepor a protagonista com um personagem secundário em prol da escalação de seu ator predileto, a participação de Johnny Depp como o Chapeleiro Louco está mais uma vez impecável - o maior problema do personagem é sua própria composição, sugerida pelo roteiro. Helena Bonham Carter mostra domínio de atuação ao viver a malvada, hilária e cabeçuda Rainha Vermelha (na verdade, um mix da Rainha de Copas do primeiro livro com a própria Rainha Vermelha do segundo), enquanto Anne Hathaway vive uma Rainha Branca esquisitona e sem sal.
A sensação de decepção com boa parte do filme é inevitável: o filme perdeu toda a ironia e a arrogância desde o ponto em que os habitantes do País das Maravilhas, antes psicóticos e malvados, tornaram-se um bando de bichinhos bonzinhos e fofos. O nascimento de uma Alice guerreira e de duas facções de gladiadores sob o comando das duas rainhas coloridas foi a pior escolha possível - na intenção de tornar o filme ainda mais comercial, a investida da Disney arruinou qualquer suspiro de dignidade que a adaptação ainda mantinha.
No fim das contas, esta releitura de Alice No País Das Maravilhas reduz-se a um filme lindo de se ver, mas difícil de engolir.

CINEMA: HOMEM DE FERRO 2

2010-05-14T02:00:00.002-03:00

Em cartaz nos cinemas brasileiros desde o dia 30 de abril, Homem De Ferro 2 (Iron Man 2, 2010), não só é uma continuação do filme de 2008, como também um upgrade na atmosfera que envolve a história do herói - esteja ele vestido com a armadura de ferro ou com as roupas Tony Stark (Robert Downey Jr.).
Em termos de qualidade e de ação, ninguém fica devendo nada para ninguém: o que se perde por um lado, ganha-se pelo outro. Em uma via, o personagem de carne e osso vivido por Downey Jr. cresce na fita, em tom afetado e arrogante, de modo que torna-se impossível não amá-lo e odiá-lo ao mesmo tempo. Por outra, o roteiro sofreu com alguns furos e alguns pulos dados para diminuir os trâmites da história e focar-se mais na ação. Alguns eventos, como o desenvolvimento do vilão Chicote Negro (Mickey Rourke) e o surgimento da Máquina De Guerra (Don Cheadle) parecem em certos momentos imediatos demais e desprovidos de uma motivação maior. Acertos como as participações contidas de Sam Rockwell como o ambicioso Justin Hammer, Scarlett Johansson na pele da Viúva Negra e a reprise de Gwyneth Paltrow como Virgínia "Pepper" Potts, em detrimento de um espaço maior para o protagonista, foram providenciais para dar gás ao filme e não atê-lo a uma gama de tramas paralelas desnecessárias.
Homem De Ferro 2 cumpre bem o seu papel e com certeza será uma das maiores bilheterias deste ano no verão americano, que já iniciou sua temporada de blockbusters. O ator/diretor Jon Favreau soube repetir a fórmula de sucesso do primeiro filme e, de canja, ainda deu os ares da graça no papel de Happy Hogan, o motorista e braço direito de Stark. Um terceiro volume está encomendado e em fase de elaboração, possivelmente para 2012, o ano em que também deveremos ver o Homem De Ferro lutando ao lado de Hulk, Thor e Capitão América em Os Vingadores (The Avengers), dos quais os dois últimos heróis, além de estarem com seus filmes próprios em fase de produção, ainda deixam pistas de sua eminente chegada nesta película aqui comentada. Esperem até depois dos créditos para ver!

COMÉDIAS: CADÊ OS MORGAN? / CAÇADOR DE RECOMPENSAS

2010-05-13T19:00:00.007-03:00

Para o dia de hoje, duas dicas de comédias que foram conferidas recentemente. Embora diferentes, são visivelmente notáveis, mesmo pela descrição, as semelhanças entre as duas fitas - desde o enredo até a estrutra da história. Tendência ou repetição, os dois títulos abaixo são recomendados para garantir boas gargalhadas - e ainda estão em cartaz, basta correr até o cinema e aproveitar!

Comediazinha romântica básica, Cadê Os Morgan? (Did You Hear About the Morgans?, 2009) junta dois pesos-pesados do gênero: Sarah Jessica Parker e Hugh Grant. Na trama, o casal novaiorquino Meryl (Parker) e Paul (Grant) vivem um momento de crise no casamento, e, eis que em uma noite, testemunham um assassinato e, por conta disso, são obrigados a integrar um programa de proteção às testemunhas que os leva para viver no interior do estado americano do Wyoming, na companhia de um xerife casca-grossa e sua esposa linha-dura. A partir daí não é difícil adivinhar o que se segue: trapalhadas rurais, mistérios policiais envolvendo o crime que o casal testemunhou e todo aquele redescobrimento do romance dos dois. O diretor Marc Lawrence (Miss Simpatia 1 e 2, Letra E Música), já experiente no gênero, é quem comanda a festa.

Mais divertido, mais frenético e menos refinado, Caçador De Recompensas (The Bounty Hunter, 2010) traz o galã da vez Gerard Butler (300, O Fantasma Da Ópera) na companhia da sempre queridinha da América Jennifer Aniston (Amigas Com Dinheiro, Marley E Eu). Butler vive um ex-policial que ganha a vida caçando foragidos de julgamentos e vê a sorte grande no dia que recebe como missão capturar sua ex-mulher, vivida por Aniston. A trama central ainda envolve uma investigação jornalística sobre um suposto suicídio, que traz à história bastante ação, correrias e tiroteios. Esta comédia romântica pseudo-policial, dirigida por Andy Tennant (o mesmo de Hitch - Conselheiro Amoroso) é uma boa pedida com bastante ação para rir e se divertir.

A HORA DO PESADELO

2010-05-12T21:53:00.006-03:00

Sob a guarda do renomado diretor de videoclipes Samuel Bayer e da produção de figurões, dentre os quais o lucrativo diretor Michael Bay, o famigerado vilão Freddy Kruger volta à ativa em uma nova versão do clássico de horror oitentista A Hora Do Pesadelo (A Nightmare On Elm Street, 2010).
Bayer, um diretor de videoclipes estiloso e de talento, tem em seu currículo serviços prestados a grandes bandas, dentre as quais Metallica, Green Day e Cranberries. Este reboot, por assim dizer, de A Hora Do Pesadelo é seu primeiro trabalho para a tela grande. Para quem conhece seu trabalho no ramo musical, torna-se fácil identificar suas marcas e padrões, que vão desde as cores desbotadas até a opção por cantos escuros, cenários sujos e objetos macabros - nada mais adequado para um filme de terror. Sua mão caiu bem para o filme, mas infelizmente não é só isso que faz a película...
De um modo geral, refilmagens sempre são vistas com o nariz torcido e - convenhamos - a falta de imaginação hollywoodiana, cada vez pior, leva os gananciosos estúdios a refilmar e reinventar obras cada vez mais recentes: meros 26 anos separam o surgimento de Freddy Kruger na telona desta versão 2010. Para completar, por mais tosca ou dispensável que tenha sido a, por assim dizer, "vida" de Freddy no cinema, o monstro tornou-se um ícone de toda uma geração que ouvia Michael Jackson, bebia Coca-Cola em garrafinha de vidro e se divertia em turma assistindo fitas de terror retiradas na locadora nos sábados a noite. Refazer um filme deste porte, sobretudo com um novo ator encarnando o demoníaco senhor dos pesadelos, é um passo um tanto ousado e, para alguns mais fanáticos, uma heresia.
O frisson causado tem lá seus fundamentos, mas boa parte das críticas negativas recebidas tem fundo preconceituoso. Poucos sustos - verdade - mas, para um filme de terror nos dias de hoje, até que este se sai bem, e sem abusar demais dos clichês. Embora seja estranho um rosto diferente do ator Robert Englund sob a pele queimada de Freddy, o substituto escolhido Jackie Earle Haley foi um acerto, uma vez que seu próprio semblante sem maquiagem já é assustador. Haley parece à vontade no papel e, embora seu Freddy tenha perdido a força em relação ao de Englund, parte da culpa é do roteiro, que muda um bocado os fatos da história e reinventa um Freddy menos sádico e mais vingativo. Os únicos aspectos de fato melhorados da versão original para esta foram o visual e os efeitos especiais, que estão muito bem feitos e injetam uma certa graça ao filme.
A iniciativa de adaptar a história para os dias de hoje, levantando assuntos como pedofilia e uso de medicamentos, além de escalar para o elenco rostos jovens dá vida nova à franquia, que, segundo rumores, já tem engatilhada mais duas sequências e a participação do vilão na parte 2 do péssimo Freddy Vs. Jason. Haja falta de imaginação...

UM OLHAR DO PARAÍSO

2010-02-23T21:09:00.005-03:00

Antes da triologia O Senhor Dos Anéis, Peter Jackson era praticamente um desconhecido no circuito hollywoodiano. Quase 10 anos após o lançamento de A Sociedade Do Anel, o diretor neozelandês, também roteiritsa e produtor, é hoje um dos nomes mais cotados do cinema contemporâneo. É dele também a direção da refilmagem titaniquesca de King Kong (2005) e do recente Um Olhar Do Paraíso (The Lovely Bones, 2009), baseado na elogiadíssima obra literária de mesmo título, lançada em 2002 por Alice Sebold.
Além da competência na direção, Jackson tem feito fama por suas boas escolhas e pelas boas equipes que compõe a cada produção, garantindo sucesso e qualidade às obras - pode-se dizer que em Um Olhar Do Paraíso isso não é diferente: embora o filme não obtenha um mérito grandioso de excelência, a soma de trabalho no roteiro, na produção e no desempenho do elenco garantem um resultado bastante satisfatório e proporcionam alguns momentos de beleza e leve envolvimento ao contar a história de Susie Salmon (Saoirse Ronan, em ótima atuação), uma menina de 14 anos brutalmente assassinada, cujo espírito fica preso em um lugar entre o céu e a Terra, ansiando por justiça e pelo fechamento de eventos que não conseguiu cumprir em vida.
A trama belisca em assuntos que envolvem a condição do espírito e a questão da vida e da morte, sem defender nenhuma frente ou provocar polêmicas - na verdade, o fator é muito mais espiritual do que religioso, representado belamente (e às vezes até de forma meio confusa) por imagens e metáforas que se apresentam para Susie durante seu período neste "meio do caminho". Abre-se espaço para o suspense e a ação no arco que envolve o assassino de Susie, o vizinho e psicopata George Harvey (Stanley Tucci, amedrontador e quase irreconhecível). Há ainda um alívio cômico garantido por Susan Sarandon, muito bem situada no papel de avó e, por fim, há toda a comoção familiar, de onde saem bons momentos dramáticos protagonizados pelos pais da menina, interpretados por Rachel Weisz e Mark Wahlberg (milagrosamente despido da canastrice habitual).
Com uma certa arrastação e alguns contratempos de história desnecessários que nos remetem a Ghost e outras clicherias de filmes com espíritos, inclusive os de terror, a fita tem um desfecho coerente e consegue emocionar contidamente a platéia, o que já é um mérito, quando se tem uma história que, em mãos erradas, poderia virar um dramalhão sem precedentes e pôr tudo a perder. Trata-se de um trabalho realizado com capricho, com arestas aparadas e com o bom gosto pelo qual Peter Jackson se orgulha de ser reconhecido.

PERCY JACKSON E O LADRÃO DE RAIOS

2010-02-20T12:52:00.002-02:00

É difícil assistir Percy Jackson E O Ladrão de Raios (Percy Jackson & the Olympians: The Lightning Thief, 2010) e não sair com a impressão de que o filme é um plágio descarado de tudo que já foi feito em Hollywood para o público infanto-juvenil.
Baseada no livro homônimo de Rick Riordan, a história gira em torno de Percy Jackson (Logan Lerman), um garoto que descobre ter poderes especiais por ser filho de Poseidon (Kevin McKidd) - o deus do Olimpo que rege os mares - e que, mesmo sem saber, foi acusado pelos deuses por ter roubado o raio de Zeus (Sean Bean), fato que promete desencadear em uma guerra cujo campo de batalha será a Terra. Acompanhado da bela guerreira Annabeth (Alexandra Daddario) - filha da deusa Atena (Melina Kanakaredes) - e de seu protetor, o sátiro (metade homem, metade bode) Grover (Brandon T. Jackson), Percy embarca em uma aventura através dos Estados Unidos que os leva desde um jardim de estátuas habitado pela perigosa Medusa (Uma Thurman, em uma ponta impagável) até as profundezas do inferno, comandadas por Hades (Steve Coogan) e sua voluptuosa esposa Perséfone (Rosario Dawson), para enfim confrontar o verdadeiro ladrão de raios e tentar restituir a paz entre os superiores do Olimpo. O elenco conta ainda com a participação do ex-007 Pierce Brosnan e Catherine Keener como mãe de Percy, em um look riponga vergonhoso.
O filme, embora com um certo esforço, até que é divertido - verdade seja dita: os efeitos especiais, a abundância de ação e certas cenas que fogem do universo infantil para um patamar mais adulto (como a ambientação do inferno, por exemplo) contribuem mais para o desenvolvimento da fita do que a trama por si só. As referências à mitologia grega surgem a todo instante, e isso se torna um pouco chato, pois há tentativas de encaixá-las em lugares incabíveis, tornando a história toda boba demais. A mão de Chris Columbus na direção torna evidente a comparação com a série de filmes Harry Potter, uma vez que o diretor foi o condutor dos dois primeiros longas do bruxinho - a essência da história e a narrativa se assemelham muito em certas partes, onde o universo de J. K. Rowling ainda leva a melhor na disputa. Não é preciso muito esforço para encontrar diversas referências também às Crônicas De Nárnia, O Senhor Dos Anéis e filmes antigos que referenciam a mitologia, como Fúria de Titãs (que, por sinal, ganhou refilmagem a ser lançada ainda este ano). O fato é que é difícil encontrar originalidade absoluta em um mercado saturado de ideias e com uma sede infindável por inovação, mas em Percy Jackson há abusos excessivos de releitura, parafraseamento, referências e homenagens. Pensei em ler o livro mais adiante, mas tenho receio de descobrir que no papel acontece a mesma coisa - e, para essa constatação, será preciso bem mais que as 2 horas de duração da versão cinematográfica.

O LOBISOMEM

2010-02-13T12:02:00.006-02:00

O Lobisomem (Wolfman, 2010) é, antes de mais nada, uma homenagem ao terror clássico. Refilmagem da fita de 1941, a nova versão revive, agora em forma de superprodução, o período denominado "A Era de Ouro da Universal", em que o estúdio emplacou grandes sucessos do gênero terror, em sua maioria envolvendo criaturas sinistras, como lobisomens, vampiros, monstros do pântano e até o próprio Frankenstein.
Com Benicio Del Toro na pele de Lawrence Talbot, um ator teatral que acaba por ser mordido por uma criatura noturna que ataca pessoas, o filme, que conta ainda com os nomes de Anthony Hopkins, Emily Blunt e Hugo Weaving no elenco, é pura referência aos filmes antigos de terror - desde o enquadramento até a fotografia, a trilha sonora e a forma com que as cenas mais fortes assustam de súbito. A melhor maneira de encará-lo é como uma obra retrô, com todo o clima trash, a construção da história lenta e crescente e até com um quê de inocência no terror empregado. Querer compará-lo com as obras de terror moderno, a maioria descartáveis, torna-se complicado, uma vez que o único fator em comum é a própria intenção de assustar. O Lobisomem leva-se a sério enquanto história, mas é descompromissado com a realidade e com os aparatos do cinema moderno, sem medo de mostrar criaturas com aparências toscas e de passar uma mensagem de que aquilo tudo de fato parece real.
A ambientação na Inglaterra do século XIX e a opção por um trabalho fotográfico escuro e enevoado dão um clima de antigo à fita, e provavelmente essa seja mesmo a ideia. O diretor Joe Johnston (de The Rocketeer, Jumanji e Jurassic Park III) captou com eficiência a essência da história e consegue um resultado satisfatório para este remake, proporcionando à platéia uma experiência de túnel do tempo, onde volta-se a apreciar o cinema clássico e instigante dos anos 40, porém, agora, com o toque de requinte das superproduções e da tecnologia disponíveis para nossos tempos.

O FANTÁSTICO SR. RAPOSO

2010-02-12T20:00:00.002-02:00

Ao contrário das animações para crianças com animaizinhos que estamos acostumados a assistir, produzidas por grandes estúdios como a Dreamworks e a Pixar, O Fantástico Sr. Raposo (Fantastic Mr. Fox, 2009), filme mais recente de Wes Anderson (diretor de Viagem A Darjeeling e Os Excêntricos Tenenbaums), mostra que, embora engraçadinhos e com comportamentos semelhantes aos nossos, na essência os animais são sempre selvagens e, nada mais representativo para isso do que a figura ladina e feroz da raposa.
Dublado por George Clooney, Sr. Raposo (ou Mr. Fox) é um colunista de jornal, no passado um ladrão de aves que teve de entrar nos eixos com o nascimento de seu filho Ash (voz de Jason Schwartzman) e o casamento com a devotada Sra. Raposa (voz de Meryl Streep). Sr. Raposo tem muitas motivações, das quais a principal é não morrer pobre em uma toca, o que o leva a comprar uma elegante casa na árvore, vizinha de 3 grandes fazendas produtoras de frango, ganso e cidra. Bem diz o ditado que "a raposa perde o pelo mas não perde o vício", e não leva muito até que o pai de família volte às raízes, bolando planos de invasão às fazendas para satisfazer sua sede pelo roubo, pela bebida e pela carne fresca. A revolta dos fazendeiros contra os golpes da raposa que desencadeia em uma perseguição massiva à família e, consequentemente, aos demais animais da região, é o fio condutor da história, baseada no livro do falecido escritor inglês Roald Dahl.
Produzido com a técnica de stop motion com bonecos, o filme é o primeiro trabalho do diretor neste feitio, que tende a conduzir filmes geralmente diferentes, onde O Fantástico Sr. Raposo não é exceção. A distribuição exclusiva de cópias legendadas nos cinemas é a principal evidência de que, embora com aspecto inocente, a fita não é para crianças. Em essência, são tratados, com muito bom humor, três elementos básicos: prole, instinto e sobrevivência - casualmente os elementos mais primitivos na existência de todos os seres vivos. Personagens pitorescos, diálogos estranhos e acrobacias divertidas complementam as peripécias das raposas, gambás, texugos, coelhos e outros animais. O recurso de animação, tecnicamente regular perante o deslumbre das grandes produções de animação atuais, está presente muito mais para ilustrar o conto e divertir do que para impressionar - Sr. Raposo é uma das raras exceções no mundo da animação onde a narrativa se sobrepõe ao visual e, embora o filme não seja mais que "bom", o resultado é interessante.

HEROES - SEASON 4 FINALE

2010-02-11T21:48:00.005-02:00

Na última segunda-feira (08/02), a rede de TV americana NBC levou ao ar o episódio final da 4ª temporada de Heroes, uma das séries mais polêmicas da atualidade. Polêmica não pelo conteúdo, mas pela discussão que tem provocado entre os fãs, grande parte decepcionados com a constante derrocada de qualidade do programa. Os evidentes problemas que a série tem enfrentado junto ao público já vêm desde a temporada anterior, com quedas na audiência, críticas negativas e o próprio interesse da emissora, que nesta fall season concedeu menos episódios à série (somente 19) e terminou por encerrar a temporada 3 meses antes do normal.
Esta última temporada teve pequenas melhorias em relação às 2 anteriores: podem se considerar positivos a redução de personagens novos com importância significativa, a redução das viagens no tempo e o fechamento de arcos desinteressantes sobre os quais os roteiristas ainda insistiam. Nesta temporada ainda houve espaço para a resolução de algumas turbulências de percurso, como a retirada definitiva do personagem Nathan Petrelli (Adrian Passdar), a cura do tumor cerebral de Hiro Nakamura (Masi Oka) e a resolução do seu romance platônico e desnecessário com a garçonete Charlie (Jayma Mays). A entrada providencial do personagem Samuel Sullivan (Robert Knepper) também ajudou a tornar a série um pouco mais interessante neste ano.
Por outro lado, a série continua com sérios problemas "pendurados", que são heranças das ruins 2ª e 3ª temporadas. Alguns personagens estão perdidos na história, sem função ou motivação, aparecendo pouco e desempenhando papel quase que nenhum na trama - dois bons exemplos disso são Tracy (Ali Larter) e Angela Petrelli (Cristine Rose). Sylar (Zachary Quinto) há muito tornou-se um elefante branco na série, sem haver um jeito de eliminá-lo, e a solução dos roteiristas terminou por ser infeliz, transformando o vilão invencível em mocinho no final desta 4ª temporada. Noah Bennet (Jack Coleman) é mais um em cima do muro, com motivações que mudam de lado a todo instante e não dão um rumo ao personagem. E estes são apenas alguns exemplos...
Com a promessa de um Admirável Mundo Novo (Brave New World), o título do episódio final da temporada e também do próximo volume da série (se sair a esperada renovação que ainda não foi concedida pela NBC), pode vir uma última chance da saga de heróis se redimir com o público e com a audiência, garantindo-lhe uma sobrevivência maior do que a expectativa atual. Pelo que se ouve e se lê por aí, são necessários diversos ajustes na série, como a instituição de um foco/motivação únicos para cada personagem, a eliminação de alguns excedentes de arcos e personagens que não se fazem mais necessários e o retorno da expectativa por um evento importante - de preferência uma grande catástrofe -, sem contar o aumento dos duelos e das cenas de ação cheias de efeitos, que têm deixado a desejar e seriam o mínimo a se esperar de uma série como Heroes.

GUERRA AO TERROR

2010-02-07T12:04:00.004-02:00

Da diretora Kathryn Bigelow, Guerra Ao Terror (The Hurt Locker, 2008) é um dos mais fortes candidatos ao Oscar 2010, batendo de frente com seu ex-marido, o também diretor James Cameron, e seu Avatar, ambos com 9 indicações às estatuetas.
Indicado, entre outras categorias, para melhor direção, melhor roteiro original e melhor filme, Guerra Ao Terror narra a rotina de combatentes norte-americanos na infindável Guerra do Iraque, em uma divisão anti-terrorismo especializada no desarmamento de bombas. O filme se sobressai aos filmes de guerra produzidos nos últimos anos, sobretudo ao fugir do heroísmo incondcional do exército estadunidense e da instituição de uma tirania inimiga - a sensibilidade da diretora ignorou as já cansativas manobras políticas de guerra e acrescentou humanidade à trama. Não há uma tentativa de reflexão sobre as causas o conflito. Há, sim, uma demonstração do horror e da destruição causados no país - na paisagem e na população -, da pressão sobre os soldados, da gravidade do seu ofício e do impacto que isso causa em suas mentes. Uma frase mais que conveniente abre a primeira cena da fita: "A guerra é uma droga" - vicia, alucina, mata...
No elenco, o indicado Jeremy Renner interpreta o soldado William James, um desarmador de bombas destemido, que quebra protocolos e se arrisca pessoalmente nas situações de perigo extremo. Junto a ele, atuam diretamente o sério Sargento JT Sanborn (Anthony Mackie) e o atormentado novato Owen Eldridge (Brian Geraghty). Com pontas de Guy Pearce, David Morse, Ralph Fiennes e Evangeline Lilly (a Kate de Lost), a história é exclusivamente focada nas missões da unidade e no perigo envolvido - a tensão que sai da tela prende o expectador à poltrona do início ao fim, com pouco espaço para respirar.
Até então pouco falado no circuito internacional, o filme chamou a atenção de sindicatos e críticos, colocando-o no centro das grandes premiações deste ano e elevando-o a um patamar de reconhecimento merecido. Trata-se de um filme muito bem feito, escrito e dirigido. Sem levantar bandeiras, sua mensagem é sutil e muito mais assustadora quando se lê nas entrelinhas das imagens, das cidades em ruínas, do povo oprimido, do chão sem verde e das atitudes de homens comuns que se tornam soldados da noite para o dia, entregam-se de corpo e alma e parecem não ter mais nada a perder.

SHOW CRANBERRIES

2010-02-04T22:00:00.003-02:00

Direto da Irlanda, o quarteto formado por Dolores O'Riordan (vocal), Noel Hogan (guitarra), Mike Hogan (baixo) e Fergal Lawler (bateria) foi novamente reunido e aportou em Porto Alegre neste 03 de fevereiro de 2010, matando uma espera de 17 anos por um show do Cranberries, uma das maiores bandas dos anos 90, na cidade.
É a primeira apresentação da banda por aqui - Dolores já estivera em 2007, fazendo show de seu primeiro álbum solo. Pode-se dizer que, para quem é fã da banda, foi uma noite memorável: a banda estava com todo o gás e o repertório contemplou todos os grandes hits do Cranberries, combinados com outras canções não tão famosas, mas queridas dos fãs, além de 3 canções dos 2 trabalhos solo de Dolores.
Os irlandeses, como eles mesmos afirmaram, se impressionaram mesmo foi com o calor - do ginásio e da platéia, o que levou a vocalista a jogar água no público durante diversos momentos do show, para delírio geral. Nem mesmo a infra-estrutura precária e preguiçosa do Pepsi On Stage (na minha opinião, o pior lugar para se fazer um show em Porto Alegre), sem telões laterais, sem ar condicionado e de acústica duvidosa, detiveram o público, que vibrou, aplaudiu e cantou junto em praticamente todas as canções da banda. Dolores deu um show de simpatia e irreverência em seu vestidinho prateado curto, tocando violão, guitarra, gesticulando muito, se misturando à platéia durante Ode To My Family e soltando sua voz angelical com toda a potência que tem.
No set list nenhuma grande novidade. A banda entrou com meia hora de atraso e abriu o show com How, do primeiro disco, seguido de Animal Instinct e Linger, seu maior hit até hoje. Dois momentos que merecem também destaque foram as execuções de Zombie, onde um côro uníssono tomou conta do ginásio, e de Salvation, onde a banda colocou todo mundo para pular junto com o refrão fácil e conhecido de todos. No bis, mais 4 canções para contentar os mais de 5 mil pidões, que terminou com Promises e Dreams. Entre outras faixas, desfilaram ainda no palco Ridiculous Thoughts, When You're Gone, Dreaming My Dreams e a calminha Pretty. No saldo: muito suor e contentamento. Não houve calor e dificuldade de acesso que pudessem ter estragado o espetáculo de 100 minutos - a concretização de uma expectativa de 17 anos, um momento feliz daqueles que vão ficar na saudade.

LOST - A TEMPORADA FINAL

2010-02-04T15:53:00.006-02:00

ATENÇÃO: Este post contém spoilers!
Concretiza-se finalmente a espera de meses e inicia-se aquela que promete ser a última temporada de uma das séries de TV mais assistidas e comentadas dos últimos anos. A fama de Lost já foi muito além da ilha misteriosa onde encontram-se os sobreviventes do vôo Oceanic 815 e a série é reconhecida até mesmo por quem não a assiste. As perguntas continuam aflorando nas rodas de conversa, junto de teorias, explicações mirabolantes e reclamações por tanta morosidade no andar da trama e falta de respostas. E, pasmem, até para quem esperava que as respostas começariam a ser dadas, o remédio será esperar mais um pouco...
Sim, no episódio duplo que abriu a temporada, L.A. X, respostas é o que menos se tem. Em compensação, o número de perguntas e fatos absurdos continua a crescer. Primeiro, ficou no ar a história paralela do vôo Oceanic 815 chegando intacto em Los Angeles, dando novo rumo aos destinos dos personagens - o que aquilo significa ainda é uma incógnita. Na ilha, de volta ao presente, foi difícil engolir aquele enorme templo dos seguidores de Jacob (Mark Pellegrino) no meio da floresta, encontrado somente agora, sem ninguém saber de sua existência até então. Mais difícil ainda foi digerir o novo vilão que surgiu, agora escondido no corpo de Locke (Terry O'Quinn), com direito, inclusive, a transformações em fumaça preta.
No elenco, poucas alterações. Foi interessante acompanhar os créditos iniciais e perceber que terão mais destaque na série os personagens Ilana (Zuleikha Robinson) e Richard Alpert (Nestor Carbonell), além do retorno do nome de Emilie de Ravin, a desaparecida Claire - pelo visto, mais surpresas estão por vir! Juliet (Elizabeth Mitchell) morreu de vez e dificilmente reaparecerá na série (viva, pelo menos). Enquanto isso, os demais personagens continuam transitando pela ilha, tão perdidos quanto os telespectadores.
A previsão é fechar a temporada em 18 episódios em meados do fim do mês de maio. possivelmente com um episódio duplo. Palmas para a produção, que soube a hora de parar e trabalhou na série para que a história se fechasse no tempo acordado. Vaias para o anúncio de que a série terminará sem respostas para "alguns" mistérios e para a frustração causada por um episódio de estréia morno, com pouca emoção e sem esclarecimentos. O caminho a ser tomado até o final parece o mais óbvio: o mesmo das novelas da Globo, que chovem no molhado por meses e deixam para resolver tudo no último dia. Mas, se vai ser isso mesmo, é só mais uma das muitas perguntas que não me parecem ter mais resposta.

»JUKEBOX: Em um dia para morrer de calor, nada como uma trilha sonora de ventilador no máximo. No som, Adriana Partimpim Dois, de 2009.«

CINEMA: INVICTUS

2010-02-03T08:00:00.004-02:00

Em mais um filme incrível de sua carreira como diretor, o veterano Clint Eastwood conta uma história que se passa nos já distantes anos 90, ambientada na África do Sul, justamente em 2010, um ano em que todos os olhos do planeta estarão voltados para lá em razão da Copa do Mundo de Futebol. Coincidência ou não, o diretor nos narra em Invictus (Invictus, 2009) um episódio real datado de 1995, envolvendo o então presidente Nelson Mandela (Morgan Freeman) e a seleção nacional de rugby, liderada pelo capitão François Pienaar (Matt Damon).
Mandela, já empossado presidente, vê na fraca seleção nacional de rugby uma oportunidade de reerguer o esporte no país e através dele alcançar uma atenção maior de compatriotas e voltar a unir o seu povo, dividido e abalado pelos malefícios do apartheid, recentemente abolido. Para isso, ele se vale de carisma, discursos convicentes e lições de vida pessoais para demonstrar aos envolvidos o que está em jogo e atingir seus objetivos. Estrategista, justo e eficiente, o Mandela de Invictus retrata com destaque o lado humanitário e heróico do homem simples que marcou seu nome na história do país e do mundo com seus feitos em prol da união e da igualdade dos povos e das raças.
O filme, embora arrastado em certas partes, tem também boas cenas de disputas. Com as partidas de rugby perfeitamente coreografadas e repletas de apreensão, Eastwood realiza com maestria a direção, separando os momentos de ação dos de emoção e lançando no ar um suspense ou outro repentino, rememorando o clima de pânico e de tensão com o terrorismo que havia no país na época. O Mandela de Freeman é convincente e algumas cenas reconstituídas a partir de cenas reais são interessantíssimas para dar mais realismo ao filme. Matt Damon está OK no papel de jogador, um papel simples, bem representado, mas nada que mereça maior destaque - o filme é mesmo para Morgan Freeman extravasar seu talento na pele do ex-presidente sul-africano e para Clint Eastwood mais uma vez nos trazer uma história interessante e bem contada.

»MAURICIOPÉDIA: Em latim, a palavra "invictus" significa "invencível".«

CINEMA: PRECIOSA

2010-02-02T15:00:00.003-02:00

17 anos, obesa, pobre, negra, semi-analfabeta, grávida de um segundo filho do próprio pai... Para Claireece Precious Jones (a estreante Gabourey Sidibe) a vida não parecia oferecer muitas alternativas senão o caminho do sofrimento e da desilusão. Maltratada pela mãe Mary (a atriz e apresentadora de TV Mo'Nique), humilhada pelos colegas e com uma bagagem de vida repleta de abusos, a jovem só possuia os sonhos e a imaginação como portos seguros para refugiar-se de suas próprias mazelas.
Em um primeiro momento o filme pode soar como um dramalhão dos mais rasgados ou ainda como um daqueles candidatos ao Supercine "baseados em fatos reais", mas não é nada disso. Preciosa (Precious: Based On The Novel Push By Sapphire) é uma história sobre superação, sobre redenção e sobre como fazer a diferença. O diretor novato Lee Daniels leva bem a história, de modo a abrandar a emoção nos momentos mais pesados, deixando a cena correr e engatando algo mais leve ou até mesmo cômico na sequência, evitando a comoção fácil e dando força aos personagens - em alguns momentos, seu trabalho lembra um pouco a linguagem de videoclipes, com cortes rápidos e com dezenas de informações fluindo ao mesmo tempo. O resultado é um belo trabalho, não se pode negar...
Além do bom roteiro e da boa direção, o elenco talvez seja o que há de melhor na fita. Mo'Nique justifica porque foi vencedora dos prêmios de melhor atriz coadjuvante no Globo De Ouro e no Screen Actors Guild (premiação do sindicato dos atores de Hollywood) na pele de uma mãe amarga, puramente malvada e vingativa - ela rouba todas as cenas em que aparece. Gabourey Sidibe faz um bom trabalho como Preciosa e mostra que tem potencial para muito mais. Completam o elenco principal a bela Paula Patton como Mrs. Rain - aquela que se pode chamar de "o anjo da guarda" de Preciosa -, um irreconhecível Lenny Kravitz no papel do enfermeiro John e, ainda, uma contida Mariah Carey, fazendo a vez de uma assistente social, surpreendentemente bem situada e convincente.
Entre os sonhos e a realidade, a história de Preciosa é contada com dignidade e sem pudores: a pobreza material e moral dos personagens não é poupada e vem à tela de forma estúpida e violenta. Os bonzinhos não são sempre bonzinhos, são reles heróis de carne e osso, com virtudes e com falhas. Os malvados têm suas fraquezas e também sofrem, com motivos e com razão. Mais que um exemplo de vivência, Preciosa é um filme honesto sobre seres humanos e do que eles são capazes, tanto para o bem quanto para o contrário.

CINEMA: É PROIBIDO FUMAR

2010-02-01T15:25:00.009-02:00

Em É Proibido Fumar (Brasil, 2009), Glória Pires vive Baby, uma professora de violão, mulher comum e fumante compulsiva. Baby leva uma vida meio vazia, afogada em meio a quinquilharias e móveis velhos do apartamento onde mora, herança de sua falecida mãe. Ela se apaixona fácil, e não foi diferente com o novo inquilino do apartamento ao lado, o misterioso Max (Paulo Miklos). Max é músico e professor - cheio de gírias e de um estilo meio bicho-grilo. Não leva muito até que ele e Baby se envolvam em um romance cheios de altos e baixos, com direito a reaparecimentos de ex-namoradas, desconfianças e ciúmes por parte de Baby e um incidente que virá a dar uma guinada diferente na história.
A diretora Anna Muylaert, a mesma do maluco Durval Discos e também escritora do excelente O Ano Em Que Meus Pais Saíram De Férias, dosa bem a história e ao mesmo tempo faz uma brincadeira e uma homenagem à classe média baixa, maioria dominante de grandes cidades brasileiras como São Paulo, onde o filme é ambientado. Basta uma mínima atenção para detectar sinais de breguice, de saudosismo e de simplicidade nos personagens e em seus habitats - as caracterizações e os diálogos estão ótimos: sem finésse, sem artificialidades e sem rodeios, típicos do brasileiro comum e alheios à tendência dos filmes com cara de novela, comumente produzidos no país. Ao contrário do que possa parecer, não há um discurso anti-tabagista, muito em evidência nos dias atuais - muito pelo contrário: o cigarro é um personagem com papel definitivo na história.
É Proibido Fumar é um filme direto e divertido, que não se leva muito a sério e está ali para mostrar o comum, para contar pequenas histórias, muitas delas velhas conhecidas do nosso cotidiano. O filme consegue tirar graça da rotina de forma inteligente e prova que em tudo pode haver relevância ou beleza, desde que haja uma boa história por trás para ser contada.

ONDE VIVEM OS MONSTROS

2010-01-30T16:00:00.004-02:00

Adaptado do livro infantil de mesmo título do escritor Maurice Sendak e dirigido por Spike Jonze, Onde Vivem Os Monstros (Where The Wild Things Are, 2009) à primeira vista parece um filme infantil, mas é algo que vai muito além - confuso para as crianças e, no mínimo, subjetivo para os adultos.
O garotinho Max (Max Records), nos meados de seus 9 ou 10 anos, é uma criança padrão dos dias de hoje: desobediente, demasiado arteiro e fora de controle, do tipo que sobe na mesa de jantar de sapatos e morde a própria mãe (Catherine Keener). Max é ainda imaginativo, incansável e solitário, vestido em sua fantasia de lobo. E é justamente em uma de suas aventuras imaginativas que o garoto encontra um barquinho atracado na água, entra nele e navega até uma ilha muito, muito distante, habitada somente por monstros. Os monstros, de aparências, tamanhos e tipos diferentes, a princípio mostram-se selvagens e têm por desejo devorá-lo, mas ele logo os convence de que é um ser importante e termina por ser coroado rei daquelas criaturas. Na ilha Max vai conviver com as aventuras, os medos e os dramas dos monstros, em sequências ora encantadoras, ora estranhíssimas e descabidas.
Onde realmente vivem os monstros fica evidente: a mente de Max é sua própria ilha, formada por florestas devastadas, colinas, desertos e praias ensolaradas. A pergunta mais relevante é sobre quem são os monstros afinal. Temos desde o instável Carol (o personagem da foto, voz de James Gandolfini) até a bondosa KW (voz de Lauren Ambrose), passando pela egoísta e manipuladora Judith (voz de Catherine O'Hara) e pelo complacente Alexander (voz de Paul Dano), além do pássaro Douglas (voz de Chris Cooper), o grandalhão Ira (voz de Forest Whitaker) e o sinistro touro sem nome (voz de Michael Berry Jr.). São monstros com vontades próprias, com personalidades fortes, com virtudes e muitas falhas - não fossem suas aparências e deformações, seriam moldes perfeitos de seres humanos. Os monstros representam o melhor e o pior em Max, em um momento unidos e aconchegantes, em outro brutos e ferozes. São ingênuos, são ignorantes, são possantes, são infelizes, são famintos, são carentes. Max tem na ilha a maior viagem de sua vida, uma descoberta dentro de si mesmo, na companhia de monstros que ele mesmo criou, que ele mesmo governou, dois quais ele precisou fugir e que tentaram friamente lhe devorar.
O diretor Spike Jonze é dado a títulos mais alternativos. Egresso dos videoclipes, dois filmes que ficaram famosos em suas mãos foram Quero Ser John Malkovich (Being John Malkovich, 1999) e Adaptação (Adaptation, 2002). Com o livro de Sendak em mãos, ele e Dave Eggers escreveram o roteiro e extravasaram todas as ideias que poderiam ter sido concebidas para o filme. Aliado à mescla de live-action com animação em CGI, o diretor criou um ambiente adequado para o filme, concebeu monstros incrivelmente reais e adicionou movimentação à história do garoto Max. A presença dos monstros torna o filme engraçadinho, mas de modo geral o resultado final é médio. Nas suas inconstâncias, os monstros são explosivos e deixam muito para a nossa interpretação. Cansativo, pesado e irritante em muitos pontos, o filme convida bastante a pensar, mas nem sempre vale o esforço.

DOLLHOUSE: A BRINCADEIRA CHEGA AO FINAL

2010-01-29T15:47:00.006-02:00

Vai ao ar hoje à noite Epitaph 2: Return, o episódio que dá um fim definitivo a Dollhouse e também à tentativa da Fox americana de emplacar uma faixa de Sci-Fi nas noites de sexta-feira. Assim como sua co-irmã Terminator: The Sarah Connor Chronicles, Dollhouse não emplacou no gosto do público, os índices de audiência (que já eram baixos) foram caindo gradativamente e não houve outra alternativa senão fechar as portas da casinha de bonecas. Tão pouca era a força da série, que não conseguia nem mesmo se destacar nas noites de sexta, onde não há praticamente nada importante no ar - talvez as pessoas preferrisem desligar suas TV's a assistir Dollhouse...
Com um total de 26 episódios, divididos igualmente em 2 temporadas, a série que teve como protagonista a atriz Eliza Dushku na pele da "boneca de aluguel" Echo, teve uma sobrevida prolongada mediante o que oferecia ao telespectador. A premissa consistia em uma espécie de agência secreta que, em um futuro próximo, alugava pessoas para quem estivesse disposto a pagar um alto preço por elas. As "bonecas", como eram chamadas, podiam ser homens ou mulheres, cujos cérebros eras programados para corresponder ao trabalho ou às expectativas que seus clientes solicitavam - a cada cliente, uma nova programação. A partir daí passou-se a descobrir que essas pessoas utilizadas como bonecas eram desaparecidas e que a agência, além de prestar um tipo de serviço no mínimo incomum, era também envolvida nos sequestros. Em geral, cada episódio consistia em um "trabalhinho" diferente de Echo para um novo cliente, mesclado com algum acontecimento relacionado ao segmento da história principal, como investigações policiais envolvendo a agência ou surtos de piripaques no cérebro da moça, fazendo-a relembrar de flashes da sua vida anterior ao sequestro.
Juro que tentei assistir a primeira temporada, mas não deu para ir adiante após 3 ou 4 episódios: a série era chata, desinteressante, mal feita, mal escrita e, os atores, quando não eram canastrões, eram inexpressivos (a começar pela protagonista) ou interpretavam personagens sem graça. Para piorar, cada episódio levava uma eternidade para terminar.
Em outras mãos, talvez a série tivesse rendido um pouco mais de caldo do que rendeu na Fox. Por não estar mais assistindo, talvez esta seja até uma notícia que me agrade, embora também saiba que alguns poucos fãs vão sentir saudades. Torçamos para que no ano que vem a emissora encontre algo melhor e duradouro para colocar no lugar.

DAMAGES, 3ª TEMPORADA: SEUS SEGREDOS ESTÃO A SALVO

2010-01-27T19:10:00.002-02:00

Um golpe imobiliário, uma colisão barulhenta de carros, um cadáver encontrado no lixo, uma bolsa Chanel de 3.000 dólares e uma viagem de 6 meses no tempo: eis alguns ingredientes da fórmula explosiva que inaugurou a 3ª temporada de Damages, uma das séries de TV mais envolventes e intrigantes da atualidade. Esqueça ilhas misteriosas, fenômenos inexplicáveis, corredores de hospitais e pessoas com habilidades especiais - a temida Patty Hewes (Glenn Close) prende a tensão do público discutindo processos penais e tomando providências muitas vezes fora do convencional.
Assim como o choque que abriu a 1ª temporada, com uma Ellen Parsons (Rose Byrne) toda ensanguentada se arrastando para fora de um elevador, ou ainda uma Ellen vingativa disparando contra uma figura não revelada no início do ano 2, o episódio de abertura da nova temporada apresenta fatos, deixa pistas e transtorna os viciados em mistério, formando um arco de suspense que só dará as respostas ao findar de 13 episódios, transcorridos em 13 longas semanas.
Com Ellen trabalhando no departamento de narcóticos, tudo parece seguir um rumo diferente na vida da advogada. Enquanto isso, Patty se engaja em uma causa contra um construtor que aplicou um golpe imobiliário e deixou dezenas de pessoas na miséria, travando uma nova batalha contra advogados e poderosos que, mais uma vez, pode terminar em resultados desastrosos para muitos dos envolvidos. Temos até aqui uma Patty mais contida - sempre escondendo suas jogadas e sem suas costumeiras explosões de ira -, mas com um desejo evidente de reaver sua antiga funcionária. A cena em que ela e Ellen se encontram já vale pelo episódio todo: nota-se uma química excelente entre as atrizes, formando um diálogo tenso e cheio de reticências. O que ainda está por vir não se sabe e como os meios de hoje justificarão os fins em 6 meses no futuro ainda é uma incógnita - e essa sucessão de surpresas e reviravoltas, além dos ótimos diálogos e das ótimas atuações, é justamente o que tem feito de Damages um sucesso de público, crítica e premiações.
No elenco fixo, além das personagens de Close e Byrne, mantém-se o dúbio Tom Shayes (Tate Donovan) e entram em cena novas peças para compor o quebra-cabeça, algumas vividas por atores já conhecidos do grande público, como Campbell Scott, Martin Short e Lily Tomlin. Se a série mantiver o alto padrão de qualidade das temporadas anteriores, a nova temporada tem tudo para pegar fogo, sobretudo depois de uma premissa tão rica em fatos e detalhes, como a que foi tramada. E isso é apenas o começo...

»MAURICIOPÉDIA: Your Secrets Are Safe (Seus Segredos Estão A Salvo) é o título do 1º episódio da nova temporada, que foi ao ar nos EUA nesta última segunda-feira (25/01).«

AMOR SEM ESCALAS

2010-01-24T20:55:00.004-02:00

Com uma tradução mal feita do título para o português, Amor Sem Escalas (Up In The Air, 2009) está sendo vendido como comédia romântica, porém, a fita dirigida por Jason Reitman, o mesmo de Juno e Obrigado Por Fumar, vai muito além de um romance nas alturas. George Clooney vive Ryan Bingham, um executivo cuja função é viajar os Estados Unidos para demitir funcionários de empresas. Para isso, ele passa 90% de seu tempo fora de casa, vagando de aeroporto em aeroporto, de hotel em hotel, de cidade em cidade - sua casa é o céu pelo qual voa diariamente e seus pertences cabem todos em uma única mala.
Ray, ou Sr. Bingham, como é mais conhecido, é um homem cínico e solitário. Em suas palestras discursa sobre o excesso de bagagem que carregamos, tanto material quanto emocional, sugerindo a libertação do peso e o abandono de tudo que atrapalhar. No decorrer do filme, Ray vai abrindo sua guarda para os espectadores e se revela um homem sofrido, com medos, frustrações e carências, afastado das pessoas e da própria família, cujo único escape é viajar incansavelmente, apagando seu paradeiro e suas referências.
Duas mulheres aparecem em sua vida para abalar seu mundinho fechado: a primeira é Alex (Vera Farmiga), uma executiva viajante e amante casual que termina por servir de centelha para reacender a chama humana de Ray. A segunda é Natalie (Anna Kendrick), uma colega de trabalho de Ray que será sua aprendiz no ofício das demissões e que colocará a sua (e a nossa) consciência em xeque com as atitudes. Durante os 109 minutos de filme, acompanhamos a ascenção e a queda pessoal de Ray, seu modo de lidar com os altos e baixos e a ideia de que sempre se pode tomar um avião para escapar do que chamamos de mundo real.
A história é bem simples, mas diverte e comove moderadamente. Sem grandes surpresas e reviravoltas, o diretor sabe contar a história e conduz bem os personagens, bem representados pelos seus intérpretes, justificando as diversas indicações recebidas para o Golden Globe e para o SAG, embora somente o roteiro tenha vencido na primeira premiação. A história mexe ainda com o assunto da última crise econômica mundial que, embora já mais calma, ainda assombra diversas empresas e funcionários. O assunto das demissões é bem explorado e talvez seja o mérito maior da história, levando a algumas reflexões e mostrando uma ponta de realidade através da ficção.

»JUKEBOX: Post escrito ao som de Glee: The Music, Vol. 1, primeira trilha sonora derivada do seriado revelação da fall season 2009/2010.«

SÉRIES: CONFUSÕES NAS TEMPORADAS

2010-01-17T20:14:00.005-02:00

Não é só pelas histórias que as séries nos confundem às vezes. Em diversas delas, principalmente as que têm continuidade e precisam de uma sequência lógica para seguir, perder um episódio ou assistí-lo fora de ordem pode significar uma confusão total na compreensão da história ou ainda estragar inúmeras surpresas até então não reveladas. O problema é que há casos em que este tipo de confusão é causado pelas próprias produções das séries ou pelas emissoras que as veiculam. A seguir, 3 exemplos clássicos e bem recentes.

NIP/TUCK: A simples virada de ano foi desculpa mais que razoável para a 6ª (e até então última temporada) ser finalizada em 10 episódios, sem aviso prévio. A série retornou agora em janeiro com o rótulo de 7ª temporada e com a história evoluída em alguns meses no tempo, sem uma recapitulação ou mera explicação dos fatos omitidos. Possivelmente um artifício para o lançamento de um box a mais em DVD e a garantia de um lucro maior em cima os últimos suspiros da série.

FRINGE: Estacionada desde o início de dezembro, a série retornou na última segunda-feira (11/01), com o 11° episódio da 2ª temporada. Ao término do episódio, uma dúvida geral: um personagem que havia morrido recentemente apareceu e interagiu com o restante do elenco como se nada houvesse ocorrido. Os mais afoitos começaram a levantar teorias sobre como ele estava de volta e logo veio uma explicação mais que plausível: a 1ª temporada foi comprada pela Fox com 21 episódios, dos quais somente 20 foram ao ar. Inexplicavelmente veicularam esse episódio, embora bacana, "perdido", fora de seu dia de exibição (o dia correto é quinta-feira) e fora de ordem, como se constasse na sequencia normal. O que se pensou ser o episódio 02X11 foi, na verdade, o 01X21. Na quinta a história voltou aos eixos, porém seguindo a sequencia incorreta, retornando com o 02X12. Vá entender!

LOST: Este provavelmente foi o campeão de equívocos! Em geral comento as séries em sincronia com o que passa nos EUA, mas por curiosidade assisti a uma gravação do episódio-resumo que a Rede Globo exibiu antes de iniciar a 5ª temporada de Lost, no dia 04/01. O que era para ser um resumo dos acontecimentos até o final da 4ª temporada, na verdade foi um especial exibido lá fora na metade da 5ª temporada. Para quem não havia assistido ainda, foi uma decepção - as surpresas e os pontos altos de acontecimentos até a metade da 5ª temporada foram entregues antes mesmo dos episódios irem ao ar. Mico total por falta de informação do seu Plim-Plim.

»JUKEBOX: A trilha de hoje foi o álbum homônimo e de estréia de Maria Gadú, lançado em 2009.«

SHOW MARIA GADÚ

2010-01-15T01:43:00.004-02:00

14 de Janeiro, Bar Opinião, Porto Alegre - RS. Às 23:36, com 36 minutos de atraso, ela entra no palco, sob aplausos e euforia de uma platéia cheia, formada em sua maioria por mulheres. Maria Gadú, na flor de seus 22 anos, é uma menina com ares de moleque, franzina, um pouco desengonçada, tímida e aparentemente frágil. Suas canções são simples e suaves, sua voz é delicada e levemente rouca. Sua banda, formada por baixo, guitarra, bateria, teclado e percussão trabalha com eficiência, de modo a compor uma unidade, como a cantora afirma humildemente durante um dos vários e simpáticos papos direcionados à platéia.
"Nosso primeiro show do ano, estou muito feliz por estar de volta à Porto Alegre" - apenas um entre os diversos elogios e agradecimentos que Gadú solta durante sua apresentação, com duração de exata hora e meia. A menina envergonhada é só simpatia com seus fãs e aparenta uma simplicidade em seu modo de ser, sem demonstrar afetações ou estrelismos. Com uma garrafinha de água quase intocada e um copo de bebida que aparenta whisky ou conhaque ao seu lado, a cantora solta a voz e mostra ainda mais força e timbre do que em seu disco de estréia (Maria Gadú, 2009), superando-se na execução das canções, que em estúdio já eram excelentes.
O repertório, formado em maioria pelas canções de seu único disco, abre espaço para Gadú introduzir alguns covers de seus artistas favoritos, como Alanis Morissette (Right Through You), Pink (Who Knew?), Adoniram Barbosa (em uma rasgada versão de Trem Das Onze), Paralamas Do Sucesso (Lanterna Dos Afogados) e Jay Vaquer (Cotidiano De Um Casal Feliz), para quem a cantora foi só elogios. Alternando elétrico e acústico, Gadú e sua banda realizam um desfile de MPB, blues, pop e rock, alternando bom gosto com momentos de descontração - entre eles a palhinha da música do Cross Fox, da web-singer Stephany Absoluta. Merecidamente ovacionada, ela se despede, prometendo voltar em breve.

»FOTOS: Mauricio Costa.«

SHERLOCK HOLMES

2010-01-13T16:00:00.002-02:00

Em seu projeto mais ambicioso até hoje, o diretor Guy Ritchie, também conhecido por ser o ex-marido de Madonna, foi o responsável por trazer mais uma vez à telona as aventuras do detetive mais famoso de Londres e do mundo, Sherlock Holmes (Sherlock Holmes, 2009). Na tentativa de criar uma nova e lucrativa franquia, a fita traz baixa censura, um elenco estrelar, elementos de comédia e ação e um gancho para garantir uma continuação. Só ficou faltando o principal - o suspense...
Com Robert Downey Jr. na pele do astuto detetive e Jude Law como seu fiel escudeiro Dr. Watson, a trama é centrada na captura de Lord Blackwood (Mark Strong), um assassino satânico que, após ter sido enforcado, retorna do mundo dos mortos aterrorizando com magia negra a Londres do final do século XIX e envolvendo a dupla de heróis em uma série de investigações e armadilhas mortais. Rachel McAdams completa o elenco principal, vivendo Irene Adler, uma ladra e ex-paixão de Holmes, que entra em cena muito mais para ser a bonita da vez do que para ter qualquer utilidade senão empatar o desenvolvimento das investigações.
A produção da fita e a recriação da Londres da época são impecáveis. O filme se perde mesmo é no conceito. Aqui Holmes é um bêbado, fanfarrão e atrapalhado que sai aos socos com qualquer um por qualquer coisa, lembrando muito mais o inspetor Clouseau (de A Pantera Cor-De-Rosa) do que o sério detetive dos livros de Sir Arthur Conan Doyle. Watson é como o Grilo-Falante de Holmes, sempre tentando, inutilmente, colocá-lo no lugar. Juntos, eles parecem mais Chris Tucker e Jackie Chan em A Hora Do Rush ou Owen Wilson e, novamente, Jackie Chan em Bater Ou Correr. O excesso de soquinhos, corre-corres e piadinhas engraçadinhas tirou todo o cérebro do filme, deixando pouco espaço para os enigmas instingantes, economizando até mesmo a tensão e os sustos, possivelmente em detrimento da baixa censura.
Sherlock Holmes torna-se, no fim das contas, um filmezinho mediano, calcado em ação e boas brigas. O formato concebido e a história de fácil entendimento tendem a torná-lo um sucesso, porém, diferente das pretensões, dificilmente será considerado um grande filme, mas um potencial candidato a futuro clássico da Sessão Da Tarde.

SEMPRE AO SEU LADO

2010-01-12T15:12:00.004-02:00

Engana-se quem afirmar que Sempre Ao Seu Lado (Hachiko: A Dog's Story, 2009) é mais um filme de cachorrinho e uma mera versão do sucesso Marley E Eu (Marley & Me, 2008). O competente diretor Lasse Hallström, que tem no currículo Regras Da Vida (The Cider House Rules, 1999) e Chocolate (Chocolat, 2000), soube traduzir com sutileza e sem apelações a história verídica que aconteceu no Japão no início do século passado, envolvendo um homem e seu cão Akita de estimação.
Richard Gere vive Parker Wilson, um professor de música que encontra o cãozinho ainda filhote na estação de trem de sua cidade e o leva para casa, sob os protestos de sua esposa Cate (Joan Allen). A personagem de Allen é um dos pontos altos de emoção no filme, sobretudo após a segunda metade. A filha do casal, Andy (Sarah Roemer) tem um papel carismático e meramente alegórico na trama, assim como outros personagens acessórios que só vieram a somar e contribuir para o acerto do filme. O próprio fato de se ter um cão como personagem principal e enxergar o mundo sob os olhos do animal já traria beleza, inocência e graça à fita.
Outras boas escolhas trouxeram diferenciais: há uma tradição em Hollywood de transformar histórias e remakes de filmes orientais em verdadeiras bombas, e aqui tem-se uma exceção, em um filme com ritmo leve, diálogos bem escritos, ambientação e cenários simples, uma discreta e bem encaixada trilha sonora. Ao contrário do que dizem, a fita tem muito mais potencial para comover do que para fazer chorar, embora consiga arrancar lágrimas de ânimos mais sucetíveis ao choro. Em síntese, é uma bela e rica história sobre família, amor e amizade.

»JUKEBOX: A trilha de hoje foi o álbum Álibi, gravado em 1978 por Maria Bethânia. Segundo os números, foi na história o primeiro disco de uma cantora brasileira a vender mais de um milhão de cópias.«

SPARTACUS: BLOOD AND SAND

2010-01-07T18:00:00.006-02:00

Nova série do canal Starz, Spartacus: Sand And Blood tem estréia marcada para o próximo dia 22 de janeiro na TV norte-americana. Vazaram na rede os primeiros 2 episódios e pude dar uma conferida de antemão no épico.
A série conta a saga de um soldado (interpretado pelo ainda desconhecido Andy Whitfield) cujo nome real por enquanto não foi revelado, um habitante da antiga região européia denominada Trácia, que, por uma desavença com o exército romano, provoca um motim entre seu povo e tem como consequência sua prisão e a venda de sua bela esposa Sura (Erin Cummings) como escrava. A partir daí, o soldado é jogado na arena de gladiadores como saco de pancadas para os lutadores e, adivinhem, termina por vencer um confronto, é aclamado com o título de "Spartacus" (o nome de um grande rei trácio) e recebe uma segunda chance de viver ao ser vendido para o proprietário de um Ludus, uma "academia" de treinamento de gladiadores, o ambicioso e endividado Batiatus (John Hannah, mais conhecido por sua participação na triologia A Múmia), esposo da ardilosa Lucretia (a Xena Lucy Lawless).
Em seus episódios de apresentação, Spartacus demonstra um exagero no estímulo visual e deixa a desejar nos demais quesitos. A série já começa contando contra si as inevitáveis semelhanças com a excelente, mas já extinta série Roma (2005-2007), com o clássico do cinema Spartacus (1960), cujo próprio nome foi emprestado, e com o aclamado e mais recente Gladiador (2000). O roteiro se concentra em um único ponto - a história do soldado Spartacus - e não parece inclinado a desenvolver outros personagens e outras tramas paralelas, de modo a render mais histórias interessantes e segurar melhor o interesse do telespectador. Pesa ainda no elenco, formado quase que por desconhecidos, algumas presenças que transcendem a canastrice.
Visualmente o produto é bem feito, ainda que exagerado. Mirando em um público mais jovem, a série tenta combinar o épico com linguagem de histórias em quadrinhos, técnicas de movimento mais que manjadas, uma trilha sonora moderna que muits vezes não combina com as cenas e um literal banho de sangue, sem deixar muito espaço para algo além da ação. Todas as tentativas de diferenciais empregadas acabam caindo em plágio de obras do cinema como Matrix (1999) e 300 (2006), só pra citar algumas. O que prejudica ainda mais as cenas é a repetição: as cenas de luta, por exemplo, são quase que executadas em câmera lenta, com direito a "paradinhas" de câmera na hora dos ferimentos, seguidas de uma explosão de sangue surreal na maioria dos casos, na intenção de homenagear o formato HQ. Excetuando-se as cenas de sexo que são bem picantes e dão abertura para um pouco de "emoção", Spartacus: Blood And Sand é exatamente o que o título promete - sangue e areia. Embora fraca, a série é um bom entretenimento, e disso não parece passar.

»JUKEBOX: Para animar a criação do post, Fernanda Abreu e seu Entidade Urbana, de 2000.«

A FESTA DO SANTO REIS

2010-01-06T14:51:00.005-02:00

Conta a história que Jesus Cristo nasceu em Belém no dia 25 de dezembro do ano que viemos a conhecer como ano zero. Conta também a história que no dia 6 de janeiro seguinte, o recém-nascido recebeu a visita de 3 Reis Magos vindos do oriente, que chegaram guiados por uma estrela no céu, trazendo-lhe de presente ouro, incenso e mirra. Este dia ficou conhecido como Dia de Reis, mais lembrado pelo povo ocidental como o dia em que desarmamos a árvore e as decorações de Natal.
Uma verdade precisa sobre os 3 Reis Magos não existe. O único volume da Bíblia que os menciona é o Evangelho Segundo São Mateus, sem sequer precisar o número de Reis que vieram visitar Jesus - presume-se que eram 3 pela quantidade de presentes que trouxeram.
Não se sabe nem mesmo se eles eram reis de fato: segundo pesquisas, é mais provável que tenham sido astrólogos ou astrônomos, uma vez que seguiram a estrela que os levou em direção ao Messias. Acredita-se também que fossem sacerdotes da religião zoroástrica da Pérsia, ou conselheiros. Seus nomes seriam Melchior, Gaspar e Baltazar. Eles ganharam a denominação de Santos Reis somente oitocentos anos após o nascimento de Cristo.
A eles é atribuida a tradição da troca de presentes no Natal, embora algumas culturas ainda o façam somente no próprio Dia de Reis. Na antigüidade, o ouro era um presente para reis, o olíbano (incenso) para sacerdotes, representando a espiritualidade, e a mirra, para profetas (a mirra era usada para embalsamar corpos e, simbolicamente, representava a imortalidade).
Os Reis Magos são considerados santos pela Igreja Católica e seus fiéis crêem em seu poder para a concessão de pedidos. Em diversos países são celebrados em cultos e festejos religiosos, como a Folia de Reis, festa de origem portuguesa que acontece principalmente no interior do Brasil no período entre 25 de dezembro e 6 de janeiro.
Embora nenhum fato seja provado, há diversas hipóteses que circulam em torno do nascimento de Cristo e da visita dos Reis Magos. Fiz esta pequena pesquisa na Internet e divido-a aqui com meus leitores. Posso dizer que foi no mínimo culturalmente enriquecedora. Agora que já sei um pouco mais sobre os Reis Magos, vou fazer meus pedidos e desmontar minha árvore de Natal.

Fontes: InfoEscola e Wikipédia.

»JUKEBOX: A trilha do post ficou a cargo de Paraiso Express, o mais recente trabalho do espanhol Alejandro Sanz, saído do forno no final de 2009.«

»MAURICIOPÉDIA: Em alusão à tradicional Festa de Santos Reis, A Festa do Santo Reis foi composta por Márcio Leonardo e é um dos maiores sucessos da carreira do inesquecível soulman Tim Maia.«

O CAMPEÃO DE PIRATARIA DE 2009

2010-01-05T19:58:00.005-02:00

De acordo com o blog TorrentFreak, que reporta na Internet o mercado negro conhecido como file-sharing, estima-se que a série de TV Heroes, da rede NBC, tenha sido a campeã de downloadas ilegais na rede do ano de 2009.
Na verdade essa estatística não foi realizada sobre as temporadas completas das séries avaliadas, mas sobre o episódio mais baixado de cada uma, o que poderia gerar um resultado diferente se a amostragem tivesse sido feita do outro modo.
Heroes, cuja audiência na TV está cada vez mais baixa, comprova que sua legião de fãs na rede continua fiel, colocando-a nesse status, no mínimo indesejável sob os olhos do mercado televisivo. Formado em sua maioria por adolescentes e adultos fãs de HQ's e ficção científica, o grupo de seguidores da série não compõe o único perfil responsável pelo crescente número de downloads ilegais registrados a cada ano: fãs de séries médicas (como House e Grey's Anatomy), femininas (Desperate Housewives) e policiais (24 Horas e Prison Break) coroam suas séries favoritas na mesma lista, fazendo-as competir acirradamente no ranking da pirataria.
De acordo com a lista, somente 2 das séries que entraram no TOP 10 são exibidas por TV a cabo (Dexter, da Showtime e True Blood, da HBO), enquanto que as demais são veiculadas na TV aberta, comprovando que a pirataria vai muito além dos espectadores que não querem pagar os canais por assinatura. Essa consideração do artigo leva em conta ainda os fãs fora dos EUA, um número também significante de pessoas que querem assistir suas séries favoritas com antecedência ou não possuem condições de arcar com o altíssimo preço das TVs a cabo e dos boxes das séries em DVD.
O artigo conclui com uma grande verdade: os hábitos dos telespectadores estão mudando e o grande desafio das redes não é mais conter a pirataria, e sim achar uma forma dela trabalhar a seu favor. Abaixo o TOP 10 completo (infelizmente não foram divulgados os títulos dos episódios mais baixados de cada série):

01. Heroes = 6.580.000
02. Lost = 6.310.000
03. Prison Break = 3.450.000
04. Dexter = 2.780.000
05. House = 2.590.000
06. 24 = 2.440.000
07. Desperate Housewives = 2.180.000
08. Terminator: The Sarah Connor Chronicles = 1.960.000
09. Grey's Anatomy = 1.740.000
10. True Blood = 1.600.000

Fonte: TV.com.

»JUKEBOX: A trilha do dia ficou por conta de The Circle, novo álbum do Bon Jovi, lançado no finzinho de 2009.«

DEBAIXO D'ÁGUA

2010-01-04T23:21:00.008-02:00

O Ano Novo mal começou. Para muita gente, o Ano Novo começou mal. Desde o dia 31 de dezembro, os noticiários não falam em outra coisa: enchentes, inundações, resgates, flagelados, mortos e feridos. A água está castigando nossa pátria querida. A água e as consequências de nosso próprio comportamento enquanto cidadãos.
Trágico e triste foi o que aconteceu durante o feriadão no Rio de Janeiro, sobretudo na cidade de Angra dos Reis. Também trágico e triste foi o que aconteceu de ontem para hoje no interior do Rio Grande do Sul. Aquecimento global, efeito estufa, força da natureza, descaso das autoridades, pura fatalidade... em quem pôr a culpa?
Não é novidade a instabilidade do clima mundial nos últimos anos, com verões cada vez mais longos e rigorosos, estações de grande escassez de chuva e outras de demasiado exceso. A natureza tem vontade própria. Abalada pela poluição, pelo desmatamento e pela má administração do lixo produzido no planeta, essa vontade se desequilibra e potencializa fenômenos que quase sempre terminam em calamidades, onde quem paga é a própria humanidade.
Ondas, desmoronamentos, ciclones, terremotos e outras fatalidades são impossíveis de deter e muitas vezes impossíveis de prever. Políticas ruins de consumo, incentivos ao desperdício, mal aproveitamento de recursos, descasos com o meio ambiente - esses são fatos evidentes, não necessitam previsões e são totalmente reversíveis, onde todos podemos fazer nossa parte, por menor que seja.
Não há como duelar contra a força da ntureza, mas com cuidado podemos conter parte de sua fúria, pois, no fim das contas é contra nós mesmos que ela poderá se voltar. Entre tantas promessas furadas de Ano Novo, pense um pouco em cuidar do planeta, começando por sua casa. Jogue o lixo no lixo, feche bem a torneira, desligue o seu PC, apague a luz ao sair e agradeça por estar são e salvo das catástrofes que estão abalando o mundo lá fora.
Tenha um feliz 2010!

»MAURICIOPÉDIA: Debaixo D'Água foi composta por Arnaldo Antunes e faz parte de seu álbum de 2001, Paradeiro. Foi gravada também por Maria Bethânia em Mar De Sophia, de 2006.«

FELIZ NATAL

2009-12-22T00:13:00.003-02:00

Queridos leitores e visitantes:

Desejo a todos um Feliz Natal! Que Papai Noel lhes traga muitos presentes e muitas alegrias. Que possamos vivenciar o espírito natalino além do consumismo, além da festa e além das decorações - e não me refiro somente ao sentido religioso, que bate mais forte em quem é cristão, mas também por estarmos em uma época de olhar mais para o lado, de ajudar ou dar uma atenção a quem esteja precisando, segurar uma mão, lançar um olhar carinhoso ou um sorriso, perdoar.
É época para se fazer o balanço do ano, refletir o que se fez, o que não se fez, o que se quer ou não fazer para o ano seguinte. É uma época de esquecimento ou planejamento. É também uma época de gratidão, de satisfação ou arrependimento pelos últimos 365 dias vividos. Então, é Natal (em uma menção à sempre confirmada música cantada pela cantora Simone).
Em uma semana praticamente sem estréias no cinema, com as séries nossas de cada dia em hiato até janeiro ou além e em meio a festividades, correrias de última hora e alguns assuntos importantes que tenho para resolver, o blog deve ficar parado por uns dias, mas assim que surgir assunto, cá estarei eu escrevendo, e muito satisfeito se tiver o privilégio de continuar a ser lido! Continuem ligados que eu ainda volto em 2009, nem que seja para fazer um balanço do que bombou por aqui nesta nova fase do blog...

Mauricio (Natal/2009).

AVATAR

2009-12-20T10:41:00.013-02:00

Inovador, impressionante, interessante, envolvente. Estes são alguns dos predicados de Avatar (Avatar, 2009), estréia deste final de semana e uma das grandes estréias do ano - senão a maior.
O diretor James Cameron, o mesmo de Titanic, Aliens - O Resgate e dos dois primeiros filmes da franquia O Exterminador Do Futuro, trabalhou 15 anos em cima do projeto de Avatar e atravessou a barreira dos 400 milhões de dólares em gastos de produção, quebrando um recorde que já era seu desde Titanic. Mas não nos prendamos somente em números e reputação, pois a fita merece crédito: contém uma história envolvente (embora com um certo ar clichê), roteiro coerente, drama, crítica e ação dosados na medida certa, sem contar o fator tecnológico de cair o queixo - desde o som até os efeitos especiais, tudo é perfeito nos mínimos detalhes, o que justifica a longa demora de produção, devido à espera de uma tecnologia propícia para a realização do projeto exatamente como o perfeccionista diretor queria.
A trama de Avatar transita entre dois mundos: o real e o virtual. O ano é 2154. A Terra está totalmente devastada devido à falta de recursos naturais. A humanidade ultrapassou as barreiras do universo e passa a colonizar e habitar novos planetas. A história se passa no planeta Pandora, onde um grupo formado por corporações, militares e cientistas explora um minério localizado no subsolo. Pandora é habitado por uma raça humanóide selvagem denominada Na'vi - uma espécie gigante azul com ares felinos, o maior empecilho para a exploração do tal minério. Para realizar a aproximação com o povo, cientistas criaram avatares da raça, espécies de clones concebidos através de criogenia e controlados mentalmente por seres humanos a eles conectados por um tipo de aparelho telepático. É aí que entra na história o soldado Jake Sully (Sam Worthington) - fuzileiro da reserva que perdeu os movimentos nas pernas e vê sua vida voltar ao normal através de seu avatar. Junto à nativa Neytiri (Zoe Saldana), Jake encontra um mundo fascinante de criaturas, aventuras e paisagens nunca antes imaginadas. E, como é de se esperar, ele não quer mais abandonar esse universo, voltando-se contra o grupo explorador em prol do povo Na'vi, desencadeando uma guerra sem precedentes. O elenco ainda conta com as participações de Sigourney Weaver, Michelle Rodriguez e Giovanni Ribisi.
Com o cenário estabelecido, a produção esbanja criatividade na composição dos seres que habitam Pandora, das florestas e das máquinas de guerra. O fator humano é o que menos conta em Avatar - o que realmente conta aqui é a aventura e o desfile de aparatos tecnológicos dos quais Cameron e sua equipe usam e abusam. Cameron revive ainda alguns momentos de Titanic: observe as cenas do envolvimento entre Jake e Neytiri, remetendo a Jack e Rose, observe a queda da grande casa da árvore, lembrando o momento em que o navio se parte ao meio, observe os momentos de mobilização do povo Na'vi para a guerra. Não é só o gordo orçamento que se repete aqui - há um padrão de roteiro, há um padrão de composição, tudo em suas devidas proporções. O diretor ainda aproveita o espaço para criticar o descaso da humanidade com o meio ambiente e vai além: observe a metáfora que envolve os militares, a exploração de riquezas e a destruição que a guerra causa a Pandora e pense nas semelhanças como nossos governantes e nas manobras políticas atuais.
Como filme, o entretenimento é total e o realismo que as salas de cinema 3-D oferecem proporcionam uma sensação maior ainda de identificação e envolvimento. O som é assustador, é realista, as imagens e as cores (em quase sua totalidade geradas em computador ou escaneadas digitalmente) são de uma vivacidade magnífica, que, somadas aos efeitos especiais, coroam Avatar com o status de filme mais impressionante até hoje já feito e que, com toda a certeza, servirá de referência técnica para muitos outros que virão na carona.

COISAS DO MUNDO, MINHA NÊGA

2009-12-18T18:00:00.003-02:00

O ônibus escolar estacionado na frente da escola, ao lado da pista de corrida na qual eu transitava. De passageiros, somente crianças de no máximo segunda ou terceira série. Em duas janelas consecutivas, dois meninos com a cabeça para fora. Um deles, do qual desconheço o nome, da janela mais à frente, dirige-se a uma coleguinha que estava fora do ônibus:
- Gabriela, o Henrique disse que transou com a Daphne.

Henrique, o menino na janela imediatamente atrás, retruca:
- É mentira! Cala a boca!

E o outro lhe devolve:
- Cala a boca já morreu - quem manda em minha boca sou eu!

"Transar"? "Cala a boca"? "Quem manda em minha boca sou eu"? Considerando as idades, essa é meramente mais uma deplorável amostragem da criação e da educação que essa molecada de hoje está recebendo...

Pais, educadores, adultos, onde estão vocês? Chinelo, sabão, vidro de pimenta, onde estão vocês? E não me tragam didática ou psicologia!

Coisas do mundo, minha nêga... Sinais de novos tempos ou sinais do fim dos tempos?

»MAURICIOPÉDIA: Coisas Do Mundo, Minha Nêga é uma canção composta e gravada pelo mestre do samba Paulinho Da Viola. Embora nada tenha a ver com o assunto abordado no post, o título é mais que cabível.«

A PRINCESA E O SAPO

2009-12-17T22:00:00.003-02:00

Após lançar Nem Que A Vaca Tussa (Home On The Range) em 2004, a Walt Disney Company decidiu que a partir de então só trabalharia com animações computadorizadas (produções próprias ou com a, na época mera parceira, Pixar) e abandonaria de vez a produção de desenhos animados para o cinema. Eis que por uma feliz revisão de conceitos, a poderosa empresa do Mickey Mouse resolveu voltar atrás e lançar A Princesa E O Sapo (The Princess And The Frog, 2009) - mais uma obra de animação nos moldes tradicionais de produção 2-D, incluindo os traços visuais característicos e os sempre presentes números musicais.
A história, a exemplo dos clássicos Disney, é totalmente inocente e direcionada exclusivamente ao público infantil. Nela, Tiana (voz de Anika Noni Rose) é uma moça de origem humilde, batalhadora e que sonha desde criança em ter seu próprio restaurante. Um dia, em um baile a fantasia na casa de sua amiga rica Charlotte (voz de Jennifer Cody), Tiana conhece um princípe chamado Naveen (voz do brasileiro Bruno Campos) e, por conta de uma trama maligna, Naveen é amaldiçoado por um feitiço vudu e transforma-se em sapo. Tiana, na tentativa de trazer o príncipe a sua forma normal, beija o sapo e... em vez de o sapo voltar a ser príncipe, a moça é que se transforma em sapo também. A partir daí tem-se uma série de aventuras pelo pântano, novas descobertas, o surgimento de novos amigos e um inevitável romance para garantir o final feliz.
A opção pelo formato de animação tradicional é um acerto para a produção, pois tem um belo toque de nostalgia dos clássicos e ainda remonta o universo hoje conhecido por Princesas Disney, incluindo a primeira princesa negra do grupo (sem considerar como negra a princesa Jasmim, dos desenhos do Alladin, que, na verdade, é de origem árabe). A escolha oportuna de New Orleans como palco do conto foi outro acerto, proporcionando belas paisagens para a história, que vão desde a elegantes casas e prédios da cidade até os sombrios pântanos e seus feiticeiros, passando pela alegria rítmica do jazz e dos personagens que enchem os cenários, em uma mistura de etnias e classes sociais nunca antes tratada em um longa metragem animado.
A Princesa E O Sapo é um belo desenho, divertido e cativante nas medidas certas. Na minha opinião, o único problema ficou por conta da dublagem, que prejudicou as canções, deixando-as, em sua maioria, sem graça. Fora esse detalhe, o desenho é um bom pretexto para levar as crianças ao cinema e voltar a ser criança junto com elas.

»JUKEBOX: Nossos Momentos, registro ao vivo do show de 1982 de Maria Bethânia«

LUA NOVA

2009-12-10T12:00:00.002-02:00

A onda dos vampiros definitivamente voltou com tudo! Segundo volume da quadrilogia da escritora Stephenie Meyer, Lua Nova (New Moon, 2009) é a primeira das 3 continuações cinematográficas do estrondoso sucesso de 2008 Crepúsculo (Twilight). A agora entitulada "saga" narra o romance entre a mortal Bella (a insossa Kristen Stewart) e o vampiro Edward (Robert "queridinho-do-momento" Pattinson). Tanto a obra literária quanto a cinematográfica são meras atualizações de tudo o que já se disse até hoje sobre vampiros - a grande jogada da escritora foi encaixar a história no contexto adolescente, fisgando uma grande parcela de consumidores infanto-juvenis e, na carona, um grande número de adultos curiosos e fãs do gênero.
Lua Nova é tal e qual seu antecessor - a continuação segue a história no mesmo ponto em que parou, dando continuidade aos fatos já conhecidos e preparando o terreno para os dois volumes que ainda estão por vir. Neste segundo filme, o vampiro Edward sai de cena durante boa parte do tempo para o desenvolvimento do personagem Jake (Taylor Lautner) - e não é novidade para ninguém que Jake se transforma em lobisomem e é também o principal rival do vampiro na disputa pelo amor de Bella.
A trama é morna, desenvolve-se lentamente e se arrasta para além da metade do filme até que algo comece a acontecer. Em tempos do excelente True Blood, aqui o romance humana-vampiro não convence muito, principalmente tendo uma protagonista apática e seu par vampiresco um genérico de galã da Malhação em versão andrógena. Não vou dizer que a fita é ruim; para mim foi uma boa distração cinematográfica, mas nada que justifique o barulho todo que se faz em torno da franquia.
Tecnicamente a produção evoluiu. Embora a maquiagem continue tão ruim quanto em Crepúsculo (aquela plasta branca no rosto deles parece Minâncora), a equipe desta vez investiu mais e caprichou na montagem, na fotografia e nos efeitos especiais, principalmente nas cenas em que aparecem os lobisomens e em que as duas espécies de criaturas lutam entre si. Qualquer semelhança com Anjos Da Noite (Underworld) é pura coincidência, ok?
Ah, uma novidade bacana foi a entrada da personagem Jane, vivida por Dakota Fanning, agora uma mocinha de 15 anos. Vale para revê-la.

»JUKEBOX: Para matar saudades, a trilha do dia ficou por conta de Tim Maia Ao Vivo, registro histórico de 1992.«

O TECO-TECO DAS DESESPERADAS

2009-12-09T18:27:00.008-02:00

ATENÇÃO: Este post contém spoilers!
Anunciavam os spoilers desde o início desta 6ª temporada de Desperate Housewives: um avião iria cair em Wisteria Lane! Os rumores eram de que este seria o final da temporada e o gancho para a próxima, mas minhas suspeitas se confirmaram. A queda do avião foi a tragédia da metade da temporada, seguindo a previsível tradição de anos anteriores, como aconteceu no ano do furacão, no ano do sequestro do supermercado e no ano passado, com o incêndio da boate. O episódio foi ao ar nos Estados Unidos neste último domingo e se chamou Boom Crunch.
Sem se apegar aos acontecimentos paralelos, vamos direto ao avião... O acidente foi decepcionante do início ao fim. A introdução do início do episódio entregou quase toda a cena da queda e como ela ocorreu. O tal avião não passava de um teco-teco, uma aviãozinho de nada e, o pior de tudo é que, quando caiu, nada mais fez além de se arrastar com força pelo meio da rua, destruir a decoração do festival de Natal da vizinhança e supostamente ter matado um ou dois personagens, dos quais possivelmente nenhum muito importante. Nenhuma explosão. Nenhum fogo. Nenhuma destruição significativa. Puro alarde. Perto do furacão, as consequencias deste espisódio poderiam ser comparadas a uma mera brisa.
O episódio foi válido pelos demais acontecimentos, alguns importantes no desenrolar desta temporada. Fora isso, o avião só serviu para deixar uma dúvida sobre quem morreu ou não. Se as previsões dos comentários que li no site TV.com se confirmarem, as desesperadas estão entrando em um pequeno recesso de final de ano e só voltarão a dar as caras na telinha em meados de 2010, com as respostas para o acidente e para todas as outras perguntas da temporada. Aguardemos...

(500) DIAS COM ELA

2009-12-09T14:00:00.002-02:00

Uma coisa boa no cinema, assim como na vida, são as surpresas: quanto menos se espera algo bom de alguma coisa, maiores são as chances de uma surpresa positiva. (500) Dias Com Ela ((500) Days Of Summer, 2009) definitivamente se encaixa nesta categoria.
Me explico: fui ao cinema com expectativa mínima, esperando ver um filmezinho meloso sobre um cara e uma garota que se conhecem, ficam juntos por 500 dias e ele resolve relembrar todos os momentos pelos quais passaram - de uma forma resumida, esta é realmente a sinopse. Enfim, motivado pelo convite de colegas do trabalho e pelo generoso preço do ingresso a R$ 4,00 em pleno sábado (leia o rodapé do post), fui conferir e posso dizer que saí bem satisfeito.
A história se revelou divertida, irônica e engraçada, sem baixar o nível ou cair no besteirol - um humor quase adolescente e inteligente. Joseph Gordon-Levitt, egresso das séries de TV dos anos 90 é Tom Hansen, um escritor de cartões (como esses de Natal ou aniversário) que acredita no amor e é afixionado pela idéia de que existe uma única pessoa perfeita para ele - e então ele conhece a irreverente Summer Finn (Zooey Deschanel, carismática, bonita na medida e perfeita no papel, com expressões e trejeitos que dão brilho extra à personagem), totalmente seu oposto, que vira seu mundo e suas emoções de pernas pro ar.
O formato flashback funciona bem e não atrapalha o andamento da história, distingue nitidamente as emoções através dos dias bons (com sol) e dos ruins (com nuvens). A narração é imparcial e divide o espectador, uma hora fazendo-o execrar a indiferença e o descaso de Summer, outra hora fazendo-o se irritar com a persistência e as tolas ilusões do confuso Tom.
O diretor de clipes Marc Webb, quem tem Green Day e 3 Doors Down em seu currículo, aproveitou bem a simples premissa e transformou-a em um filme dinâmico e bem divertido. Trata-se de uma comédia romântica com muito mais ênfase na comédia, regada a pitadas de sofrimentos e descobertas pessoais. Eu recomendo!

»JUKEBOX: A trilha sonora do post foi Hard Candy, da Madonna, lançado no ano passado - um dos álbuns mais fraquinhos da carreira da loira.«

»MAURICIOPÉDIA: No Cinemark Bourbon Ipiranga (Porto Alegre) e no Cinemark Canoas (Canoas) rola uma promoção de ingressos a R$ 4,00 - toda semana um filme é escolhido para dar o desconto e, da sexta até a quinta da semana seguinte há uma sessão do filme às 15h00 (sempre e somente esta sessão), custando a bagatela já mencionada. Quem tem carteirinha de estudante paga R$ 2,00.«

ABRAÇOS PARTIDOS

2009-12-08T15:27:00.004-02:00

Em seu mais recente filme, Pedro Almodóvar dá alguns tropeços e produz uma obra inferior a tudo que havia feito nos últimos anos. Seria covardia aproximar Abraços Partidos (Los Abrazos Rotos, 2009) de qualquer outra história contada pelo diretor espanhol nesta década.
A trama central: Lena (Penélope Cruz, em mais uma boa parceria com o diretor), mulher de origem humilde, mantém um caso com seu patrão, um velho rico e influente. Torna-se atriz, consegue o papel principal em um filme e envolve-se emocionalmente com o diretor (Lluís Homar). A partir daí, uma sucessão de perseguições, humilhações e tragédias atingem a todos os personagens, no pior estilo novela mexicana. O drama e a amargura fagulham pela tela de forma que não seria surpresa alguma se o vilão amarrasse a mocinha nos trilhos do trem no final - o que, felizmente, não se fez necessário. Os momentos dramáticos não empolgam o suficiente e a fita soa como uma piada fraca em que a pouca graça aparece oculta nos detalhes do percurso. Os atores estão afinadíssimos, a ambientação no tempo e no espaço é perfeita, mas não há como operar milagre em história ruim.
O resultado final desta química fica pendendo na fronteira entre o bom e o razoável. Abraços Partidos não passaria de uma história patética, não fosse a assinatura de Almodóvar na produção: as cores vivas, a sutileza para realçar pequenos detalhes, as boas histórias contadas em segundo plano, os coadjuvantes interessantes (preste atenção no personagem Judit, vivido grandiosamente por Blanca Portillo), o humor característico do diretor e a boa construção verbal do filme são as únicas garantias da sobrevivência do dramalhão no decorrer de seus 128 minutos.

»JUKEBOX: Este post foi simultaneamente escrito com a primeira audição do novo álbum de Daniela Mercury, entitulado Canibália.«

IN(DIG)NAÇÃO

2009-12-07T21:03:00.006-02:00

É indiscutível! O futebol é o esporte nacional, o ópio de uma grande parcela do povo, a única alegria de muita gente, a razão de viver de alguns, o ganha-pão de uns poucos privilegiados - no Brasil respira-se futebol e é difícil ficar indiferente a isso. Eu não gosto. Repito: eu não gosto, mas respeito, afinal, antes de qualquer outra coisa, futebol é esporte, é saúde, é educação, é profissão, é brincadeira, é competição, é dignidade. Ou era para ser?
O trechinho de Jornal Nacional que assisti no dia de hoje foi o suficiente para me motivar a escrever este tanto sobre o lamentável incidente, se é que assim pode-se chamar aquela barbárie, que ocorreu no Estádio Couto Pereira (Curitiba/PR) neste último domingo, após o empate de 1 a 1 do Coritiba, o time da casa, com o Fluminense, acarretando no rebaixamento do time paranaense para a segunda divisão do Campeonato Brasileiro.
Desde a senhora que voltava do trabalho em um ônibus que foi cercado por torcedores (ou melhor, terroristas) e que teve arrancados 3 dedos de sua mão na explosão de uma bomba, ao rapaz que levou um tiro na cabeça de um torcedor (leia-se bandido) dentro do próprio estádio, passando pelo árbitro da partida que foi agredido e o soldado da PM que foi atingido por um banco em pleno gramado, durante o cumprimento dever, o quebra-quebra mandou algumas dezenas de pessoas para o hospital, pouquíssimas para a cadeia e foi notícia no país inteiro, talvez até maior do que a conquista da vitória do campeonato pelo Flamengo.
O que pode pensar de um episódio desses? Como não se indignar, e... como não se envergonhar?
Eu não sou torcedor, acompanho futebol em terceiro ou quarto plano, nunca vou a jogos, mas temo pelo que acontece nos estádios. Das pequenas confusões às mobilizações de torcidas, a violência que se vê com frequencia não só é uma mancha no esporte, mas também um braço da criminalidade e da brutalidade que consomem nossas ruas. Bandidos, vândalos e assassinos na pele de torcedores encontram justificativas na devoção por um time para desencadear tragédias e ainda acham que está tudo bem. Conheço pessoas que adoram futebol mas nunca frequentam estádios por medo do que pode acontecer - um medo de suas próprias torcidas onde, para a casa cair, basta uma cerveja a mais, basta uma piada mal digerida, basta um empate do time. Ninguém está livre no Brasil. Como já disse no início, aqui respira-se futebol - mas já sufoca-se com tanta violência e ignorância.
Paz.
»MAURICIOPÉDIA: In(Dig)Nação, a canção cujo título emprestou-se para encabeçar este post, é de autoria de Samuel Rosa e Chico Amaral e foi sucesso no primeiro CD do Skank, lançado em 1993. O CD também foi a trilha sonora do dia.«

MARIA BETHÂNIA - AMOR, FESTA, DEVOÇÃO

2009-12-07T20:42:00.003-02:00

Para divulgar seus mais novos discos, Tua e Encanteria, Maria Bethânia viaja o país com sua turnê Amor, Festa, Devoção - no título, os ingredientes principais da dobradinha produzida em estúdio. No último dia 03 de dezembro foi a vez de conferirmos aqui em Porto Alegre a apresentação.
No repertório, aparecem em maioria as novas canções: o romantismo de Tua misturado com a celebração e a devoção religiosa que formam Encanteria. A cantora relembra canções de seus discos setentistas, como o sucesso Explode Coração (Luiz Gonzaga Jr.) e a pouco conhecida Bom Dia (Herivelto Martins / Aldo Cabral), além de resgatar Vida de Chico Buarque e a inexplicável É O Amor de Zezé Di Camargo, com direito a esquecimento da letra, seguido de uma mea culpa merecidamente aplaudida. O irmão Caetano Veloso, embora cada vez mais ausente como compositor nos últimos álbuns da cantora, aparece com a cortante Drama, as até então inéditas na voz de Bethânia Queixa e Dama Do Cassino; depois Não Identificado, para prestar homenagem ao patriarca e à matriarca da família Telles Veloso, respectivamente Seu Zeca e Dona Canô. Das novidades, merece destaque a bela Balada De Gisberta (Pedro Abrunhosa), um dos melhores momentos do show.
Bethânia se entrega por completo ao palco e às canções. Sente o amor e a saudade, eleva-se em oração nos momentos de evocar a fé e os santos, demonstra o sentimento, solta a poesia. A intérpetre, na flor de seus 63 anos, traz uma forte carga dramática em suas feições, evidencia o peso dos anos no rosto e na expressão - às vezes meio cansada, às vezes meio distraída -, aparenta uma certa amargura, uma certa indiferença. A dama leva a platéia ao delírio, comove e enche a casa com sua linda voz, com seu semblante de artista e sua bela seleção de canções.
Tecnicamente o show é impecável, desde a bela cenografia até a harmônica banda comandada pelo habilidoso maestro Jaime Além, desta vez composta pela pequena soma de 6 músicos. Derrapadas da diva à parte (mencionando a grosseria de esnobar os fãs e atender somente meia dúzia deles no camarim após a apresentação, mandando o resto embora), pode-se dizer que uniu-se mais uma vez a técnica com o bom gosto e a competência de Maria Bethânia e foi mostrado um excelente show do início ao fim, abençoado por uma salva de palmas dos gaúchos.

»JUKEBOX: Este post foi escrito enquanto passava na TV o show Live At Black Island Studios, da banda Oasis«

»MAURICIOPÉDIA: Post originalmente escrito em 05 de dezembro, revisado e formatado em 07 de dezembro.«

2012

2009-11-15T00:14:00.001-02:00

2012, o filme mais recente do diretor Roland Emmerich (responsável por "farofadas" como Godzilla, 10.000 A.C. e Independence Day), mostra toda a capacidade que Hollywood tem para destruir o mundo dentro de um estúdio. E também para destruir um blockbuster...
Um dos títulos mais esperados da fraca safra cinematográfica de 2009, 2012 baseou-se na história de que o calendário maia previa uma mudança geológica em nosso planeta de proporções apocalípticas e valeu-se da mesma clicheria encontrada em qualquer filme do gênero cinema-catástrofe, desde o heróico presidente americano até o ausente pai de família que busca conquistar o respeito dos filhos. E aqui vale tudo: o ônibus atingido por bolas de fogo e que segue andando, o cara com experiência de amador que pilota qualquer tipo de avião, as casualidades improváveis que acontecem a todo instante e, a pior de todas, os americanos salvado o mundo mais uma vez.
Quem vai ao cinema na expectativa de ver o mundo se desfazendo em pedacinhos (com direito ao desmoronamento do nosso Cristo Redentor, noticiado na fita por um golpe de merchandising descarado da Globo News), assiste majestosamente ao trágico espetáculo, com direito aos melhores efeitos visuais e sonoros imagináveis para nossa realidade - é realmente um show à parte. No entanto, paga com a arrastação de um filme com 2h e 36 minutos, que poderiam ter sido severamente reduzidos. Paga com historinhas pífias de testar a paciência sobre superação, heroísmo e senso de humanidade, em suas mais bregas essências.
Por mais irônico que seja, o único mérito de 2012 é exibir a própria destruição do planeta e de quase totalidade das espécies, incluindo a humana. Como filme, a história é lamentável, os atores (mesmo "feras" como John Cusack ou Danny Glover) não conseguem convencer na pele de personagens tão perfeitinhos e insuportáveis e, no fim de tudo, quando os tão sonhados créditos começam a subir, tudo o que fica é o arrependimento do espectador: sem uma lição, sem sequer um tema para refletir, sem nenhuma dúvida além de "gostei ou não gostei?" - eu não gostei e não recomendo, mas isso é só a minha resposta...

JOGOS MORTAIS VI

2009-11-12T20:20:00.002-02:00

Considerada a franquia cinematográfica de terror mais bem-sucedida de todos os tempos, Jogos Mortais chega em sua 6ª (e dispensável) edição. Como fã dos primeiros episódios, confesso que me fascinei com as engenhocas de tortura e com o desenrolar das investidas iniciais do serial killer Jigsaw (Tobin Bell). Já tem um bom tempo que a história se perdeu e se tornou uma maquininha caça-níqueis, sustentada por uma audiência ávida por derramamento de sangue à toa.
Por conta de uma boa reputação em sua fita de estréia e de uma rentável sequência, o olho grande dos produtores, assim como o ímpeto sangrento do serial killer, cresceu meteoricamente, transformando a série em uma triologia, que seguiu e já soma 6 filmes. Este que seria o derradeiro já não é mais: há uma promessa de Jogos Mortais VII para o ano que vem, possivelmente filmado em 3-D.
E, como bem se sabe, quanto mais se repete uma história que já não é lá grandes coisas, mais enfadonha ela se apresenta a cada iteração. Se tivesse sido dado um fim no terceiro filme, que já foi fraco, a saga terminaria bem e com méritos. Infelizmente, de lá para cá, a cada nova armadilha, a inteligência e a originalidade da franquia caem mais e mais. Sem propósito, cheio de reviravoltas e surpresas absurdas, Jogos Mortais tornou-se uma desculpa para expor bestialidade na tela. A cena inicial deste mais recente episódio é de uma violência tamanha que gera até mal estar na poltrona - e é o máximo que a fita consegue arrancar, pois, em seu restante resume-se a meras enrolações, tramas sem graça e personagens inexpressivos (sem contar a "canastrice" do elenco), lições de moral baratas e uma porção de flashbacks desinteressantes, a única forma encontrada pelos roteiristas para poder continuar mamando nessa vaca cada dia mais magrinha... Fora isso, sobram cenas de automutilação, feridas expostas, vísceras e sangue, muito sangue!

»JUKEBOX: Trilha sonora do dia: Encanteria, um dos gêmeos recém-lançados de Maria Bethânia.«

HOW BIZARRE - A 6ª TEMPORADA DE NIP/TUCK

2009-11-09T20:00:00.001-02:00

Foi dada a largada para a temporada derradeira de Nip/Tuck, a série de TV mais bizarra de todos os tempos, que inicia com algumas semanas de diferença em relação às suas companheiras de fall season. Com a dedicação do produtor Ryan Murphy e de boa parte da equipe de produção à série Glee, chegou a hora da dupla de cirurgiões Sean McNamara (Dylan Walsh) e Christian Troy (Julian McMahon) pendurarem suas chuteiras, ou melhor, seus bisturis.

A crise financeira mundial foi o ponto de partida para o início desta que será a temporada final, onde a clínica McNamara/Troy encontra-se em uma situação de quase falência, assim como a vida de seus proprietários. De um lado, Christian está livre de seu câncer de mama e se livrando do casamento equivocado com a Dra. Liz Cruz (Roma Maffia), que está movendo um processo de divórcio que promete assolar as economias do cirurgião. Do outro, Sean está deprimido sem seus filhos caçulas, sob a guarda da ex-mulher Julia (Joely Richardson), com sérios problemas de insônia e envolvido emocionalmente com uma nova mulher, a sinistra anestesista Teddy (Rose McGowan, mais conhecida por sua participação como uma das irmãs bruxas de Charmed). Completando o elenco principal, Matt (John Hensley) abandonou a faculdade para se tornar mímico e Kimber (Kelly Carlson) continua espreitando a família, na tentativa silenciosa de reatar o relacionamento com Christian.

Nip/Tuck sempre foi uma série instigante que soube dosar o drama médico com o humor negro e o chocante, mas que já se encontra na hora de terminar. Os personagens, de um modo geral, já fizeram tantas bobagens e mostraram evidências nulas de aprendizado, de forma que só acumulam fracassos e decepções ao longo de cada temporada. A história tornou-se um grande déjà vu, onde só se mudam as moscas, mas a sujeira continua a mesma... Torço para um final digno para a produção, que em seus episódios mais recentes já deixou pistas do clima de despedida que veremos com mais intensidade nas próximas semanas.

»MAURICIOPÉDIA: How Bizarre (quão bizarro) é o título do único sucesso da banda neozelandesa OMC, lançado internacionalmente em 1996.«

OS FANTASMAS DE SCROOGE

2009-11-08T18:00:00.009-02:00

A Christimas Carol, obra do escritor Charles Dickens, um dos contos natalinos mais conhecidos de todos os tempos, ganha sua versão em animação 3-D pelas mãos dos Estúdios Disney, sob a condução do diretor Robert Zemeckis e recebe o título brasileiro de Os Fantasmas De Scrooge.
Na história, Ebenezer Scrooge (Jim Carey) é um velho rico, avarento e solitário, desprovido de qualquer bondade e mantenedor de um ódio sem par pelo Natal. Suas principais vítimas são o empregado Bob Cratchit (Gary Oldman) e seu sobrinho Fred (Colin Firth), os quais o velho faz questão de humilhar e desprezar gratuitamente a todo instante. Eis que em uma véspera de Natal, o avarento recebe a visita de 3 fantasmas, que lhe mostram seus Natais do passado, do presente e do futuro, levando-o a refletir sobre suas atitudes, escolhas e as devidas consequencias.
O conto, de teor bobo e fácil compreensão, ganha aqui vida em uma animação computadorizada via captura de movimentos dos atores reais, aliada à tecnologia tridimensional. Zemeckis mostra um trabalho visual ainda mais surpreendente e competente do que em seus dois filmes anteriores de mesma natureza, O Expresso Polar e A Lenda De Beowulf. As expressões dos personagens e a captura dos movimentos aparecem mais perfeitas que nos trabalhos anteriores, e mais: Zemeckis não se deixou prender pela tradição inocente da Disney e produziu um filme, até certo ponto, inadequado para crianças, com direito a cenas tétricas, diálogos moralmente pesados e clima sombrio.
Jim Carey e suas tradicionais caretas se encaixam bem nos diversos papéis que o ator representa no filme, com destaque para o próprio Scrooge, de semblante assustador. A comédia, o terror e o melodrama convivem harmoniosamente, tornando a história interessante e gostosa de ser assistida, onde não se sente o peso dos 96 minutos de duração da fita.

TRANCADO

2009-11-06T15:06:00.004-02:00

Com o passar do tempo, comecei a me adaptar a ter um blog, a gostar de escrever nele e a dividir com amigos e desconhecidos alguns pequenos momentos vividos, além de divulgar minhas constantes críticas e opiniões sobre o que ando assistindo e ouvindo ultimamente. Tão bacana quanto isso é poder participar de uma rede e "linkar" meu blog com outros blogs, de modo a ter a rede sempre atualizada com as novidades mais recentes de cada um. Para isso serve a sessão Visite Também que disponibilizo aos meus visitantes na barra lateral do »MAU« na foto.
Este blog é também linkado por outros, e eis que de uns tempos para cá tenho me deparado com um problema que já havia detectado em outro blog de um amigo, o qual visito esporadicamente: as minhas atualizações não são mais computadas nos blogs que apontam para cá e fica sempre um mesmo post trancado como o mais recente. Por mais de um mês fiquei com "O ELO PERDIDO NO CINEMA" como o mais recente e, após fazer uns "mexes", trocando o nome do post, re-inserindo o post mais atual, consegui que o "ALÔ, ALÔ, TEREZINHA" aparecesse atualizado no dia em que o postei. O problema é que agora ele ficou trancado também, e este já é o segundo post que escrevo depois dele e que não aparece como mais recente. E isso vai jogando a divulgação do meu blog cada vez mais para o final da lista, abaixo dos outros que se atualizam sem problemas, além de despertar cada vez menos o interesse de novos visitantes - afinal, quem quer visitar um blog aparentemente desatualizado?
Já revirei a ajuda do blogger.com e não encontro um espaço sequer para contatar o suporte através de uma mensagem de texto. Já escrevi no fórum e a única resposta que obtive foi de uma pessoa com o mesmo problema que eu e que meu amigo já mencionado anteriormente. Aqui fica o meu protesto e, caso algum leitor saiba como me ajudar, por favor...
Um bom final de semana a todos!

»JUKEBOX: A trilha sonora de hoje ficou por conta de Afterglow, álbum de 2003 da canadense Sarah McLachlan.«

»MAURICIOPÉDIA: O título do post foi inspirado no nome da canção Trancado, composta por Ana Carolina e presente no álbum de estréia da cantora.«

V

2009-11-05T22:55:00.011-02:00

A primeira impressão é a que fica, dizem por aí... Para não deixar passar nada, encerrei minha sessão de séries de hoje para sentar frente ao computador e escrever sobre a estréia que acabei de assistir: V. O remake da série homônima dos anos 80 (1983-1984) debutou no dia de ontem na televisão americana, sem muitas novidades e tampouco originalidade.
Em meio a naves espaciais, teorias da conspiração, provas de fé e traições, a série narra a chegada de extraterrestres em nosso planeta. A princípio parecendo pacíficos, logo os Visitantes (daí o título "V") revelam-se agressivos e mostram suas verdadeiras intenções de dominar a Terra, trabalho que, a vir a se descobrir em seguida, já vinha sendo preparado secretamente há muito tempo por espiões disfarçados entre os humanos.
Os seres, com aparência idêntica à humana, assim como no original, escondem uma estrutura escamosa, como lagartos. São inteligentes, avançados tecnologicamente, bem armados e convincentes, pois iniciam a execução de seu plano pela conquista da confiança dos terráqueos, para em breve dar seu bote. A partir daí, deve se desencadear uma guerra entre humanos e extraterrestres, com direito a vitórias, baixas, traições e reviravoltas mil. O piloto apenas acendeu a chama da história, mostrando a chegada das naves, apresentando os personagens e dando as primeiras impressões do que está por vir.
No elenco, uma compilação de alguns "ex" de outras séries conhecidas nossas, como Elizabeth Mitchell (a Juliet de Lost), Joel Gretsch (o Tom Baldwin de The 4400) e Scott Wolf (já passado por Party Of Five e The Nine, entre outras).
Impressões? Eu gostei! Bastante ação, fácil compreensão da história, bons efeitos visuais - nada mais que entretenimento puro. Verdade que ainda tenho lembranças de parte da série original e posso dizer que essa diferença de 25 anos foi gratificante para renovar pelo menos visualmente a trama. Quanto ao roteiro e ao andamento da história, é preciso um tempo mais para analisar os rumos que serão tomados.
Trabalhar em um remake é algo complicado, pois é preciso oferecer um diferencial em relação ao original, e esta nova/velha série, apesar de ter levado ao ar um episódio piloto bem movimentado, não mostra sinais de que terá força para durar por muito tempo. A idéia é interessante e é válido reviver um bom momento televisivo de uma década tão querida como a de 80, mas se a insistência pelos moldes e pela linguagem da época persistir, os alienígenas dificilmente se manterão no ar por mais de uma temporada.

»JUKEBOX: A trilha sonora do post ficou por conta de Strange Little Girls, álbum de covers da cantora Tori Amos lançado em 2001.«

ALÔ, ALÔ, TEREZINHA

2009-11-03T20:00:00.008-02:00

O documentário Alô, Alô, Terezinha, estréia deste último final de semana, tem por premissa mostrar um pouco da vida daquele que é considerado um dos maiores comunicadores brasileiros de todos os tempos, Abelardo Barbosa, conhecido popularmente como Chacrinha.
Falecido em 1988, aos 72 anos, Chacrinha ficou marcado na memória nacional como apresentador de programas musicais e de calouros. Com um jeito pitoresco de se vestir, de se comunicar com as massas e de tratar seus convidados, o também chamado Velho Guerreiro deixou bordões inesquecíveis, popularizou marchinhas de carnaval, lançou calouros e fez a fama de muitos artistas, dos quais boa parte está até hoje na ativa.
Do filme roteirizado e dirigido pelo jornalista, produtor e diretor de televisão Nelson Hoineff esperava-se um apanhado que contasse a trajetória do homem, do artista e do comunicador, mas não é bem assim que o carro anda... Formado basicamente por depoimentos e entrevistas com artistas e pessoas próximas do Velho Guerreiro, Alô, Alô, Terezinha não mostra mais que uma pequena ponta da faceta do apresentador Chacrinha e passa a maior parte de seus 90 minutos brincando de "Por Onde Anda Você?" com cantores (muitos deles já esquecidos pela mídia), ex-calouros e as famosas ex-dançarinas de seus programas, as Chacretes, muitas delas em situações de vida difíceis.
Egresso da TV, o diretor teve em sua carreira programas veiculados em diversas emissoras, alguns de gosto duvidoso, nos quais a prioridade era chocar o espectador - torna-se fácil a dedução de porquê seu filme de estréia no cinema tomou o rumo que tomou...
Em termos de resgate da memória de Chacrinha, o documentário deixa muito a desejar. É interessante pela nostalgia, por algumas curiosidades mostradas e pela temática musical. Dispensável pelo teor de humor negro ao qual o diretor covardemente submete muitos de seus entrevistados: cenas constrangedoras como a filmagem de uma parede danificada na casa do cantor Wanderley Cardoso, a invasão e exposição de cultos religiosos, um duelo de leitura de versos entre ex-calouros gagos e uma ex-chacrete caidaça dançando nua com adereços de índia dentro de um chafariz público são apenas algumas das apelações que o senhor Nelson Hoineff deveria ter pensado duas vezes antes de incluir na fita.
Como nem tudo são rosas, aqui nem tudo são espinhos: há também boas oportunidades para se matar saudades de uma época, visitar artistas sumidos e se deliciar com depoimentos interessantes, como os do rei Roberto Carlos e de um desaforado Aguinaldo Timóteo descendo a lenha em João Gilberto. Mais que isso: por menos material que tenha sido mostrado, é uma boa chance para rever bons momentos daquele apresentador que por muito ainda será lembrado quando alguém buzinar um calouro, oferecer-lhe um troféu abacaxi ou mandar um "alô" para a Terezinha.

CINEMA 4-D

2009-11-02T21:25:00.010-02:00

Neste feriadão de Finados experimentei uma novidade que gostaria de compartilhar com meus leitores: assisti a uma sessão de cinema em quatro dimensões e posso afirmar que, além de emocionante, foi muito divertida para não dizer "vertiginosa"!
Para quem tem como novidade as salas 3-D, que pouco a pouco têm crescido em número pelos cinemas, não imagina quão bacana é incrementar essa experiência com mais uma dimensão - a sensorial. Na animação exibida, A Ilha Perdida, um explorador cai por acidente em uma ilha misteriosa, cheia de perigos e animais assustadores. A história é carente de conteúdo, mas aqui é o que menos importa, pois trata-se de uma sequência com o propósito de dar ao espectador uma pista do que o cinema 4-D pode oferecer.
Além da melhoria visual em relação às projeções 3-D, proporcionada por uma tela côncava de 180°, outras sensações também são estimuladas no 4-D, com o lançamento de pequenos jatos de água na platéia, bufadas de vento, cócegas nas pernas, cadeiras que tremem e que despencam sem sair do lugar. Os sustos seguidos de risadas são inevitáveis!
Recomendo e deixo como dica para quem for visitar a serra gaúcha, principalmente para quem é vidrado em cinema, animações e gosta de estar sempre por dentro do que há de mais bacana em termos de novidades tecnológicas. Fui esperando coisas que não aconteceram, como o estímulo olfativo e um trabalho mais elaborado com o áudio, mas ao mesmo tempo me admirei com outros aparatos que não imaginava que fossem me pregar tantas surpresas e sustos. Posso vislumbrar que essa amostra que tive é apenas o começo de um filão que pode ser muito bem explorado e render experiências incríveis para o futuro.

»JUKEBOX: Este post teve como trilha sonora Black Gives Way To Blue, o recém-lançado álbum de retorno da banda Alice In Chains.«

»MAURICIOPÉDIA: O cinema 4-D localiza-se no Alpen Park, na cidade de Canela/RS. O ingresso para a sessão, que dura aproximadamente 20 minutos, custa R$ 15,00.«

BILLBOARD NO BRASIL

2009-10-31T00:00:00.004-02:00

Após um longo período sem uma revista especializada em música, os leitores brasileiros podem comemorar a chegada da Billboard por aqui. A revista é uma das mais respeitadas mundialmente e suas paradas musicais são referência incontestável na comprovação de vendas e de sucesso de artistas de todos os gêneros da música. Diferente da Rolling Stone, a recém-chegada foca suas matérias unicamente no universo musical, abrindo um pequeno espaço para tratar de outros assuntos do mundo pop, como moda, cinema e artes.
A número 1, já nas bancas neste mês de outubro, traz o Rei Roberto Carlos na capa e uma matéria central sobre sua megaturnê comemorativa de 50 anos de carreira. Entre outras reportagens bacanas, tem ainda Katy Perry, os ressucitados do Alice In Chains, Quentin Tarantino e seu gosto impecável para montar as trilhas sonoras de seus filmes, críticas de CDs, DVDs e shows, além do famoso paradão, incluindo as principais categorias norte-americanas e o lançamento da parada nacional.
Em formato grande e custando a bagatela de R$ 8,90, a revista está bem eclética e interessante. Nesses tempos de recessão, desejo sucesso e longa vida para a novidade, que vem em boa hora para preencher um lugar há muito deixado nas bancas de revista pela saudosa Revista Bizz.

»JUKEBOX: Este post teve como trilha sonora o primeiro álbum solo do cantor Gavin Rossdale, de 2008, entitulado Wanderlust. Rossdale foi vocalista da banda inglesa Bush e é marido da cantora Gwen Stefani.«

MICHAEL JACKSON'S THIS IS IT

2009-10-29T12:00:00.002-02:00

Em 25 de junho passado o mundo musical deu adeus ao seu Rei do Pop, Michael Jackson. Na ocasião, o cantor estava a 8 dias de iniciar uma turnê de 50 shows em Londres, que seriam os últimos de sua carreira, segundo o próprio confirma em uma cena de seu epitáfio cinematográfico, This Is It, que estreou mundialmente nos cinemas nesta quarta-feira.
Uma mescla de documentário e musical, This Is It mostra, no decorrer de seus 110 minutos, os preparativos e os ensaios do que seriam as apresentações de Michael. Trata-se de uma compilação de videos, passagens de som e cenas de bastidores de MJ, como o astro é chamado carinhosamente pela equipe em diversas passagens do filme. Como declarado no início da película, essas filmagens seriam usadas como acervo pessoal do cantor e eventualmente veiculadas também nos telões dos shows. Por uma ironia do destino, acabaram servindo para um propósito muito maior...
Vemos um Michael Jackson desgastado, franzino, com ares de cansado e com um semblante assustador, por conta de suas múltiplas intervenções cirúrgicas no rosto. Apesar dos sinais de fraqueza, nota-se que o cantor continua dançando bem, cantando bem, distribuindo simpatia e comandando a produção e a equipe técnica com maestria, exigência nos mínimos detalhes e muita criatividade.
O diretor Kenny Ortega soube aproveitar bem o material que tinha em mãos e conseguiu encadear tudo de forma harmoniosa. O diretor vai além, omitindo qualquer sentimentlismo barato que poderia ser facilmente arrancado com a menção da morte do pop star e dando também atenção, em pequenos depoimentos, à equipe de produção da turnê, aos músicos e aos dançarinos que acompanhariam Michael.
Desse modo, o espectador pode se deliciar com a execução completa de diversas músicas do ensaio, uma seleção de hits e confirmadas. Pode ainda ver vídeos muito bacanas que seriam veiculados nos telões, como uma versão moderna em 3D de Thriller e uma montagem especial do filme Gilda, com direito a Rita Hayworth e tudo mais, exibida na sequencia de Smooth Criminal.
Ao subir dos créditos, ficam duas sensações: uma primeira de saudade do cantor e de lamento por uma turnê tão magnífica que jamais será vista por alguém, seguida de uma segunda de satisfação, obtida através de um filme honesto que prestou um tributo à altura de um ser humano e de um artista do calibre de Michael Jackson.

»JUKEBOX: Post escrito ao som intermitente da música Thong Song, do cantor Sisqo.«